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Teenage Mutant Ninja Turtles (2014)

Teenage Mutant Ninja Turtles - CoverNew York City wird von einer Unterwelt Gang terrorisiert, die sich selbst als Footclan bezeichnet. Der Clan agiert im Schatten, sodass er bei den Einwohnern der Stadt nur als Gerücht kursiert. April O’Neal, eine ambitionierte Journalistin, will das ändern und versucht die Verbrechen des Footclan aufzudecken. Eines Nachts geht April auf eigene Faust einem Hinweis nach und schleicht sich zu den Docks. Dort wird sie nicht nur Zeuge, wie der Footclan einen Container ausräumt, sondern auch, wie eine mysteriöse Gestalt die Verbrecher in die Flucht schlägt. Angespornt von den Ereignissen an den Docks ist sie entschlossener denn je die Aktivitäten der New Yorker Unterwelt ans Tageslicht zu bringen. Bei ihrer nächsten Begegnung mit dem Footclan wird April als Geisel genommen. Erneut tauchen die Gestalten auf, schlagen den Clan in die Flucht und befreien April. Es stellt sich heraus, dass es sich bei den heimlichen Helden um die Teenage Mutant Ninja Turtles handelt. Die vier mutierten Schildkröten Donatello, Raphael, Leonardo und Michelangelo wurden von der Ratte Splinter großgezogen und in der Kunst des Ninjutsu unterrichtet.

Teenage Mutant Ninja Turtles ist nunmehr zwei Jahre alt und es steht bereits die Fortsetzung in den Startlöchern. Nach all der Zeit kann ich mit anderen, sehr viel gnädigeren Augen auf das Franchise Reboot zurückblicken.

Zu Beginn hatten die Turtles und ich einen holprigen Start. Vor allem das Design der Schildkröten hat mich bereits seit dem Release des ersten Trailers gestört. Diese zwei Meter großen, fast schon schleimigen Monster mit ihrem realistischen Look waren einfach zu weit von meiner Vorstellung der Turtles entfernt. Dazu kam noch der Transformer-Shredder, der auf mich wie eine recycelte Figur aus Michael Bays vorigen Filmen wirkt. Ja, sie sehen anders aus als in den vorigen Filmen und Serien, aber nachdem ich mich an die Neuinterpretation gewöhnt habe finde ich das Design gar nicht schlecht. Zudem muss man sich auch vor Augen führen, wer hier das Zielpublikum des Films darstellt. Wenn ich mir vorstelle, ich würde die vorigen Versionen nicht kennen und ginge als mein zehnjähriges Ich in den Film, wäre ich wohl auch begeistert von den Muskelpaketen, die immer einen lockeren Spruch auf den Lippen haben. Wahrscheinlich müssen die Turtles heute so aussehen, um zu funktionieren. Damit sie mit den Standards moderne Filme mithalten können ist jedenfalls klar, dass nicht wie in den Vorgängern erneut auf Kostüme gesetzt werden konnte – allein aufgrund der Actionsequenzen wäre dies undenkbar. Shredder allerdings wirkt auch nach zwei Jahren Bedenkzeit noch wie ein ausgemusterter Transformer.

Teenage Mutant Ninja Turtles - Action

Schnelle Schnitte, Bewegung in jedem Bild – man kennt es von Bay nicht anders. Hier wird der Einfluss des Produzenten auf Regisseur Liebesman deutlich. Denn auch in Teenage Mutant Ninja Turtles steht keine Kamera still und sämtliche Bay typischen Shots wurden irgendwie untergebracht. Doch auch wenn Kritiker seinen Stil kritisieren und als schlecht beurteilen, spricht das Publikum eine andere Sprache. Möglicherweise müssen nicht nur die Figuren so aussehen, wie sie aussehen, sondern auch der filmische Stil ist für die von Youtube geprägte Generation genau richtig – denn genau die soll er doch auch ansprechen. Der Erfolg gibt Bay hier Recht: Mit einem Budget von 125 Millionen Dollar hat der Film bei versetzten Filmstarts innerhalb von zwei Monaten über 350 Millionen Dollar eingespielt.

Jetzt bin auch ich jemand der diese ganzen CGI-Orgien kritisiert, doch ich muss auch anerkennen, dass der Film so wie er produziert wurde funktioniert. Damit meine ich nicht nur an der Kinokasse, sondern auch ich wurde von dem Film, nachdem ich meinen Schutzpanzer der Abneigung abgelegt hatte, gut unterhalten. Die Action, auch wenn komplett im Computer entstanden, ist aufregend inszeniert und bleibt dem Stil der früheren Turtles durch adäquat platzierte Gags treu.

Filmproduzenten versuchen aktuell so häufig wie noch nie mit Reboots und Remakes von Filmen aus den 80er bzw. 90er Jahren die Nostalgiker abzuholen. Dabei scheinen viele Filme bei ihrem ganzen Fanservice zu vergessen etwas Neues zu schaffen. Nehmen wir zum Beispiel Star Wars: man lässt nicht ohne Grund Han Solo durch Harrison Ford wieder aufleben und erzählt dabei die Geschichte des ersten Teils nur mit anderen Charakteren noch einmal. Versteht mich nicht falsch – auch ich hatte Gänsehaut bei „Chewie, we’re home“ im Trailer zu Force Awakens und natürlich habe ich mich gefreut noch einmal Han Solo auf einer seiner Missionen begleiten zu dürfen. Es gibt etliche Beispiele an Filmen, die eine alte Geschichte nehmen und im Endeffekt nur in einem modernisierten Gewand erneut erzählen. Turtles geht einen anderen Weg: das Design ist anders, der Look ist ein anderer und auch die Story weicht von sämtlichen Vorlagen, die mir bekannt sind, ab. Klar, die Turtles sind noch sprechende Ninja-Schildkröten und April ist eine Reporterin, es gibt schon einige Konstante, doch es wurde eben auch viel neu gemacht. Dafür respektiere ich Teenage Mutant Ninja Turtles mittlerweile.

Teenage Mutant Ninja Turtles - Megan Fox

Dass die Entstehungsgeschichte der Turtles dabei die mit Abstand dümmste ist, die je erzählt wurde, ist da eine andere Geschichte. Wir hatten schon eine Ratte, die im Käfig die Bewegungen eines Menschen nachgemacht hat und dadurch Ninjutsu gelernt hat und wir hatten einen Ninjutsu Meister, der mit Mutagen beschmierten Schildkröten in Berührung kam und zur Ratte wurde. Aber das Splinter in der Kanalisation ein Buch über Ninjutsu gefunden hat und sich dadurch zunächst selbst und anschließen den vier Schildkröten die hohe Kunst des Ninjutsu beigebracht haben soll, bringt es auf ein ganz anderes Level von unglaubwürdig. Auch heute ist dies ein Punkt, den ich für kritikwürdig halte und auch selbst am Film kritisiere, allerdings fällt heute meine Gewichtung anders aus. Betrachtet man den Film als Gesamtbild, spielt die Entstehung der Schildkröten kaum eine Rolle. Sie wird in wenigen Sätzen abgehandelt und ist nur Mittel zum Zweck, um die Verbundenheit zwischen April und den Turtles möglichst schnell zu erklären. Das ist zwar schlechtes Storytelling, allerdings weiß ich zu schätzen, dass ich nicht wie so oft mit einer unnötig langen Origin Story konfrontiert werde. Ebenfalls schlechtes Storytelling sind die vielen Plotlöcher. Zum Beispiel stellt sich mir die Frage, warum kann April Sacks hochauflösende Bilder der Turtles zeigen, ihrer Chefin allerdings nur ein Graffiti?

Das mag alles nach einer Apologie eines schlechten Filmes klingen, soll aber nur meine Ansicht verdeutlichen. Jedem sei freigestellt Teenage Mutant Ninja Turtles als schlechten Film zu kategorisieren und viele der geäußerten Kritiken sehe ich nach wie vor als berechtigt an. Ich habe jedoch meine mit Nostalgie beschlagene Brille abgenommen und aufgehört die Filme aus meiner Kindheit als Meisterwerke zu glorifizieren – denn das sind sie nicht. Ich sehe nun klarer und erkenne die Turtles Reincarnation als den kindgerechten Blockbuster an, der sie sein möchte.

Fazit zu „Teenage Mutant Ninja Turtles“

Teenage Mutant Ninja Turtles hat es schwer gegen die Turtles aus unserer Kindheit anzukommen, deswegen solltet ihr Versuchen diese Erinnerungen außen vor zu lassen. Die Filme und vor allem die Serie hat wohl eine Generation geprägt und den Meisten eine ziemlich genaue Vorstellung davon gegeben, wie ein Turtles Film auszusehen hat. Hier kann ein Film an den hohen Erwartungen seines Publikums nur scheitern und genau das spiegelt sich in den Kritiken wieder. Man darf hier allerdings nicht vergessen, dass damals wie heute das Zielpublikum der Turtles Kinder waren/sind. Als ihr die Serie geguckt habt, wart ihr Kinder, und falls ihr heute noch mal in die eine oder andere Folge reinschaut, fließt eine große Portion Nostalgie mit in die Wertung. Nehmt Abstand von euren Erwartungen und versucht das Reboot als das zu sehen was es ist: ein hauptsächlich für Kinder bzw. Jugendliche produzierter Blockbuster. Hätte ich diese Review vor zwei Jahren geschrieben, wäre wie bei so vielen anderen, auch ein kompletter Verriss des Films herausgekommen. Nun, da ich die ersten Eindrücke haben sacken lassen und dem Film eine zweite Chance gegeben habe, hat er mich durchaus unterhalten. Teenage Mutant Ninja Turtles ist bei weitem kein Meisterwerk und auch noch weit entfernt davon ein guter Film zu sein. Trotzdem macht der Film optisch einiges her und weiß durch Action und Humor für knapp zwei Stunden gut zu unterhalten. Ein durchschnittlicher Blockbuster eben. Und was den oft erwähnten Turtles Charme angeht muss ich anmerken, dass im Vergleich zu den bisherigen Verfilmungen, Teenage Mutent Ninja Turtles, allen voran Raphael mit seiner düsteren und rohen Art, am nächsten an der originalen Comicvorlage liegt.

Coherence


Coherence CoverCoherence erzählt die Geschichte von acht Freunden, die sich längere Zeit nicht gesehen haben und bei einem gemeinsamen Dinner einen netten Abend verleben möchten. Für eben diesen Abend haben Astronomen angekündigt, dass ein Komet an der Erde vorbeizieht. Doch was eigentlich ein schön anzusehendes Schauspiel am Himmel werden sollte, löst eine Anomalie aus, die das Strom- und Mobilfunknetz zum Erliegen bringt. Im Verlauf des Abends häufen sich die seltsamen Ereignisse, sodass sich die Freunde fragen müssen, was der Komet noch verursacht hat.

Neben der dokumentarischen Optik hat Regisseur James Ward Byrkit sich ebenfalls bemüht die Dialoge besonders authentisch wirken zu lassen. Die Gespräche am Tisch überschneiden sich, was in gewisser Weise chaotisch wirkt, aber auch eine ganz besondere Dynamik mit sich bringt. Bei einem Dinner mit Freunden sind parallel geführte Gespräche üblich, genauso wie das Dazwischenreden. Man hat durch die Art der Inszenierung das Gefühl, eine Gruppe von Freunden zu beobachten.

Sonst passiert am Anfang des Films nicht viel. Als Zuschauer weiß man zunächst nicht, was man von dem Film zu erwarten hat – aber das ist auch gut so. Grade diese Ungewissheit, macht diesen Film sehenswert. Daher habe ich die Inhaltsangabe sehr knapp gehalten und ich würde jedem, dem der Sinn nach einem Mystery Scinece-Fiction-Thriler steht, Empfehlen einfach den Film ohne weitere Informationen zu gucken.

Coherence - Mystery

Nach knapp 15 Minuten nimmt das Kammerspiel dann an Fahrt auf. Schnell steigern sich die Charaktere in die neue Situation hinein – etwas zu schnell für mein Empfinden. Ein Stromausfall und ein Klopfen an der Tür sind für die Protagonisten ein ausreichender Grund zur Panik. Dabei gibt es normalerweise genug Gründe, warum jemand an der Tür klopft – ein Nachbar der nach einer Taschenlampe fragt zum Beispiel. Dazu kommt das übertriebene Schauspiel der Darsteller, das dem Film einiges der aufgebauten Glaubwürdigkeit wieder nimmt. Hier erfolgt die Überleitung zum Hauptteil zu abrupt, wodurch ich mich als Zuschauer trotz der langen Einführung in die Handlung geschmissen fühlte.

Coherence - Drama

Wirklich gelungen ist die Mischung aus wissenschaftlichen Erklärungen, die nicht zu fordernd für den Rezipienten sind und den mysteriösen Geschehnissen, die sowohl den Protagonisten, als auch den Zuschauern Kopfzerbrechen bereiten. Alle Ereignisse erscheinen, trotz ihrer Abnormalität, glaubwürdig.

Nach dem Betrachten von Hintergrundinformationen zu Coherence wusste ich den Film gleich noch mehr zu schätzen. Da wäre zum Beispiel das mit 50.000 Dollar sehr geringe Budget. Der komplette Dreh fand daher zum größten Teil im Haus von Regisseur James Ward Byrkit statt. Des Weiteren gab es kein komplett ausgearbeitetes Script, sondern die Darsteller haben oftmals lediglich mit Stichwörtern zu der jeweiligen Situation gearbeitet und die Dialoge größtenteils improvisiert.

Fazit zu „Coherence“

Coherence ist ein spannender Science-Fiction-Thriller, der vor allem durch sein interessantes Drehbuch überzeugt, in der Umsetzung allerdings seine Schwächen hat. Berücksichtigt man allerdings die Umstände, unter denen der Film entstanden ist, sollte man leichter über einige dieser Mängel hinwegsehen können. Alles in allem wird eine spannende, mit einigen Überraschungen und Wendungen versehene Story erzählt, die man an einigen Stellen erahnen, jedoch nie komplett voraussehen kann.



Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 2013
Länge: 88 Minuten
Altersfreigabe: FSK 12

Regie: James Ward Byrkit
Drehbuch: James Ward Byrkit und Alex Manugian
Produktion: Lene Bausager, Alyssa Byrkit
Musik: Kristin Øhrn Dyrud
Kamera: Nic Sadler
Schnitt: Lance Pereira

Besetzung

Emily Baldoni – Emily; Maury Sterling – Kevin;
Nicholas Brendon – Mike; Lorene Scafaria – Lee;
Hugo Armstrong – Hugh; Elizabeth Gracen – Beth;
Alex Manugian – Amir; Lauren Maher – Laurie

Herr Fuku-chan von nebenan


71sIF7g9O7L._SL1200_Der 32-jährige Tatsuo Fukuda, den alle nur Fuku-chan nennen, arbeitet als Maler in Tokyo. Seit er die Highschool abgeschlossen hat und nach Tokyo gezogen ist, lebt er ein bescheidenes Leben in dem heruntergekommenen Appartmentkomplex FukuFuku Flats. Tagsüber ist Fuku-Chan durch seinen Job damit beschäftigt Gebäude in Tokyo zu streichen. Abends bastelt er in seiner Freizeit gerne Drachen, die er selbst kunstvoll gestaltet. Fuku-chan ist ein Mensch voller Güte, der sich in die Lage seiner Mitmenschen versetzen kann und ihnen aufmerksam zuhört. Deshalb kommen seine Nachbarn auch zu ihm, wenn sie Probleme haben und fragen um Rat. Als er mal wieder einen Streit schlichten möchte, lernt er seine beiden Nachbarn besser kennen und freundet sich mit ihnen an. Auch wenn der sympathische Fuku-Chan von allen gemocht wird, hat er mit den Frauen bislang kein Glück gehabt. Dies möchte sein Arbeitskollege ändern und arrangiert ein Date für den liebevollen Fuku-Chan.

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Fuku-chan von nebenan ist eine sehr bodenständige Tragikomödie. Bis auf einige surreale Spitzen (z. B. die Szene mit dem riesigen Drachen) fallen nur wenige Szene aus dem Rahmen. Ansonsten wird die Geschichte eines Menschen aus der unteren Mittelschicht erzählt, der jeden Tag seiner Arbeit nachgeht und ein unspektakuläres Leben lebt. Der Humor wechselt sich mit den dramatischen Szenen ab. Dabei wird nicht auf den großen Lacher gesetzt, sonder es wird behutsam und feinfühlig die Pointe eingeleitet.

Etwas absurd wird es jedoch, sobald man die Hintergründe zu dem Film etwas genauer betrachtet. Fuku-Chan wird nämlich entgegen den Erwartungen nicht von einem Mann, sondern von einer Frau gespielt. In Japan ist die Darstellerin von Fuku-chan Miyuki Oshima eine berühmte Komikerin, in Deutschland dürfte sie allerdings kaum jemandem bekannt sein.

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Fuku-Chan ist ein freundlicher junger Mann, der voller Güte allen seinen Mitmenschen jederzeit behilflich ist. Diese Mentalität von Fuku-Chan wird auch durch den Film transportiert. Hier wird das einfache Leben zu etwas Besonderem. Es wird auf unterhaltsame und doch gefühlvolle Weise das Konzept von Schönheit hinterfragt. Niemand hält Fuku-Chan mit seinem rundlichen Gesicht für ein Model, doch Chiho entdeckt in ihm eine ganz besondere Schönheit und möchte von ihm einen Bildband machen. Dabei versucht sie nicht, Fuku-Chan besonders herzurichten, sondern sucht die schönen Momente im Alltag. Sie fotografiert ihn während seiner Arbeit, während er glücklich mit seinen Freunden einen Drachen steigen lässt oder er sein Abendessen genießt.

Etwas von seiner Leichtigkeit büßt der Film ein, sobald das Thema Mobbing aufkommt. Hier wird deutlich, dass Fuku-Chan nur oberflächlich glücklich ist. Im Innern ist er ein tief verletzter junger Mann, dessen mangelnde Kompetenzen im Umgang mit Frauen, auf die traumatisierenden Erlebnisse während seiner Schulzeit zurückzuführen sind. Er versteckt seine verletzliche Seite hinter seinen Angewohnheiten. So spielt er lieber mit seinen Freunden mit seinem selbst gebastelten Drachen, als sich mit der Frau zu unterhalten, die sich für ihn interessiert. Als dann eine Frau aus der Vergangenheit in sein Leben tritt – seine erste große Liebe – kommt seine verletzliche und hoch sensible Seite zum Vorschein.

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Fazit zu „Herr Fuku-chan von nebenan“

Fuku-Chan von nebenan ist ein sehr herzlicher Film, der trotz seiner tragischen Elemente nicht seine Leichtigkeit verliert. Er lässt einen über Begriffe wie Schönheit und Normalität nachdenken, ohne mit dem erhobenen Zeigefinger etwas anzuprangern. Fuku-Chan passt nicht in das Weltbild, das die meisten von einem normalen Leben haben. Er hat mit Mitte 30 noch keine Frau, interessiert sich für Drachen und lässt diese gerne steigen. Auch gilt er mit seinem runden Gesicht nicht als schön im Sinne des Idealbildes, das sich gesellschaftlich herauskristallisiert hat. Und trotzdem entdeckt Chiho in ihm etwas Besonderes. Die Mischung aus Klamauk, feinfühligem Humor und Dramatik machen Herr Fuku-chan von nebenan zu einem warmherzigen Film mit Wohlfühlfaktor.



Produktionsland: Japan, UK, Italien, Taiwan,
Deutschland
Originalsprache: Japan
Erscheinungsjahr: 2015
Länge: 110 Minuten
Altersfreigabe: FSK 12

Regie: Yosuke Fujita
Drehbuch: Yosuke Fujita
Produktion: Naoko Arai, Keiko Fujimura, Adam Torel
Kamera: Yoshihiro Ikeuchi
Schnitt: Yoshisuke Hori

Besetzung

Miyuki Oshima – Fuku-chan; Asami Mizukawa – Chiho Sugiura;
Yoshiyoshi Arakawa – Shimacchi

Chappie


Chappie CoverDer Film Chappie beginnt mit einem Zusammenschnitt aus Nachrichten, die über Gewalt und Kriminalität in Johannesburg berichten. Polizisten haben immer wieder das Nachsehen im Kampf gegen die Banden, doch das soll sich nun ändern. Auf einer Pressekonferenz stellt der Polizeipräsident die neue Wunderwaffe gegen alles, was momentan in der Metropole schief läuft, vor. Korruption, Gewalt und Kriminalität sollen von dem Robopolizisten zerschlagen werden und die Stadt wieder in neuem Glanz erstrahlen lassen. Dieser Polizeiroboter wurde maßgeblich von dem Ingenieur Deon Wilson entwickelt. Dabei handelt es sich allerdings nicht um die einzige Art Roboter. Vincent Moor, ein weiterer Ingenieur, der mit Deon zusammenarbeitet, hat ebenfalls einen Roboter entwickelt. Sein Roboter handelt jedoch nicht selbstständig, sondern muss von einem Menschen ferngesteuert werden. Letztendlich hat sich das Unternehmen gegen die ferngesteuerten Maschinen von Moor entschieden. Seitdem nutzt er jede Gelegenheit Deon und seine autonomen Roboter schlecht dastehen zu lassen. Obwohl Deons Robopolizisten sich bereits im Einsatz als erfolgreich erwiesen haben, ist er noch nicht am Ende seiner Forschung. Er hat sich zum Ziel gesetzt seine Polizeiroboter weiterzuentwickeln, sodass sie eines Tages eine echte künstliche Intelligenz besitzen. Sie sollen genauso wie ein Mensch lernen können und selbst Entscheiden, welches Handeln für sie richtig oder falsch ist. Zu Hause forscht Deon deswegen unermüdlich weiter, um aus seiner Fantasie irgendwann Realität werden zu lassen. Eines Abends scheint ihm der Durchbruch tatsächlich gelungen zu sein. Jetzt fehlt ihm nur noch das passende Testobjekt. Am nächsten Tag versucht er seine Vorgesetzte von dem Projekt zu überzeugen, doch vergebens. Kurzerhand beschließt Deon seine Forschung auf eigene Faust fortzusetzen und stiehlt einen defekten Polizeiroboter. Grade als er sich auf den Heimweg begibt, treten Yolandi und Ninja auf den Plan und entführen Deon mitsamt seinem Roboter.

Robopolizist

Robcop trifft Nummer 5. Der Film Chappie erinnert in seiner Prämisse deutlich an den 80er Jahre Klassiker Robocop. Auch hier sollen die bisherigen Polizisten, durch Roboter ersetzt werden. Spätestens sobald der Moose vorgestellt wird, der deutlich an den ED-209 erinnert, sind die Gemeinsamkeiten nicht mehr von der Hand zu weisen. Der neidische Ingenieur, dessen Idee verkannt wird und der nun einen Plan ausheckt, wie er das aktuelle Programm sabotieren und seiner Erfindung doch noch zum Durchbruch verhelfen kann.

Chappie Panorama

Posititv an dem Film aufgefallen und wirklich beeindruckend waren die Locations. Der Kontrast aus Science-Fiction Setting und den rauen Straßen von Johannesburg haben eine aufregende Komposition ergeben. Die Sets waren allerdings das einzig Authentische. Die Charaktere wirken die meiste Zeit völlig überzeichnet, um nicht zu sagen lächerlich. Es hätte dem Film gut getan, wenn Blomkamp auf richtige Schauspieler zurückgegriffen hätte. Optisch passen die zwei Gestalten zwar gut und der Soundtrack war durch die beiden Mitglieder der Band „Die Antwoord“ auch eine Bereicherung, aber die Darbietung der drei Gangster ist bemerkenswert schwach.

Ninja - Chappie

Der Film Chappie scheint sein Ziel völlig aus den Augen zu verlieren. Aufgrund der lächerlich wirkenden Charaktere und Handlung kann man den Film einfach nicht ernst nehmen. Oft stellt sich die Frage, was an dem Film nun Komik sein soll und was nur unfreiwillig komisch wirkt. Das Roboter Baby, das den Gangster imitiert. Yolandi, die besorgte Mutter, die sich doch nur um den kleinen Chappi sorgt. Unterstützt wird die melodramatische Handlung in den ruhigeren Szenen durch eine völlig überzogene und deplatziert wirkende theatralische Musik. Hier wird dem Zuschauer mit aller Deutlichkeit signalisiert, dass er sich hier um Chappie und Co. sorgen soll.

Chappie - Fistbump

Sobald die Botschaft der Szene dem Zuschauer mit der Faust aufs Auge präsentiert werden muss, weiß man, dass gesellschaftskritische Ansätze hier nicht zu erwarten sind. Dabei war mit Robocop die Vorlage bereits da, allerdings wurde das Potenzial durch eine Aneinanderreihung von Albernheiten gnadenlos verschenkt.

Um mit etwas positivem abzuschließen, soll hier die wirklich gelungende Darstellung des Roboters Chappie erwähnt werden. Mimik und Gestik wirken bei Chappie authentischer als bei so manch menschlichem Schauspieler in dem Film.

Fazit

Chappie ist ein Film, der durchaus unterhalten kann, solange man nicht zu hohe Erwartungen hat. Blomkamp schafft es nicht, an die Qualität von District 9 anzuknüpfen und auch ein Vergleich zu seiner offensichtlichen Inspirationsquelle Robocop, tut dem Film ebenfalls keinen Gefallen. Wenn man sich aber damit abfinden kann, nicht die tiefgründigste Geschichte erzählt zu bekommen, bleiben noch die nett anzusehenden Bilder und die zahlreichen humoristischen Momente, die meist allerdings aus Albernheiten bestehen.



Produktionsland: USA, Mexiko
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 2015
Länge: 120 Minuten
Altersfreigabe: FSK 12

Regie: Neill Blomkamp
Drehbuch: Neill Blomkamp, Terri Tatchell
Produktion: Neill Blomkamp, Simon Kinberg
Musik: Hans Zimmer
Kamera: Trent Opaloch
Schnitt: Julian Clarke, Mark Goldblatt

Besetzung

Sharlto Copley – Chappie (englische Originalstimme und Motion Capture); Dev Patel – Deon Wilson; Hugh Jackman – Vincent Moore;
Yolandi Visser – Yolandi; Watkin Tudor Jones – Ninja;
Sigourney Weaver – Michelle Bradley; Jose Pablo Cantillo – Amerika

A Company Man


A Company Man - CoverHyung-do ist ein Company Man und arbeitet laut eigener Aussage für eine ganz normale Firma in Südkorea. Allerdings ist die Firma nur zum Schein ganz normal, denn sie ist spezialisiert auf das professionelle Töten von Menschen. Hyung-do ist ein guter Angestellter, sogar einer der Besten auf seinem Gebiet. Er erledigt jeden Job zielstrebig, effizient und leidenschaftslos. Das ändert sich allerdings, als er den Auftrag bekommt seinen jungen Partner umzubringen. Als letzten Wunsch äußert dieser die Bitte seiner Mutter seine Ersparnisse zukommen zu lassen, die er in der Zeit in der Firma angesammelt hat. Wie sich herausstellt, handelt es sich bei der Mutter um Mi-yeon, eine ehemalige Sängerin, die Hyung-do früher sehr gemocht hat. Die Beiden fangen an Zeit miteinander zu verbringen und der Auftragskiller lernt ein Leben abseits der Firma kennen. Letztendlich erkennt er, dass er nicht länger seiner Profession nachgehen möchte, und beschließt in den vorzeitigen Ruhestand zu treten. Doch diese Entscheidung lässt ihn zur Zielscheibe der Firma werden, denn ein Ausstieg ist für gewöhnlich nur im Leichensack möglich.

Bei „A Company Man“ können durchaus Parallelen zu dem durchschnittlichen koreanischen Arbeiter gezogen werden, der ebenfalls pflichtbewusst in einer melancholischen Lethargie seinem bedeutungslos erscheinenden Job in einer riesigen Firma nachkommt und sich fragt, ob das nun alles im Leben gewesen sein soll.

A Company Man -

Genau diese Frage stellt sich nämlich auch Hyung-do als er Mi-yeon begegnet. So interessant diese Allegorie doch scheint, wird das Potenzial durch den Einsatz von typischen Klischeefiguren verschenkt. Hyung-do ist ein kaltblütiger Killer, wodurch es einem ohnehin schwerfällt, Sympathie zu dem Protagonisten aufzubauen. Auch wenn darauf verzichtet wird ihn beim Morden Unschuldiger zu zeigen, ist doch jedem klar, dass er, um an die Spitze der Firma zu kommen, etlichen Menschen das Leben genommen hat. Dazu kommt noch, dass der Protagonist wahrlich kein Mann vieler Worte ist, sodass es insgesamt an der nötigen Tiefe des Charakters fehlt.

A Company Man

Bei der Inszenierung kommen innovative Kameraeinstellungen zum Einsatz die in Verbindung mit den dynamischen Schnitten die actiongeladene Choreografie gelungen in Szene setzen. Doch trotz dieser Action Highlights und der vielversprechenden Prämisse bleibt A Company Man ein ruhig verlaufendes Action-Drama, das in weiten Teilen nur bedeutungslos vor sich hinzu plätschern scheint.

Trotzdem ist „A Company Man“ ein solider Film, der vor allem Leuten Spaß machen wird, die ohne große Erwartungen an ihn herangehen. Sucht man allerdings den Vergleich zu Genregrößen wie „Bittersweet Life“, „I saw the Devil“ oder „The Man from Nowhere“ ist die Enttäuschung vorprogrammiert. Hier haben die Werbetexte dem Film keinen Gefallen getan.

Fazit

Trotz der nur 96 Minuten Laufzeit hatte A Company Man, besonders aufgrund der einfarbigen Charaktere und der vorhersehbaren Story seine Längen. Sobald es allerdings kracht, spielt der Film seine Trumpfkarte aus und die liegt in der aufregenden Inszenierung der Actionsequenzen. Stilistisch hat sich Regisseur Lim Sang-yoon erkennbar an Genregrößen orientiert, allerdings diese nicht übertroffen, wodurch ein voreiliger Vergleich dem Film nur schadet. Unvoreingenommen betrachtet ist „A Company Man“ ein gelungenes Erstlingswerk, das sicher seine Macken hat, aber durchaus zu unterhalten weiß.



Produktionsland: Süd Korea
Originalsprache: Koreanisch
Erscheinungsjahr: 2012
Länge: 96 Minuten
Altersfreigabe: FSK 18/ ungeprüft

Regie: Lim Sang-yoon
Drehbuch: Lim Sang-yoon
Musik: Mowg
Kamera: Lee Hyung-deok
Schnitt: Nam Na-yeong

Besetzung

So Ji-sub – Ji Hyeong-do; Lee Mi-yeon – Yoo Mi-yeon; Kwak Do-won – Kwon Jong-tae; Kim Dong-jun – Ra Hoon; Lee Geung-young – Ban Ji-hoon, department head; Han Bo-bae – Ra Bo-seul; Yoo Ha-bok – Jin Chae-gook, department head; Yoo Na-mi – Miss Ahn, receptionist; Hong Kyung-yeon – Yang, chief of equipment materials team; Jeon Guk-hwan – Representative Jeon; Lee Jae-yoon – Shin Ip-nam, sales;

Nokan - Die Kunst des Ausklangs


Nokan - Departures CoverDaigo verdient sich seinen Lebensunterhalt als Cellist in einem kleinstädtischen Orchester. Als die Zuschauerzahlen immer weiter abnehmen, wird ihm mitgeteilt, dass das Orchester aufgelöst werden muss. Der sowieso schon von Geldproblemen geplagte Daigo sieht durch diesen Verlust keine Zukunft mehr für sich in der Stadt und beschließt in sein Heimatdorf zurückzukehren, um einen Neuanfang zu starten. Seine fürsorgliche Frau Mika unterstützt ihn bei dieser Entscheidung und zeigt sogar Verständnis als Daigo ihr beichtet, dass er einen enormen Kredit aufnehmen musste, um damals sein Cello finanzieren zu können. Nachdem nun sein Dasein als Cellist vorüber ist, braucht er auch das teure Cello nicht mehr und durch den Verkauf hat dass Paar erst einmal ein kleines finanzielles Polster. In seiner Heimatstadt angekommen stößt Daigo schnell auf eine Stellenanzeige, die zunächst den Anschein macht, es handele sich um einen Job in einem Reisebüro. Noch bevor ihm klar wird, für welchen Job er sich tatsächlich beworben hat, wird er von seinem neuen exzentrischen Chef Sasaki schon eingestellt. Daigo muss feststellen, dass mit der Reise nicht etwa ein Urlaub gemeint war, sondern dass es sich dabei um die letzte „Reise“ handelt, die jeder Mensch antritt. Ab sofort ist es Daigos Aufgabe Verstorbene nach alter japanischer Tradition ins Jenseits zu verabschieden.

Daigo geht nun als Bestatter in seinem Heimatdorf einer Tätigkeit nach, die gesellschaftlich wenig Ansehen genießt, ja sogar teilweise verachtet wird. Dieser Bruch der Konventionen stellt in Nokan die Hauptproblematik dar, ist für mich als Solche allerdings nicht nachzuvollziehen. Abgesehen davon behandelt der Film die an sich ernsten Themen Vergänglichkeit, Verlustängste sowie Tod und geht mit diesen sehr respektvoll um, schafft es aber dennoch nicht allzu trübselig zu wirken. Vor allem gelingt das durch elegant platzierte schwarzhumorige Seitenhiebe, die über weite Teile des Films verteilt sind. Dabei kommt es nie zu einem völligen Stimmungsbruch durch allzu klamaukige Einlagen. Nokan erlaubt dem Zuschauer damit lediglich ein kurzes Aufatmen. Zum Ende hin werden diese Elemente deutlich reduziert, bis in der letzten halben Stunde letztendlich nur noch eine bedrückend melancholische Stimmung bleibt, die auch aus den emotionsresistenten Cineasten das ein oder andere Tränchen hervorzubringen vermag. Lediglich durch den übermäßigen Einsatz des an sich sehr gelungenen Soundtracks wirkt Nokan zeitweise etwas kitschig.

In dem, mit dem Auslands-Oskar preisgekrönten Film Nokan bleibt Daigos neu gefundene und in der Gesellschaft gering geschätzte Berufung sowie der dadurch gewährte Einblick in die japanischen Rituale um Tod und Trauer, leider das einzig Originelle. Die Handlung hält keine Überraschung bereit und läuft gradlinig nach altbekannten Schemen ab. Auch der Charakter von Mika als immer lächelnde und ganz ihrem Mann untergeordnete Ehefrau, bleibt der traditionellen und aus heutiger Perspektive überholten Sichtweise treu.

Nokan ist nicht sonderlich spektakulär oder glänzt durch aufregende Wendungen. Die Besonderheit, die den Film ausmacht, liegt in seinem feinfühligen Umgang mit Vergänglichkeit und Tod. Es werden Fragen aufgeworfen, die nicht nur die Protagonisten quälen, sondern auch in jedem Menschen schlummern. Obwohl Nokan des Öfteren etwas dem Kitsch verfällt, bleibt der Film doch ein stimmiges Drama, das zudem noch weiß mit einem sehr ruhigen und bewussten Erzählstil gepaart mit wunderschönen Bildkompositionen zu beeindrucken.

 

(Spoiler)

Aus westlicher Sicht ist Nokan in Teilen schwer nachzuvollziehen. Vor allem die große Problematik, dass Daigo mit seinem neuen Job auf so viele Probleme stößt. Sein alter Freund, der ihn noch zuvor herzlich in der alten Heimat begrüßt hat, möchte nun nichts mehr mit ihm zu tun haben. Und sogar seine vorher so verständnisvolle Frau, die jeden Schicksalsschlag zum Wohle ihres Mannes mit einem Lächeln hinzunehmen schien, packt kurzerhand die Koffer, als sie erfährt, womit ihr Mann seinen Lebensunterhalt verdient. Das er mit dem Präparieren von Toten nicht grade einen Beruf gefunden hat, von dem man auf Cocktailpartys erzählt, sehe ich ein. Aber dass er aufgrund seines Jobs nun von seinen Nächsten geächtet wird, macht für mich kaum Sinn, besonders in Anbetracht der sonst so traditionsbewussten Japaner. Ich habe in einer anderen Review den Vergleich zu einem Henker im Mittelalter gelesen, mit dem auch in der westlichen Kultur damals niemand verheiratet sein wollte. Dieser Vergleich hinkt jedoch, da die beiden Tätigkeiten kaum vergleichbar sind. Bei Daigos Arbeit geht es darum besonders feinfühlig, ordentlich und präzise zu sein und seinen Kunden den Abschied von ihren Liebsten so schön (insofern man das Wort „schön“ hier verwenden kann) zu machen wie nur möglich. Zumal jeder, der eine traditionelle Bestattung wünscht, auf Daigo oder jemanden mit seiner Profession angewiesen ist. Und grade bei der Verabschiedung seiner Liebsten möchte man auch einen besonders kompetenten Bestatter. (Spoiler Ende)

Fazit

Wer bereit ist, die Zeit zu investieren und Lust auf ein langsam aber herzlich erzähltes Drama hat, ist bei Nokan genau richtig. Dabei sollte man sich bewusst sein, dass Nokan keine leichte Kost ist und trotz einiger humoristischer Einlagen, schon bedingt durch seine Thematik, ein sehr melancholischer Film bleibt.



Produktionsland: Japan
Originalsprache: Japanisch
Erscheinungsjahr: 2008
Länge: 131 Minuten
Altersfreigabe: FSK12

Regie: Yōjirō Takita
Drehbuch: Kundo Koyama
Musik: Joe Hisaishi
Kamera: Takeshi Hamada
Schnitt: Akimasa Kawashima

Besetzung

Masahiro Motoki – Daigo Kobayashi; Ryōko Hirosue – Mika Kobayashi; Kazuko Yoshiyuki – Tsuyako Yamashita; Tsutomu Yamazaki – Shōei Sasaki; Kimiko Yo – Yuriko Uemura; Takashi Sasano – Shōkichi Hirata; Tetta Sugimoto – Yamashita; Toru Minegishi – Toshiki Kobayashi

#Horrorctober – Brides of Horrorctober

Es ist endlich so weit, der Oktober ist da und damit auch der #Horrorctober. Die Cinecouch als Initiator ruft ein weiteres Mal alle Blogger und Filmliebhaber dazu auf, den Oktober ganz dem Horrorgenre zu widmen. Es sind bereits etliche Teilnehmer bei der Cinecouch aufgeführt. Jeder der Teilnehmer hat eine Liste, bestehend aus 13 Horrorfilmen auf Letterboxd erstellt, um diese verteilt über den Oktober abzuarbeiten. Die Meinungen zu den Filmen und die Reviews werden auf Twitter unter dem Hashtag #Horrorctober geteilt, sodass ein munterer Austausch entsteht. Um selbst bei der Cinecouch als Teilnehmer gelistet zu werden, reicht ein kleiner Tweet oder Kommentar unter dem Artikel. Aber auch wer nicht über Filme schreiben möchte, ist herzlich willkommen, sich bei den Bloggern und ihren Listen und Artikeln bei der Filmauswahl inspirieren zu lassen, oder via Kommentarfunktion in den einzelnen Blogs seine Meinung kundzutun.

Cinecouch.net
Cinecouch.net

Der große Austausch über die Filme findet natürlich dann in den sozialen Medien statt. Per Twitter und Facebook wird man in diesem Monat über etliche Reviews und Filmbesprechungen über alte Horrorklassiker bis zum neusten Kracher, den das Genre zu bieten hat. Das Subreddit r/Filme hat sich anlässlich des #Horrorctobers noch etwas Besonderes einfallen lassen. Es wurde eine gemeinschaftliche Horrofilmaktion gestartet, bei der man sich gemeinsam auf vier Filme geeinigt hat, die innerhalb des Monats dann von den Mitgliedern der Community geguckt und im Anschluss besprochen werden. In dem Subreddit ist jeder, der sich für Filme interessiert gerne gesehen, ganz unabhängig davon, ob er normalerweise über sie schreibt oder nicht. Jeder der Lust ist herzlich eingeladen dem Subreddit beizutreten oder auch nur als Gast für die ein oder andere Filmbesprechung vorbeizuschauen.

Natürlich mache auch ich als Medienjunkie bei dem #Horrorctober mit und habe bereits vor einiger Zeit eine Liste mit Filmen erstellt, die ich im Oktober vor habe zu gucken. Dieser Blog ist letztes Jahr kurz vor Halloween ins Leben gerufen worden, daher hat der Oktober noch zusätzlich eine besondere Bedeutung für Medienjunkies. Natürlich waren dann die ersten Filme, über die ich geschrieben habe, auch Horrorfilme und so widme ich den gesamten Oktober diesem Genre.

About Schmidt


About Schmidt - CoverWarren Schmidt hat seinen letzten Arbeitstag als Abteilungsleiter einer Versicherungsgesellschaft und ihm zu Ehren wird eine eher unpersönliche Abschiedsparty veranstaltet, auf der er auch seinen Nachfolger kennenlernt. Einen Jungspund der ihm zwar versichert, dass seine Tür immer offen steht und er immer dankbar für die Unterstützung wäre, ihm fällt jedoch auch ins Auge, dass seine über die Jahre ordentlich archivierten Akten direkt auf den Müll gewandert sind. Im Rentneralltag angekommen fühlt er sich zunehmend nutzlos und auch der dauernde Kontakt zu seiner Frau macht ihm zu schaffen. Um diese Leere zu füllen übernimmt Schmidt eine Partnerschaft mit einem Kind in Tansania. Als könnte es nicht schlimmer kommen, verstirbt seine Frau Helen plötzlich an einem Blutgerinnsel. Als er dann in Helens Sachen stöbert und in Erinnerungen schwelgt, findet er Briefe von seinem besten Freund an seine Frau gerichtet. Diese lassen ihm klar werden, dass seine Frau ihn betrogen hat. Durch die Schicksalsschläge und als Krönung noch die Erkenntnis das seine Frau fremdgegangen ist, befindet sich Warren völlig neben der Spur. Er steigt in sein Wohnmobil und besucht Orte aus seiner Jugend, um sich selbst wieder zu finden. Als die Hochzeit seiner Tochter ansteht, fährt er, jedoch ohne sich bereits gefangen zu haben, los und will diese um jeden Preis verhindern.

Während seiner Reise schreibt er immer wieder Briefe an sein Patenkind in Tansania. In den Briefen verarbeitet er die Erfahrungen, die er wärend seiner Reise macht, reflektiert aber auch seine Vergangenheit und legt zum ersten Mal ehrlich Rechenschaft über sein bisheriges Leben ab.

About Schmidt ist das etwas andere Roadmovie, voller Tragik und Verzweiflung. Warren Schmidt ist ein frischer Pensionär, der zum ersten Mal seit langer Zeit wieder anfängt zu leben. Auf sehr tragische Weise wacht er aus seinem Albtraum auf, den er bislang sein Leben nannte.

Die Geschichte um Warren Schmidt schreitet nur ganz gemächlich voran und der Zuschauer kann mitempfinden wie Schmidt mühevoll versucht wieder etwas Freunde in sein Leben zu bringen, allerdings immer wieder von weiteren Rückschlägen aufgehalten wird. So freut man sich umso mehr, wenn mal einer der wenigen heiteren Momente die deprimierende Stimmung etwas aufheitert.

In dem Bemühen sein Leben umzukrempeln und mehr zu unternehmen trifft er auf verschiedene Freunde und Familienmitglieder, die auch von den Darstellern gut gespielt werden, trotzdem handelt es sich bei About Schmidt im Grunde um eine One-Man-Show von Jack Nicholson, der mit seiner charakteristischen Mimik den Warren Schmidt nicht nur brillant darstellt, sondern zu ihm wird. Nicht unverdient hat ihm die Rolle eine Oscarnominierung und einen Golden Globe eingebracht.



Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 2002
Länge: 125 Minuten
Altersfreigabe: FSK6

Regie: Alexander Payne
Drehbuch: Alexander Payne, Jim Taylor
Produktion: Michael Besman, Harry Gittes
Musik: Rolfe Kent
Kamera: James Glennon
Schnitt: Kevin Tent

Besetzung

Jack Nicholson – Warren R. Schmidt; Hope Davis – Jeannie Schmidt;
June Squibb – Helen Schmidt; Dermot Mulroney – Randall Hertzel;
Kathy Bates – Roberta Hertzel; Howard Hesseman – Larry Hertzel;
Harry Groener – John Rusk; Matt Winston – Gary Nordin

Die Boxtrolls


Boxtrolls - CoverDie Boxtrolls wohnen in der Kanalisation, und leben durch das, was die obige Welt wegwirft. Immer nachts kommen die Trolle an die Oberfläche und sammeln dort alles, was sie zum Leben brauchen. Sie müssen dabei vorsichtig vorgehen, da das Gerücht in der Oberwelt vorherrscht, dass die Boxtrolls Kinder essen. Deshalb wurde auch von dem Stadtoberhaupt der zwielichtige Mr. Snatcher beauftragt alle Boxtrolls, die in der Stadt leben, zu fangen. Als Gegenleistung wurde ihm ein weißer Hut versprochen, der ihm Zugang zu der höheren Gesellschaft und zu der Käseverkostung gibt.

Boxtrolls - Nachts in der Stadt

Der Film liefert auf eine simple Art Denkanstöße zu der Frage nach Gut und Böse. Die Fänger halten sich eindeutig für die Guten und die Boxtrolls sind die bösen Monster, dabei verhalten sich die Fänger ganz und gar nicht wie die Guten. Dem Publikum und auch dem jüngeren Publikum wird das deutlich indem die Boxtrolls als relativ niedliche Geschöpfe dargestellt werden und der Jäger nach der Unterhaltung, in der sie festgestellt haben, dass sie die guten sind, ruft: Bleib stehen und lass dich von mir schlagen. Eine wehrlose Kreatur in einem Karton zu schlagen ist aber ganz deutlich keine gute Handlung. Das Ganze jetzt auf die reale Welt zu beziehen geht wahrscheinlich zu weit, vor allem bei dem Zielpublikum, aber interessant das diese Thematik behandelt wird. Wie die Elite der Stadt dargestellt wird, lässt einige kritische Gedanken zu, auch bezüglich unserer Gesellschaft. In der Welt in  Boxtrolls sind die Weißhüte durch Reichtum, Prestige oder Habitus legitimiert. Der Bürgermeister, der auch der Vater von Winnie ist, ist sehr stolz auf seine neuste Investition, einen riesigen Käse. Zunächst hatte der Rat darüber nachgedacht für das Geld ein Kinderkrankenhaus zu bauen, hat sich aber letztendlich für den Käse entschlossen.

Boxtrolls - Lord

Käse und Kisten machen einen nicht zu einer anderen Person, man ist, wie man ist. Eine zweideutige Botschaft. Zum einen positiv, da es aussagt, dass man sich nicht durch Kleidung oder ein besonderes Essen verstellen, und jeder einfach er selbst sein sollte. Zum Anderen sagt es aber auch aus, dass man als Unterschichtler nicht in die gehobene Klasse aufsteigen kann. Man kann zwar sein Verhalten ändern und auch sein Aussehen, aber trotzdem wird man am Ende nicht dazugehören. Snatcher ist eine Art Rattenfänger und das bleibt er auch. Aus seinem Ich kann er nicht raus, auch nicht wenn er sich fein kleidet wie die Herrschaften, einen weißen Hut trägt und im Käsezimmer Käse verkostet.  Meine Interpretation geht hier womöglich etwas zu weit, aber diese Gedanken sind mir beim Angucken des Films gekommen.

Doch etwas Bestätigung finde ich im Ende des Films, durch die dieses Mal offensichtliche Meta-Ebene. Es wird gezeigt wie die Knetfiguren von einem Mann bewegt werden während sie darauf aufmerksam machen, dass sie mühevoll für jede Bewegung von einem anderen Wesen bewegt werden müssen.

Boxtrolls - Niedlicher Troll

Meta-Ebene hin oder her, Boxtrolls ist durchaus ohne irgendwelche Interpretationen ein unterhaltsamer Film, in den die Macher sichtlich sehr viel Mühe und Leidenschaft investiert haben. Nach den ersten fünf Minuten des Films war ich zwar zunächst noch skeptisch, aber je länger der Film andauerte, desto mehr hab ich die Trolle ins Herz geschlossen. Die Geschichte um die kleinen Kreaturen kann einen schon emotional etwas mitnehmen. Vor allem als Mr. Snatcher seinen finalen Angriff auf die letzten freien Boxtrolls ausübt. Auch das Desinteresse der Menschen und speziell des Vaters von Winnie hat mich nicht kalt gelassen. Die zunächst gruseligen Figuren werden nach und nach immer niedlicher, und auch wenn sie ihre körperlichen Makel haben, verlieren sie bis zum Ende komplett ihren anfangs noch vorhandenen Schrecken und wirken, trotz ihres Aussehens, deutlich menschlicher als so mancher Mensch in dem Film.



Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 2014
Länge: 95 Minuten
Altersfreigabe: FSK6

Regie: Graham Annable, Anthony Stacchi
Drehbuch: Irena Brignull, Adam Pava
Produktion: Travis Knight, David Ichioka
Musik: Daniel Welbat
Schnitt: Edie Bleiman

Besetzung
Lord Portley -Rind – Jared Harris; Lady Portley-Rind – Toni Collette; Winnie Portley-Rind – Elle Fanning; Mr. Trout – Nick Frost; Archibald Snatcher – Ben Kingsley; Mr. Gristle – Tracy Morgan; Mr. Pickles – Richard Ayoade; Herbert Trubshaw – Simon Pegg; Eggs – Isaac Hempstead-Wright

Sin City 2 – A Dame to Kill for


Sin City 2 - CoverSin City – A Dame to Kill for wird, wie der erste Teil auch, episodenartig erzählt, wobei die Charaktere im Laufe ihrer Geschichte aufeinandertreffen. Hauptcharakter ist der niedergeschlagenen Dwight. Er trauert immer noch seiner ehemaligen Flamme Ava hinterher, die ihn für einen Anderen sitzen lassen hat. Plötzlich tritt sie jedoch erneut in sein Leben und bittet ausgerechnet ihn um Hilfe. Sie gibt sich wehrlos und lässt ihren unendlichen Charme spielen. Dwight versucht seiner immer noch lodernden Flamme zu widerstehen. Zunächst gelingt es ihm, allerdings nicht für lang. Schnell findet er sich dank ihr in einer brenzligen Lage wieder.

Sin City 2 - Dwight

Währenddessen erwacht Marv in einer anderen Ecke der Stadt, inmitten ein paar toter Jugendlicher und hat keine Ahnung mehr, was passiert ist. Seine letzte Erinnerung war, dass er in seiner Stammbar saß und der schönen Stripperin Nancy bei der Arbeit zugeschaut hat. Nancy hat noch eine Rechnung mit dem korrupten Bürgermeister offen und sie ist nicht die Einzige, die ein Problem mit ihm hat.

Sin City, die Stadt der Sünden. Ein düsterer Sumpf, in dem der Abschaum der Welt zusammenkommt und ein zu Hause findet. So zum Beispiel der raubeinige Kneipenschläger Marv, der auch schon im ersten Teil seinen Auftritt hatte und schon direkt am Anfang des Films zeigt, dass man in der Stadt besser vorsichtig ist, denn man könnte schnell an den Falschen geraten. Und Marv ist definitiv der Falsche. Im Fall der Jugendlichen, die im Club, in dem Nancy arbeitet gepöbelt haben, mussten sie das auf die harte Tour lernen. Marv kennt keine Gnade und bestraft die Jugendlichen, sodass sie nie wieder so respektlos sein werden.

Sin City 2 - Nancy

Da komme ich auch direkt zu einem Punkt, der mir an Sin City wirklich gut gefallen hat, die Action und auch Brutalität wird von Robert Rodriguez gekonnt in Szene gesetzt. Der Zuschauer wird durch die explizite Gewalt regelrecht in die düstere Welt von Sin City geschlagen und von der dichten Atmosphäre im Sog von Kriminalität und Gewalt immer weiter in die Gosse der Stadt gezogen.

Die Film Noir bleibt auch in der Fortsetzung stilistisch nah an der Comicvorlage und setzt im Vergleich zum ersten Teil sogar noch einen drauf. Es mag der nach nun 10 Jahren mittlerweile besseren Technik geschuldet sein, oder aber Rodriguez ist einfach mutiger beim Einsatz des Stilmittels geworden, nachdem es bei dem Vorgänger so gut angekommen ist. Da ist aber auch schon ein großer Kritikpunkt an „A Dame to Kill for“. Wo der erste Teil noch genau den Nerv des Publikums in Sachen Visualisierung getroffen hat, wird öfters die Kritik laut Sin City 2 wirke zu übertrieben in seiner Stilistik. Ich kann diese Kritik nachvollziehen, mir hat der Film trotzdem optisch zugesagt.

Sin City 2 - Johnny

Ein weiteres Problem sind die Storystränge, die teilweise einfach nur dafür da zu sein scheinen, um den Film zu verlängern, sich aber nicht so in das Gesamtgefüge eingliedern, wie man es sich wünschen würde. So ist zum Beispiel der coole Spieler Johnny, der immer ein glückliches Händchen zu haben scheint, an sich zwar eine interessante Story, wirkt aber zu sehr dazu gedichtet und für die Geschichte, die der Film erzählt, auf gewisse Weise überflüssig.

Ebenfalls als störend empfand ich das Miho von einer neuen Darstellerin gespielt wurde. Allerdings kann man das dem Film kaum ankreiden, da die vorige Darstellerin von Miho Devon Aoki zu der Zeit als der Film gedreht wurde schwanger war und deshalb ersetzt wurde.Trotzdem ist es mir sofort aufgefallen, obwohl es schon einige Jahre her ist, dass ich den ersten Teil das letzte Mal geguckt habe.

Zusammenfassend möchte ich sagen, dass trotz der Kritik, bzw. auch der kritikwürdigen Punkte, mich der Film im Großen und Ganzen ausgezeichnet unterhalten hat. Ich habe kein Meisterwerk erwartet und auch bei Weitem keins bekommen, aber was ich bekommen habe, war eine Film Noir in einem außergewöhnlichen Stil, der gekonnt mit farblichen Akzente spielt, wie die Augen der Ava, die einem giftgrün entgegen strahlen. Auch die düstere und raue Stadt, voller Kriminalität wird gut herübergebracht. Das Ganze runden interessante und außergewöhnliche Figuren wie Marv oder Johnny ab.



Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 2014
Länge: 102 Minuten
Altersfreigabe: FSK18

Regie: Frank Miller, Robert Rodriguez
Drehbuch: Frank Miller, Robert Rodriguez, William Monahan
Produktion: Sergei Bespalov, Aaron Kaufman, Stephen L’Heureux, Iliana Nikolic, Alexander Rodnyansky, Robert Rodriguez
Musik: Robert Rodriguez
Kamera: Robert Rodriguez
Schnitt: Robert Rodriguez

Besetzung
Bruce Willis – John Hartigan; Jessica Alba – Nancy Callahan; Powers Boothe – Senator Roark; Josh Brolin – Dwight McCarthy;
Jamie Chung – Miho; Marton Csokas – Damien Lord;
Rosario Dawson – Gail; Julia Garner – Marcy; Joseph Gordon-Levitt – Johnny; Eva Green – Ava Lord; Dennis Haysbert – Manute;
Stacy Keach – Wallenquist; Jaime King – Goldie und Wendie;
Lady Gaga – The Woman (Bertha); Ray Liotta – Joey;
Christopher Meloni – Mort; Jeremy Piven – Bob;
Mickey Rourke – Marv; Juno Temple – Sally;