Das Filmjahr 2017 neigt sich stark dem Ende zu (ist mittlerweile seit einiger Zeit vorbei), also ist es an der Zeit einmal zu rekapitulieren und den Highlights noch einmal den gebürtigen Respekt zu zollen. Da ich kein besonders großer Kinogänger bin, dafür aber Kunde bei fast allen Streamingdiensten, besteht bei mir das Filmjahr 2017 hauptsächlich aus Filmen von 2016. Nichtsdestotrotz waren diese Filme für mich neu und haben mein Jahr geprägt. Zunächst war meiner Wahrnehmung nach dieses Jahr, somit eigentlich letztes Jahr, eher schwach. Mir fiel es schwer Filme auf meine Topliste zu setzen. Als ich dann aber nach und nach das Jahr durchgegangen bin, sind so einige Perlen aufgetaucht.
Als erstes kommt also Room auf meine Liste. Ein Film, der einem wirklich nahe geht, vor allem auch durch die außerordentliche Leistung von Darsteller Jacob Tremblay (Jack), der im Zusammenspiel mit Brie Larson (Ma) für ein intensives Filmerlebnis sorgt. Vor allem die glaubwürdige Inszenierung, der beißende Gedanke, der stetig mitschwingt, dass alles genau so passieren könnte, so ähnlich bereits passiert ist und jedem Kind passieren kann macht den Film zurecht zu einem Highlight des Jahres.
Dann wäre da noch La La Land, ein zu Film gewordenes Broadway Musical, das zurecht bei der Oscarverleihung gleich sechs der begehrten Preise abgeräumt hat. Ein Film, der einen glücklich zurücklässt und bei dem man auch während des Schauens das Lächeln nicht aus dem Gesicht bekommt. Ein bisschen Kitsch, bezaubernde Bilder, gute harmonisierende Darsteller und unterhaltsame Gesangs- und Tanzeinlagen machen das Musical zu einem der besten Filme des Jahres.
Wirklich beeindruckt hat mich Tom Hanks dieses Jahr in Sully. Ich fand schon Captain Phillips sehr stark, vor allem die Szene als Captain Phillips gerettet und von der Ärztin untersucht wurde. Dann hat Hanks das Ganze in Bridge of Spies noch einmal getoppt. Auch hier hat sich erneut die Schlussszene in mein Gedächtnis gebrannt, aber auch der restliche Film ist nicht zuletzt durch Tom Hanks ein spannendes und intensives Erlebnis. Ja, und jetzt setzt Sully ein weiteres Mal einen drauf. Hier gibt es nicht eine Szene, die besonders hervorsticht, sondern der Film als Ganzes sticht hervor. Eine bewegend erzählte Geschichte eines Helden, der hunderten Menschen, durch ein spektakuläres Manöver, das Leben gerettet hat. Spoiler 🙂
Ebenfalls auf einer wahren Begebenheit basiert Eddy the Eagle. Es wird die Geschichte eines englischen Skispringers erzählt, der unbedingt an den olympischen Spielen teilnehmen will und alles in seiner Macht stehende versucht, um sich diesen Traum zu erfüllen. Ebenfalls eine bewegende Geschichte, gespickt mit Humor und einem betrunkenen Wolverine, äh Hugh Jackman.
Als nächstes kommen kleinere Highlights, die nicht unbedingt zu den besten Filmen zählen, aber in ihrem Genre besonders herausstechen. Diese Einleitung war nötig, um nun Shin-Godzilla erwähnen zu können. Als Fan der alten trashigen Godzilla Filme, die mir früher so oft den Sonntag Nachmittag versüßt haben, war Shin-Godzilla, nach der Neuinstallation von 2014, ein Genuss anzusehen. Zwar war etwas viel Politik im Spiel, aber dafür gab es herrlich viel Zerstörung und vor allem viel Godzilla.
Zwar kein Trash per se, doch den Kopf sollte man trotzdem abschalten – dann kann Guardians of the Galaxy Vol.2 Spaß machen. Ohne zu Spoilern macht der zweite Teil am Ende etwas richtig, was mich beim ersten noch so geärgert hat. Alles in allem war es ein Marvel Film, der seiner Formel folgt und nichts besonders macht. Doch das was er macht, macht er gut. Leichte Unterhaltung, viel Action und coole Sprüche sorgen für eine kurzweilige Zeit. Belanglose Unterhaltung auf hohem Niveau, daher auf der Liste.
Moana weist für mich das Potenzial auf die Eisprinzessin bei Kindern als non plus ultra abzulösen. Bislang hat der Disney Animationsfilm aber noch nicht so hohe Wellen geschlagen. How far I’ll go liegt auf jeden Fall besser im Ohr, als das alte Let it go von Elsa.
Neben Shin Godzilla sind noch zwei weitere Highlights aus Asien dabei: Asura: The City of Madness und Train to Busan. Bei Asura geht alles schief, was nur schief gehen kann und der Protagonist bekommt ordentlich was auf die Mütze. Das klingt harmlos, ist es aber nicht. In dem Gangster Thriller geht es gewaltig zur Sache. Ich liebe die Koreaner für ihre ausartenden Filme und Asura ist einer der besten der letzten Zeit. Wer Man from Nowhere, New World, Company Man usw. mag, der wird mit Asura seinen Spaß haben. Train to Busan greift das Zombiegenre an und verleiht diesem etwas Frisches. Sympathische Figuren, solider Gewaltgrad und spektakuläre Szenen mit ultra aggressiven Zombies heben Train to Busan über den durschnittlichen Zombiefilmen.
Bleiben noch „Two is a Family“ mit dem Darsteller von „Ziemlich beste Freunde“, Dory und Arrival. Also zu Dory und Arrival fällt mir nichts mehr ein – fand ich wohl gut, als ich sie gesehen habe. Bei „Two is a Family“ hat mich vor allem die Mischung aus Humor, vor allem durch die lässige Art von Omar Sy und den dramatischen Elementen überzeugt. Omar spielt den lockeren Vater, der nichts zu ernst nimmt und nichts mehr möchte als Spaß mit seiner Tochter zu haben. Diese wurde ihm von der leiblichen Mutter zugeschoben, als sie noch ein Baby war. Doch das ganze hat einen Grund. Der Streit um das Sorgerecht, der bei dem Film offensichtlich vorprogrammiert war, erhöht derweilen noch den Druck auf den Vater.
Fazit zu meinem Filmjahr 2017
Nachdem ich die Filme so durchgegangen bin, muss ich sagen, dass das Jahr doch gar nicht so verkehrt war. Es fehlen zwar so große Namen wie Marsianer vom letzten Jahr, oder Interstellar und Imitationgame vom vorletzten, dennoch sind dieses Jahr starke Filme dabei gewesen, die man auf jeden Fall gesehen haben sollte. Ein richtig guter Film muss eh reifen wie ein Wein. Der erste Eindruck kann oft täuschen und die heutigen Highlights müssen erst einmal den Test der Zeit bestehen und sich auf Dauer bewähren.
Sozusagen ein p.s. denn leider habe ich meine „Every Day a Movie“ Challange nicht geschafft. Ich hatte mir am Anfang des Jahres vorgenommen jeden Tag einen Film zu gucken, sodass ich am Ende bei Letterboxd 365 Filme dieses Jahr eingeloggt haben würde. Leider sind es bis jetzt, 29.12. 22 Uhr „nur“ 336 Einträge. Seit verflucht ihr Serien, die mich vom Filme gucken abhalten.
Die Nintendo NX heißt jetzt Switch und ist ein Hybrid aus Heimkonsole und Handheld. In einem dreiminütigem Trailer bringt Nintendo seinen Fans das Konzept ihrer neuen Konsole näher.
Letzte Woche präsentierte Nintendo den lang ersehnten Nachfolger der Wii U. Die größte Überraschung war, dass sich nahezu sämtliche Gerüchte, die über Monate im Umlauf waren bewahrheitet haben. Vor allem Eurogamer, aber auch diverse Nutzer des Neogaf Forums haben erschreckend präzise Details der neuen Konsole vorhergesagt. Die Nintendo NX heißt jetzt Switch und ist ein Hybrid aus Heimkonsole und Handheld. In dem dreiminütigen Trailer wird besonders die Mobilität präsentiert. Ein paar coole Dudes spielen Mario Kart unterwegs im Auto, im Flughafen treffen sich zwei Switch Spieler, im Flugzeug kann man es sich dank abnehmbarer Controller gemütlich machen, statt auf dem Platz mit den Kumpels Basketball zu zocken, kann auch zu viert lokal mit jeweils einem Joycon zusammengespielt werden, und wenn die Nachbarn mal wieder eine Party auf dem Dach veranstalten, kann die Nintendo Switch mitgenommen werden, wodurch trotz sozialer Verpflichtungen weiter Mario gespielt werden kann.
Gut, die Beispiele sind etwas übertrieben und werden in der Realität kaum eintreffen, aber wir verstehen das Argument. Und das ist für den potenziellen Erfolg der Konsole besonders wichtig, nachdem die Wii U mit ihrer Ankündigung damals selbst eingefleischte Nintendofans verwirrt hat. Mit Details hält sich Nintendo allerdings weiterhin bedeckt. Der Trailer dient als Imagefilm, er soll ein gutes Feeling vermitteln, und das hat er getan. Die Nintendo Switch ist gut in der Gamingwelt angekommen. Der Nintendo Switch, die Nintendo Switch oder das Nintendo Switch, Nintendo Deutschland, sagt mal was dazu! Die meisten Nintendo Fans sind jedenfalls erleichtert und blicken mit Zuversicht der nahen Zukunft von Nintendo entgegen. Edit: Offensichtlich ist die neue Konsole bei Nintendos Investoren nicht so gut angekommen. My Nintendo News beruft sich hier auf einen Artikel des Wall Street Journals, in dem Investoren von Nintendo einen stärkeren Fokus auf die Mobile Sparte, anstatt auf eine Handheld/ Heimkonsole fordern. Zum Wohle Nintendos und der gesamten Gamingwelt hoffen ich, dass dies nie passiert. Die ersten Spiele werden zwar definitiv durch die Lizenzen und den Namen Nintendo profitieren, doch wenn der Name durch qualitativ minderwertige Mobilgames erst einmal den guten Namen eingebüßt hat, werden sie sich auf einem hart umkämpften Markt durchsetzen müssen, der überflutet wird mit gratis und 99 Cent Spielen. Ich sehe durchaus Potenzial im Mobile-Gaming für Nintendo, aber nur als zusätzlicher Anker, um Interesse für ihre Konsolen und vollwertigen Spiele zu wecken, nicht um diese zu ersetzen.
Ich habe die neue Konsole sehr positiv aufgenommen, auch wenn noch viele Fragen und Bedenken übrig bleiben. Das beste Feature für mich ist, dass die Switch kein besonderes Feature hat. Kein nerviges Gimmick, sondern egal ob zu Hause oder unterwegs: es kann mit einem normalen Controller gespielt werden. Kein Spiel wird zwanghaft einen zweiten Bildschirm integrieren, kein unnötiges Rumgefuchtel durch die Bewegungssteuerung. Es wird eine normale Konsole, dessen einziges Feature es ist, dass sie mitgenommen werden kann. Dieses duale System aus portablem Handheld und Heimkonsole bringt allerdings auch meine größte Sorge mit sich, denn um etwas Derartiges zu realisieren müssen Kompromisse eingegangen werden. Einerseits braucht die Switch genug Leistung, um mit der Playstation 4/ Xbox One mitzuhalten und den Third-Party-Support zu gewährleisten, andererseits muss das Gerät den Anforderungen an ein Handheld Gerät standhalten. Akkulaufzeit ist in der Hinsicht die größte Sorge. Zudem stellt sich die Frage, wie man das Gerät aufladen kann. Ich hoffe auf die Möglichkeit ein Ladekabel an die Switch anzuschließen und es so bei mobilem Gebrauch zu laden. Schön fände ich auch einen HDMI Ausgang am Gerät, um zum Beispiel beim Besuchen von Freunden unkompliziert auf dem Fernseher zusammenspielen zu können – aber wozu dann die Dockingstation, alias der Toaster? Edit: Laut einem Artikel auf Lets Play Video Games wird das Tablet alleine keine Verbindung zum Fernseher aufbauen können. Eine ungenannte Quelle berichtet, dass Nintendo intern darüber nachgedacht hat, das Tablet einzeln zu verkaufen, sie sich aber dagegen entschieden haben. „Nintendo considered internally the idea of selling the handheld portion separately, but had concerns that consumers who purchased the handheld without the dock may still think they could connect it to the TV. “ Aus dem Statement geht neben der Information, dass die Switch im Bundle verkauft wird auch hervor, dass das Tablet sich ohne die Dockingstation nicht an den TV anschließen lässt.
Jedenfalls wird die Konsole ordentlich an den Akkus zehren und es bleibt nur abzuwarten und zu hoffen, dass Nintendo in Zusammenarbeit mit Nvidia eine gute Lösung gefunden hat. Denn hier besteht so ziemlich die größte Gefahr, dass die momentan positive Stimmung gegenüber der Switch umschlägt. Als einen weiteren besonders kritischen Faktor sehe ich die Leistung an. Sollte die Switch deutlich schwächer sein, als die testosterongetriebenen Konsolen von Microsoft und Sony, wird Nintendo schnell in die Ecke „netter Versuch“ gestellt und uns steht eine neue Wii U bevor. Man muss sich nur an den Launch damals zurückerinnern: Auch dort hieß es, es werde einen starken Third-Party-Support geben. Ubisoft, EA, Activision – alle waren mit an Bord. Watchdogs kam für die Wii U, Rayman Legends war sogar zunächst exklusiv für die Wii U vorgesehen, Fifa kam für die WiiU und auch mit einem Call of Duty wurden die Nintendofans am Anfang beglückt. Doch was geschah dann? Richtig, nichts mehr. Fast sämtliche Entwickler stellten die Zusammenarbeit mit Nintendo ein. Die Wii U konnte nicht mit den Next-Gen Konsolen mithalten und selbst die Spiele, die umgesetzt wurden, waren im Grunde nur runtergebrochene Versionen ihrer Gegenstücke auf Xbox One und PS 4. Momentan zählt Power: 4 Teraflops, 7 Teraflops – auch wenn niemand weiß, was Teraflops sind und was diese Angabe genau bedeutet, weiß doch jeder, dass 7 größer ist als 4 und größer ist besser. Sobald die Spiele merkbar schlechter auf der Nintendo Switch laufen, als auf den anderen Konsolen, sehe ich die öffentliche Meinung ganz schnell ins Negative umschlagen.
Für mich persönlich spielt das alles eine untergeordnete Rolle: Ich werde die Konsole größtenteils als Heimkonsole nutzen. Auf die Spiele von Drittherstellern kommt es mir nicht an. Ich habe hier eine Playstation 4 und eine Xbox One stehen. Ich will die Nintendo Konsole für Nintendo Spiele, denn die waren auch auf der Wii U hervorragend und werden es auch auf der Switch sein. Meiner Meinung nach hat Nintendo mit der Wii U zwar die schwächste Konsole, trotzdem haben sie es hinbekommen die besten First Party Spiele zu liefern.Wooly World, Splatoon, Mario Kart, Smash Bros. 4, Tropical Freeze, Mario Maker um nur einige zu nennen. Dazu noch mit Xenoblade Chronicles X und Bayonetta 2 zwei fantastische Exklusivtitel. Das Problem mit der Wii U war nicht, dass es keine guten Spiele gab, sondern dass es wenige Spiele waren und diese Spiele konnten für viele den Kauf einer Wii U nicht rechtfertigen. Vor allem nicht für Personen, die nicht bereit sind die WiiU lediglich als Zweitkonsole zu verwenden und für die AAA-Titel zusätzlich eine PS 4 oder Xbox One anzuschaffen. Zu den meistverkauften Spielen jedes Jahr zählt nun einmal ein Fifa, Call of Duty oder Battlefield. Wenn die Konsole nicht in der Lage ist, die Spiele in äquivalenter Qualität im Vergleich zu anderen Konsolen wiederzugeben, gibt es für diese Zielgruppe keinen Kaufgrund.
Im Bezug auf den Mangel an Titeln für die Wii U bringt das Hybridsystem einen großen Vorteil mit sich. Bisher musste Nintendo Spiele für die Heimkonsole und für den Handheld entwickeln. Mit einem Hybrid können alle Nintendo Entwickler nun ihre Spiele für eine Konsole herstellen, was bedeutet es kommt seltener zu Spieleflauten. Es wird zwar momentan noch gesagt, dass die Switch nicht den 3DS ersetzt, aber das hat man auch über den Gameboy Advanced gesagt, als der 3DS vorgestellt wurde. Ein weiterer positiver Aspekt sind Nintendos starke IPs im Handheldmarkt. Kommt ein neues Pokemon, ein Monster Hunter, ein Dragon Quest oder ein Fire Emblem exklusiv für die Nintendo Switch wird sich diese allein aufgrund dieser Titel verkaufen. Ein ähnliches Gedankenspiel lässt sich auf den Mobilemarkt übertragen. Der Hype um Pokemon Go ist zwar vorbei, trotzdem hat er den Verkauf von Pokemon X und Y und auch das Interesse an den neuen Ablegern Sun und Moon nachhaltig gesteigert. Angenommen Mario Run generiert auch nur die Hälfte an Aufmerksamkeit und Nintendo kann anschließend das neue Mario Spiel exklusiv für die Nintendo Switch präsentieren. „Euch gefällt Mario Run?, warte ab bis ihr das neue Mario spielt.“ Zusammengefasst: Es steckt eine Menge Potenzial in einem Hybrid.
Besonders ist mir bei dem Trailer und Nintendos Präsentation der Switch aufgefallen, dass man im gesamten Video kein einziges Kind oder ältere Personen zu Gesicht bekommt. Alle gezeigten Darsteller sind jung und cool. Es macht den Anschein als distanziert sich Nintendo etwas von seinem familienfreundlichen Image. Allerdings ist auch kinder- und familienfreundlich nicht besonders cool und Nintendo hat schon lange nicht mehr den Stellenwert bei Kindern, wie sie es früher einmal hatten. Kinder wollen das spielen, was ihr großer Bruder spielt. Sie wollen sich nicht nur mit Kinderkram abgeben. Deshalb ist ein GTA oftmals bekannter und beliebter als ein Mario 3D World. Viele heutige Nintendo Fans sind damals in den späten 80ern und 90er Jahren mit dem NES, SNES und auch dem N64 aufgewachsen. Bei denjenigen besteht dann natürlich Interesse, ihren Kindern die Faszination von Nintendo mitzugeben. Doch Nintendo kann nicht nur auf ihre alten Fans setzen, daher sehe ich den Imagewandel als richtigen Schritt an, um erneut relevant im Videospielmarkt zu werden.
Ein weiterer Punkt, über den viel im Vorfeld spekuliert wurde, ist Nintendos Rückkehr zu den Cartridges. Im Angesicht dessen, dass es sich nun bei der Nintendo Switch um einen Hybrid handelt, macht dies natürlich Sinn. Neben internem Speicher, auf den man die Spiele downloaden könnte, sind Cartridges meines Erachtens die einzig sinnvolle Option. Dazu habe ich die Hoffnung, dass dadurch Ladezeiten reduziert werden können. Das soll kein Angriff auf Microsoft sein und ich möchte anmerken, dass ich Xbox Spieler bin und die Konsole auch viel Gutes an sich hat, aber die Ladezeiten gehören definitiv nicht dazu und sind bei manchen Spielen unerträglich. Erst kürzlich ist Recore bei mir ins Regal gewandert, da die ständigen ein- bis zweiminütigen Ladebildschirme mir den Verstand geraubt haben.
Nintendo war im Gegensatz zu anderen Konsolenherstellern immer gut im Umgang mit Kompromissen. Der Fokus bei Nintendospielen liegt im Spielspaß selbst, nicht in Optik, Story usw. sondern in gut durchdachten und designten Spielen, die Spaß machen sollen. Trotz der schwächeren Hardware hat Nintendo zum Beispiel bei Mario Kart nicht auf einen lokalen Koop Modus verzichtet, der nach Aussagen von Sony und Microsoft auf ihren Konsolen technisch nicht umsetzbar ist. Auch bei Tokyo Mirage Session, bei dem der Spieler häufig die Gebiete wechselt, übersteigen die Ladezeiten nie die 15 Sekunden Marke. Auch bei dem Open World Spiel Xenoblade Chronicles X wurde dem Spieler eine Möglichkeit geboten, durch den Download von optionalen Dateien die Ladezeiten zu verringern. Nintendo geht Kompromisse ein, um das Spielerlebnis zu ermöglichen, das sie sich für das Spiel vorstellen. Andere Spielehersteller gehen diesen Kompromiss nicht ein. Bei Halo wurde zum ersten Mal in der Reihe auf einen Splitscreen Multiplayer verzichtet. Rennspiele lassen sich nicht mehr lokal gegeneinander fahren. Auch bezüglich anderer Dinger wird kompromisslos auf Optik gesetzt und versucht Narration immer weiter in den Vordergrund zu stellen. Mir stellt sich dabei die Frage, wie schafft die wesentlich schwächere WiiU Mario Kart 8 im 4 Spieler Split Screen darzustellen. Die Antwort ist simpel, sobald mehr als 2 Spieler gleichzeitig spielen, wird die Framerate auf 30 gesenkt und optische Details reduziert. Es wird ein Kompromiss zugunsten des Spielspaßes eingegangen. Diese Mentalität hatte Nintendo schon in den 90ern und selbst auf dem N64 konnten sich Spieler zu viert vor einem Bildschirm bei einer Runde Mario Kart 64 oder Golden Eye messen.
Nach dem Trailer, bleibt jetzt wieder nur abwarten übrig. Nintendo hat bereits angekündigt, dass eine detaillierte Präsentation der Nintendo Switch, Spieleankündigungen und auch Angaben zum Preis noch bis Januar 2017 auf sich warten lassen. Der Trailer war der erste Schritt und sollte das Konzept der neuen Konsole näherbringen. Das hat er geschafft. Nun heißt es wieder abwarten und weiter spekulieren.
New York City wird von einer Unterwelt Gang terrorisiert, die sich selbst als Footclan bezeichnet. Der Clan agiert im Schatten, sodass er bei den Einwohnern der Stadt nur als Gerücht kursiert. April O’Neal, eine ambitionierte Journalistin, will das ändern und versucht die Verbrechen des Footclan aufzudecken. Eines Nachts geht April auf eigene Faust einem Hinweis nach und schleicht sich zu den Docks. Dort wird sie nicht nur Zeuge, wie der Footclan einen Container ausräumt, sondern auch, wie eine mysteriöse Gestalt die Verbrecher in die Flucht schlägt. Angespornt von den Ereignissen an den Docks ist sie entschlossener denn je die Aktivitäten der New Yorker Unterwelt ans Tageslicht zu bringen. Bei ihrer nächsten Begegnung mit dem Footclan wird April als Geisel genommen. Erneut tauchen die Gestalten auf, schlagen den Clan in die Flucht und befreien April. Es stellt sich heraus, dass es sich bei den heimlichen Helden um die Teenage Mutant Ninja Turtles handelt. Die vier mutierten Schildkröten Donatello, Raphael, Leonardo und Michelangelo wurden von der Ratte Splinter großgezogen und in der Kunst des Ninjutsu unterrichtet.
Teenage Mutant Ninja Turtles ist nunmehr zwei Jahre alt und es steht bereits die Fortsetzung in den Startlöchern. Nach all der Zeit kann ich mit anderen, sehr viel gnädigeren Augen auf das Franchise Reboot zurückblicken.
Zu Beginn hatten die Turtles und ich einen holprigen Start. Vor allem das Design der Schildkröten hat mich bereits seit dem Release des ersten Trailers gestört. Diese zwei Meter großen, fast schon schleimigen Monster mit ihrem realistischen Look waren einfach zu weit von meiner Vorstellung der Turtles entfernt. Dazu kam noch der Transformer-Shredder, der auf mich wie eine recycelte Figur aus Michael Bays vorigen Filmen wirkt. Ja, sie sehen anders aus als in den vorigen Filmen und Serien, aber nachdem ich mich an die Neuinterpretation gewöhnt habe finde ich das Design gar nicht schlecht. Zudem muss man sich auch vor Augen führen, wer hier das Zielpublikum des Films darstellt. Wenn ich mir vorstelle, ich würde die vorigen Versionen nicht kennen und ginge als mein zehnjähriges Ich in den Film, wäre ich wohl auch begeistert von den Muskelpaketen, die immer einen lockeren Spruch auf den Lippen haben. Wahrscheinlich müssen die Turtles heute so aussehen, um zu funktionieren. Damit sie mit den Standards moderne Filme mithalten können ist jedenfalls klar, dass nicht wie in den Vorgängern erneut auf Kostüme gesetzt werden konnte – allein aufgrund der Actionsequenzen wäre dies undenkbar. Shredder allerdings wirkt auch nach zwei Jahren Bedenkzeit noch wie ein ausgemusterter Transformer.
Schnelle Schnitte, Bewegung in jedem Bild – man kennt es von Bay nicht anders. Hier wird der Einfluss des Produzenten auf Regisseur Liebesman deutlich. Denn auch in Teenage Mutant Ninja Turtles steht keine Kamera still und sämtliche Bay typischen Shots wurden irgendwie untergebracht. Doch auch wenn Kritiker seinen Stil kritisieren und als schlecht beurteilen, spricht das Publikum eine andere Sprache. Möglicherweise müssen nicht nur die Figuren so aussehen, wie sie aussehen, sondern auch der filmische Stil ist für die von Youtube geprägte Generation genau richtig – denn genau die soll er doch auch ansprechen. Der Erfolg gibt Bay hier Recht: Mit einem Budget von 125 Millionen Dollar hat der Film bei versetzten Filmstarts innerhalb von zwei Monaten über 350 Millionen Dollar eingespielt.
Jetzt bin auch ich jemand der diese ganzen CGI-Orgien kritisiert, doch ich muss auch anerkennen, dass der Film so wie er produziert wurde funktioniert. Damit meine ich nicht nur an der Kinokasse, sondern auch ich wurde von dem Film, nachdem ich meinen Schutzpanzer der Abneigung abgelegt hatte, gut unterhalten. Die Action, auch wenn komplett im Computer entstanden, ist aufregend inszeniert und bleibt dem Stil der früheren Turtles durch adäquat platzierte Gags treu.
Filmproduzenten versuchen aktuell so häufig wie noch nie mit Reboots und Remakes von Filmen aus den 80er bzw. 90er Jahren die Nostalgiker abzuholen. Dabei scheinen viele Filme bei ihrem ganzen Fanservice zu vergessen etwas Neues zu schaffen. Nehmen wir zum Beispiel Star Wars: man lässt nicht ohne Grund Han Solo durch Harrison Ford wieder aufleben und erzählt dabei die Geschichte des ersten Teils nur mit anderen Charakteren noch einmal. Versteht mich nicht falsch – auch ich hatte Gänsehaut bei „Chewie, we’re home“ im Trailer zu Force Awakens und natürlich habe ich mich gefreut noch einmal Han Solo auf einer seiner Missionen begleiten zu dürfen. Es gibt etliche Beispiele an Filmen, die eine alte Geschichte nehmen und im Endeffekt nur in einem modernisierten Gewand erneut erzählen. Turtles geht einen anderen Weg: das Design ist anders, der Look ist ein anderer und auch die Story weicht von sämtlichen Vorlagen, die mir bekannt sind, ab. Klar, die Turtles sind noch sprechende Ninja-Schildkröten und April ist eine Reporterin, es gibt schon einige Konstante, doch es wurde eben auch viel neu gemacht. Dafür respektiere ich Teenage Mutant Ninja Turtles mittlerweile.
Dass die Entstehungsgeschichte der Turtles dabei die mit Abstand dümmste ist, die je erzählt wurde, ist da eine andere Geschichte. Wir hatten schon eine Ratte, die im Käfig die Bewegungen eines Menschen nachgemacht hat und dadurch Ninjutsu gelernt hat und wir hatten einen Ninjutsu Meister, der mit Mutagen beschmierten Schildkröten in Berührung kam und zur Ratte wurde. Aber das Splinter in der Kanalisation ein Buch über Ninjutsu gefunden hat und sich dadurch zunächst selbst und anschließen den vier Schildkröten die hohe Kunst des Ninjutsu beigebracht haben soll, bringt es auf ein ganz anderes Level von unglaubwürdig. Auch heute ist dies ein Punkt, den ich für kritikwürdig halte und auch selbst am Film kritisiere, allerdings fällt heute meine Gewichtung anders aus. Betrachtet man den Film als Gesamtbild, spielt die Entstehung der Schildkröten kaum eine Rolle. Sie wird in wenigen Sätzen abgehandelt und ist nur Mittel zum Zweck, um die Verbundenheit zwischen April und den Turtles möglichst schnell zu erklären. Das ist zwar schlechtes Storytelling, allerdings weiß ich zu schätzen, dass ich nicht wie so oft mit einer unnötig langen Origin Story konfrontiert werde. Ebenfalls schlechtes Storytelling sind die vielen Plotlöcher. Zum Beispiel stellt sich mir die Frage, warum kann April Sacks hochauflösende Bilder der Turtles zeigen, ihrer Chefin allerdings nur ein Graffiti?
Das mag alles nach einer Apologie eines schlechten Filmes klingen, soll aber nur meine Ansicht verdeutlichen. Jedem sei freigestellt Teenage Mutant Ninja Turtles als schlechten Film zu kategorisieren und viele der geäußerten Kritiken sehe ich nach wie vor als berechtigt an. Ich habe jedoch meine mit Nostalgie beschlagene Brille abgenommen und aufgehört die Filme aus meiner Kindheit als Meisterwerke zu glorifizieren – denn das sind sie nicht. Ich sehe nun klarer und erkenne die Turtles Reincarnation als den kindgerechten Blockbuster an, der sie sein möchte.
Fazit zu „Teenage Mutant Ninja Turtles“
Teenage Mutant Ninja Turtles hat es schwer gegen die Turtles aus unserer Kindheit anzukommen, deswegen solltet ihr Versuchen diese Erinnerungen außen vor zu lassen. Die Filme und vor allem die Serie hat wohl eine Generation geprägt und den Meisten eine ziemlich genaue Vorstellung davon gegeben, wie ein Turtles Film auszusehen hat. Hier kann ein Film an den hohen Erwartungen seines Publikums nur scheitern und genau das spiegelt sich in den Kritiken wieder. Man darf hier allerdings nicht vergessen, dass damals wie heute das Zielpublikum der Turtles Kinder waren/sind. Als ihr die Serie geguckt habt, wart ihr Kinder, und falls ihr heute noch mal in die eine oder andere Folge reinschaut, fließt eine große Portion Nostalgie mit in die Wertung. Nehmt Abstand von euren Erwartungen und versucht das Reboot als das zu sehen was es ist: ein hauptsächlich für Kinder bzw. Jugendliche produzierter Blockbuster. Hätte ich diese Review vor zwei Jahren geschrieben, wäre wie bei so vielen anderen, auch ein kompletter Verriss des Films herausgekommen. Nun, da ich die ersten Eindrücke haben sacken lassen und dem Film eine zweite Chance gegeben habe, hat er mich durchaus unterhalten. Teenage Mutant Ninja Turtles ist bei weitem kein Meisterwerk und auch noch weit entfernt davon ein guter Film zu sein. Trotzdem macht der Film optisch einiges her und weiß durch Action und Humor für knapp zwei Stunden gut zu unterhalten. Ein durchschnittlicher Blockbuster eben. Und was den oft erwähnten Turtles Charme angeht muss ich anmerken, dass im Vergleich zu den bisherigen Verfilmungen, Teenage Mutent Ninja Turtles, allen voran Raphael mit seiner düsteren und rohen Art, am nächsten an der originalen Comicvorlage liegt.
Regie: Jonathan Liebesman Drehbuch: Josh Appelbaum, André Nemec, Evan Daugherty Produktion: Michael Bay, Andrew Form, Brad Fuller, Ian Bryce, Scott Mednick, Galen Walker Musik: Kristin Øhrn Dyrud Kamera: Nic Sadler Schnitt: Lance Pereira
Besetzung
Megan Fox – April O’Neil; Pete Ploszek – Leonardo; Alan Ritchson – Raphael; Jeremy Howard – Donatello; Noel Fisher – Michaelangelo; Danny Woodburn – Splinter; Tohoru Masamune – Shredder; Will Arnett – Vern Fenwick; Whoopi Goldberg – Bernadette Thompson; William Fichtner – Eric Sacks;
Coherence erzählt die Geschichte von acht Freunden, die sich längere Zeit nicht gesehen haben und bei einem gemeinsamen Dinner einen netten Abend verleben möchten. Für eben diesen Abend haben Astronomen angekündigt, dass ein Komet an der Erde vorbeizieht. Doch was eigentlich ein schön anzusehendes Schauspiel am Himmel werden sollte, löst eine Anomalie aus, die das Strom- und Mobilfunknetz zum Erliegen bringt. Im Verlauf des Abends häufen sich die seltsamen Ereignisse, sodass sich die Freunde fragen müssen, was der Komet noch verursacht hat.
Neben der dokumentarischen Optik hat Regisseur James Ward Byrkit sich ebenfalls bemüht die Dialoge besonders authentisch wirken zu lassen. Die Gespräche am Tisch überschneiden sich, was in gewisser Weise chaotisch wirkt, aber auch eine ganz besondere Dynamik mit sich bringt. Bei einem Dinner mit Freunden sind parallel geführte Gespräche üblich, genauso wie das Dazwischenreden. Man hat durch die Art der Inszenierung das Gefühl, eine Gruppe von Freunden zu beobachten.
Sonst passiert am Anfang des Films nicht viel. Als Zuschauer weiß man zunächst nicht, was man von dem Film zu erwarten hat – aber das ist auch gut so. Grade diese Ungewissheit, macht diesen Film sehenswert. Daher habe ich die Inhaltsangabe sehr knapp gehalten und ich würde jedem, dem der Sinn nach einem Mystery Scinece-Fiction-Thriler steht, Empfehlen einfach den Film ohne weitere Informationen zu gucken.
Nach knapp 15 Minuten nimmt das Kammerspiel dann an Fahrt auf. Schnell steigern sich die Charaktere in die neue Situation hinein – etwas zu schnell für mein Empfinden. Ein Stromausfall und ein Klopfen an der Tür sind für die Protagonisten ein ausreichender Grund zur Panik. Dabei gibt es normalerweise genug Gründe, warum jemand an der Tür klopft – ein Nachbar der nach einer Taschenlampe fragt zum Beispiel. Dazu kommt das übertriebene Schauspiel der Darsteller, das dem Film einiges der aufgebauten Glaubwürdigkeit wieder nimmt. Hier erfolgt die Überleitung zum Hauptteil zu abrupt, wodurch ich mich als Zuschauer trotz der langen Einführung in die Handlung geschmissen fühlte.
Wirklich gelungen ist die Mischung aus wissenschaftlichen Erklärungen, die nicht zu fordernd für den Rezipienten sind und den mysteriösen Geschehnissen, die sowohl den Protagonisten, als auch den Zuschauern Kopfzerbrechen bereiten. Alle Ereignisse erscheinen, trotz ihrer Abnormalität, glaubwürdig.
Nach dem Betrachten von Hintergrundinformationen zu Coherence wusste ich den Film gleich noch mehr zu schätzen. Da wäre zum Beispiel das mit 50.000 Dollar sehr geringe Budget. Der komplette Dreh fand daher zum größten Teil im Haus von Regisseur James Ward Byrkit statt. Des Weiteren gab es kein komplett ausgearbeitetes Script, sondern die Darsteller haben oftmals lediglich mit Stichwörtern zu der jeweiligen Situation gearbeitet und die Dialoge größtenteils improvisiert.
Fazit zu „Coherence“
Coherence ist ein spannender Science-Fiction-Thriller, der vor allem durch sein interessantes Drehbuch überzeugt, in der Umsetzung allerdings seine Schwächen hat. Berücksichtigt man allerdings die Umstände, unter denen der Film entstanden ist, sollte man leichter über einige dieser Mängel hinwegsehen können. Alles in allem wird eine spannende, mit einigen Überraschungen und Wendungen versehene Story erzählt, die man an einigen Stellen erahnen, jedoch nie komplett voraussehen kann.
In Ryse: Son of Rome schlüpft ihr in die Sandalen des römischen Legionärs Marius Titus und schnetzelt euch durch 8 verschiedene Level, die stets einen linearen Verlauf nehmen. Das hat schon einmal den Vorteil, dass Marius sich nicht verlaufen kann. Zunächst verschlägt es den nach Rache dürstenden Legionär nach Britannien. Dort will er diejenigen zur Strecke bringen, die seine Familie auf offener Straße in Rom ermordet haben. Doch im Verlauf seines Schlachtzuges muss Marius, und auch der Spieler feststellen, dass möglicherweise doch nicht alles so ist, wie es zunächst den Anschein machte. List und Verrat führen immer wieder zu mehr oder weniger spannenden Wendungen. Es wird jedenfalls dadurch versucht die Geschichte interessant zu halten. Mehr will ich zur Story an dieser Stelle nicht verraten, denn ich will nicht die wenigen Überraschungen, die Ryse bereithält, vorwegnehmen.
Spielerisch bietet Ryse wenig Neues und ist maximal durchschnittliche Kost. Es gibt einen normalen Angriff, einen schilddurchbrechenden Angriff und sobald der Gegner benommen ist einen Angriff, der die Hinrichtungssequenz einleitet. Hier müsst ihr die richtigen Tasten im richtigen Moment drücken. Allerdings beeinflusst euer Timing nicht die korrekte Ausführung eures Angriffs, sondern lediglich den Bonus, den ihr erhaltet. So habt ihr durch solch eine Hinrichtung zum Beispiel die Möglichkeit etwas Gesundheit zu regenerieren.
Welchen Knopf ihr drücken müsst, wird nicht wie bei Quick-Time Events üblich, durch das Erscheinen des zu drückenden Knopfes angezeigt, sondern durch das farbliche Umranden der attackierten Gegner. Dieses System ist weniger aufdringlich, aber trotzdem gut zu erkennen. Ryse glänzt dabei durch einen ziemlich hohen Grad an Brutalität: abgeschlagene Arme und explizit gezeigtes Erstechen der Gegner in Zeitlupe ist hier keine Seltenheit.
Ryse: Son of Rome bietet nur kurzes Vergnügen, denn nach ca. 5 – 6 Stunden Spielzeit hatte ich mich bereits durch die 8 Kapitel gekämpft. So schlecht, wie Ryse gemacht wird, ist es dabei allerdings nicht. Erst einmal hat Ryse optisch einiges zu bieten und die altertümlichen Schlachten wirken gut inszeniert. Leider geht es stellenweise auch etwas unfair zu, vor allem wenn die Gegner mit Pfeil und Bogen angreifen und Marius einfach nicht vermag den Speer zu werfen. Ein weiteres Manko ist die viel zu steife Steuerung. Die verschiedenen Moves werden nur schwermütig ausgeführt und die Steuerung an sich wirkt störrisch, was zu einigen Frustmomenten führen kann. Zum Beispiel wenn ihr mitten in der Schlacht einen Speer aufheben wollt. Dies macht ihr nämlich durch Drücken der A-Taste. Ebenfalls durch diese Taste wird aber das Blocken ausgelöst. So passiert es, besonders in Situationen, in denen es schnell gehen muss, dass Marius einfach nicht nach der Waffe greifen will, wodurch er den ein oder anderen unnötigen Treffer einsteckt. Ebenfalls nicht unbedingt von Vorteil: es ist nicht möglich Gegner anzuvisieren. Folglich ist es erschwert in einem turbulenten Kampf die Übersicht zu behalten. Aufgrund der schwermütigen Bewegungen von Marius ist es stellenweise unmöglich auf die Angriffe der Gegner zu reagieren. Solltet ihr bereits zum Blocken eines Angriffs angesetzt haben, ein Gegner in eurer Nähe aber zu einem schweren Angriff ansetzt, habt ihr keine Möglichkeit mehr auszuweichen, da die Blockanimation zu lange dauert. Bevor ihr wieder Kontrolle über Marius erlangt und zur Rolle ansetzen könnt, wurdet ihr bereits von der wuchtigen Attacke getroffen. Außerdem führt das Rollen zu noch weniger Übersicht über das Kampfgeschehen. Da ist es einfacher sein Timing beim Blocken zu perfektionieren – denn mit einem perfekt getimten Block kann ebenfalls ein schwerer Angriff abgewehrt werden.
Trotz dieser Makel hatte ich Spaß mit Ryse: Son of Rome. Sobald ich mich an die schwermütige Steuerung gewöhnt hatte, war es durchaus unterhaltsam sich durch die feindlichen Einheiten zu kämpfen. Die Action, vor allem die kurzen Tötungssequenzen sind brachial und aufregend inszeniert. Des Weiteren werden die Kampfpassagen immer wieder durch Schießeinlagen an der stationären Armbrust oder den gruppierten Kampf gegen feindliche Bogenschützen in der Schildkrötenformation aufgelockert.Bevor mir das Spiel dann, aufgrund des eintönigen und an Komplexität mangelnden Kampfsystems langweilig wurde, war die Kampagne auch schon wieder vorbei. Das Spiel konnte den damaligen Erwartungen nicht standhalten, solange ihr allerdings Ryse als einen „Kopf aus“ Titel betrachtet, kann dieser durchaus kurzweilige Unterhaltung bescheren.
Studio: Crytek
Publisher: Microsoft Studios (Xbox One); Deep Silver (PC) Erscheinungsjahr: 2013 Plattform: Xbox One/ PC Genre: Action, Hack and Slash Altersfreigabe: USK 18
Der 32-jährige Tatsuo Fukuda, den alle nur Fuku-chan nennen, arbeitet als Maler in Tokyo. Seit er die Highschool abgeschlossen hat und nach Tokyo gezogen ist, lebt er ein bescheidenes Leben in dem heruntergekommenen Appartmentkomplex FukuFuku Flats. Tagsüber ist Fuku-Chan durch seinen Job damit beschäftigt Gebäude in Tokyo zu streichen. Abends bastelt er in seiner Freizeit gerne Drachen, die er selbst kunstvoll gestaltet. Fuku-chan ist ein Mensch voller Güte, der sich in die Lage seiner Mitmenschen versetzen kann und ihnen aufmerksam zuhört. Deshalb kommen seine Nachbarn auch zu ihm, wenn sie Probleme haben und fragen um Rat. Als er mal wieder einen Streit schlichten möchte, lernt er seine beiden Nachbarn besser kennen und freundet sich mit ihnen an. Auch wenn der sympathische Fuku-Chan von allen gemocht wird, hat er mit den Frauen bislang kein Glück gehabt. Dies möchte sein Arbeitskollege ändern und arrangiert ein Date für den liebevollen Fuku-Chan.
Fuku-chan von nebenan ist eine sehr bodenständige Tragikomödie. Bis auf einige surreale Spitzen (z. B. die Szene mit dem riesigen Drachen) fallen nur wenige Szene aus dem Rahmen. Ansonsten wird die Geschichte eines Menschen aus der unteren Mittelschicht erzählt, der jeden Tag seiner Arbeit nachgeht und ein unspektakuläres Leben lebt. Der Humor wechselt sich mit den dramatischen Szenen ab. Dabei wird nicht auf den großen Lacher gesetzt, sonder es wird behutsam und feinfühlig die Pointe eingeleitet.
Etwas absurd wird es jedoch, sobald man die Hintergründe zu dem Film etwas genauer betrachtet. Fuku-Chan wird nämlich entgegen den Erwartungen nicht von einem Mann, sondern von einer Frau gespielt. In Japan ist die Darstellerin von Fuku-chan Miyuki Oshima eine berühmte Komikerin, in Deutschland dürfte sie allerdings kaum jemandem bekannt sein.
Fuku-Chan ist ein freundlicher junger Mann, der voller Güte allen seinen Mitmenschen jederzeit behilflich ist. Diese Mentalität von Fuku-Chan wird auch durch den Film transportiert. Hier wird das einfache Leben zu etwas Besonderem. Es wird auf unterhaltsame und doch gefühlvolle Weise das Konzept von Schönheit hinterfragt. Niemand hält Fuku-Chan mit seinem rundlichen Gesicht für ein Model, doch Chiho entdeckt in ihm eine ganz besondere Schönheit und möchte von ihm einen Bildband machen. Dabei versucht sie nicht, Fuku-Chan besonders herzurichten, sondern sucht die schönen Momente im Alltag. Sie fotografiert ihn während seiner Arbeit, während er glücklich mit seinen Freunden einen Drachen steigen lässt oder er sein Abendessen genießt.
Etwas von seiner Leichtigkeit büßt der Film ein, sobald das Thema Mobbing aufkommt. Hier wird deutlich, dass Fuku-Chan nur oberflächlich glücklich ist. Im Innern ist er ein tief verletzter junger Mann, dessen mangelnde Kompetenzen im Umgang mit Frauen, auf die traumatisierenden Erlebnisse während seiner Schulzeit zurückzuführen sind. Er versteckt seine verletzliche Seite hinter seinen Angewohnheiten. So spielt er lieber mit seinen Freunden mit seinem selbst gebastelten Drachen, als sich mit der Frau zu unterhalten, die sich für ihn interessiert. Als dann eine Frau aus der Vergangenheit in sein Leben tritt – seine erste große Liebe – kommt seine verletzliche und hoch sensible Seite zum Vorschein.
Fazit zu „Herr Fuku-chan von nebenan“
Fuku-Chan von nebenan ist ein sehr herzlicher Film, der trotz seiner tragischen Elemente nicht seine Leichtigkeit verliert. Er lässt einen über Begriffe wie Schönheit und Normalität nachdenken, ohne mit dem erhobenen Zeigefinger etwas anzuprangern. Fuku-Chan passt nicht in das Weltbild, das die meisten von einem normalen Leben haben. Er hat mit Mitte 30 noch keine Frau, interessiert sich für Drachen und lässt diese gerne steigen. Auch gilt er mit seinem runden Gesicht nicht als schön im Sinne des Idealbildes, das sich gesellschaftlich herauskristallisiert hat. Und trotzdem entdeckt Chiho in ihm etwas Besonderes. Die Mischung aus Klamauk, feinfühligem Humor und Dramatik machen Herr Fuku-chan von nebenan zu einem warmherzigen Film mit Wohlfühlfaktor.
Produktionsland: Japan, UK, Italien, Taiwan, Deutschland Originalsprache: Japan Erscheinungsjahr: 2015 Länge: 110 Minuten Altersfreigabe: FSK 12
Regie: Yosuke Fujita Drehbuch: Yosuke Fujita Produktion: Naoko Arai, Keiko Fujimura, Adam Torel Kamera: Yoshihiro Ikeuchi Schnitt: Yoshisuke Hori
Es ist eine aufregende Zeit für uns Videospielenthusiasten. Auf der Electronic Entertainment Expo -kurz E3- präsentieren Sony, Microsoft und Co. ihre neusten Spiele und die Hardware der Zukunft. Durch die Messe in LA wird, wie nirgendwo sonst, ein Hype erzeugt, dem sich kaum ein Gamer entziehen kann. Schon Wochen vorher wurde durch kleinere und größere „Leaks“ die Stimmung angeheizt.
Richtig los ging es dann am Sonntag mit der Electronic Arts Pressekonferenz. Neben den üblichen Ankündigungen der jährlich erscheinenden Sportspiele wie FIFA und Madden war vor allem Battlefield One das Aushängeschild von EA. Im Anschluss an die PK haben dann ein sichtbar begeisterter Zack Efron und Jamie Fox sowie ein möglicherweise gedopter Snoop Dogg zusammen mit 61 weiteren Spielern live ein Multiplayer-Match in Battlefield 1 bestritten. Begonnen hat die PK aber mit Titanfall 2, das nun auch eine Singleplayer-Kampagne bekommen soll.
Vor langer Zeit in einer weit, weit enfernten Galaxis: Mass Effect Andromeda spielt abseits unserer Milchstraße
Nach etwas Madden und E-Sports wurde es dann wieder interessant: Es gab neue Details zu Mass Effect Andromeda. Auf der Suche nach einem neuen Heimatplaneten macht sich der Hauptcharakter auf in eine entfernte Galaxie, weit hinter unserer Milchstraße. Dabei soll es keinen Bezug auf die Mass Effect Trilogie nehmen, sondern ein unabhängiges Abenteuer beginne. Dementsprechend werden die Spielstände der alten Trilogie nicht berücksichtigt. Leider war es das auch schon zu Mass Effect. Eigentlich wissen wir nicht viel mehr als letztes Jahr. Kein Gameplay, nicht mal ein richtiger Trailer wurde gezeigt. Nur eine Art Behind the Scenes Imagefilm gibt einen kleinen Eindruck vom Reboot.
Awardwinner für die peinlichsten Momente in einer Pressekonferenz: Electronic Arts
Wirklich komisch an der PK war, dass sie an zwei verschiedenen Orten stattfand. Zum einen natürlich in LA, am Standort der E3 und zusätzlich noch in London. So wurde also immer wieder munter zwischen den beiden Standorten gewechselt. Meine Vermutung ist, dass José Mourinho keine Lust hatte extra für seinen zwei Minuten Dialog auf der Bühne nach LA zu fliegen. EA war durch seine Gaststars für mich die PK der peinlichen Momente. Alex Hunter ist bereits nach kurzer Zeit zu einem Internet Meme herangewachsen. Aber auch der Auftritt von Josè Mourinho wirkte gezwungen und aufgesetzt. Abgerundet wurde das Ganze dann mit einer Schalte zu dem anschließend stattfindenden Battlefield One Event. Dort standen dann Jamie Fox und Zack Effron, die sichtbar begeistert waren und es kaum abwarten konnten den neusten Ableger der Reihe anzuspielen.
EA unterstützt kleine Entwickler mit dem Originals Programm
Aber die EA Pressekonferenz hatte auch ihre guten Momente. Zum Beispiel war es schön zu sehen, dass nach Unravel, EA mit dem Originals Programm, weiter kleine Entwickler unterstützen möchte. In diesem Zusammenhang wurde der CEO und Creative Director von Zoink Games auf die Bühne geholt, der dort seinen neuen Titel „Fe“ vorgestellt hat.
In dem, vom Artstyle etwas an Ori and the blind Forrest erinnernden, Spiel Fe, schlüpft ihr in die Rolle eines niedlichen Wesens, mit dem ihr eine Waldlandschaft erkunden müsst. Dabei geht es ganz um die Beziehung zwischen der Natur und ihren Geschöpfen. Beim betrachtet des Gameplaytrailers kam mir neben Ori eine weitere Parallele in den Sinn und zwar zu Spyro the Dragon. Zumindest das kleine Wesen, das durch die dreidimensionale Welt läuft, hüpft und schwebt erinnert an den lila Drachen. Genaue Vorstellungen vom Spiel, habe ich trotz des Trailers allerdings noch nicht. Trotzdem is Fe ein interessanter Titel, der mich neugierig gemacht hat.
Es war einmal vor langer Zeit in einer weit, weit entfernten Galaxis: Visceral und Respawn arbeiten an neuen Star Wars Spielen
Nach dem ruhigen Indie Teil der PK wurden nun wieder die ganz großen Geschütze aufgefahren: der große Star Wars Plan wurde präsentiert. Zum einen werden die derzeit aktiven Star Wars Spiele weiter mit Inhalten versorgt, zum anderen arbeitet man im Auftrag von EA bei Visceral an einem weiteren Ableger des Franchise, der aber nicht vor 2018 erscheinen soll. Auch bei Respawn wird an einem Star Wars Titel gearbeitet, dessen Release liegt noch weiter in der Zukunft.
Es ist etwas enttäuschend erneut ein nichtssagendendes Behind the Scenes Video präsentiert zu bekommen. Ein Releasetermine der noch mindestens zwei Jahre entfernt liegt macht es nicht besser. Dass man eine IP wie Star Wars pflegt, ist nun keine große Überraschung. Nach dem schwachen Battlefront, wäre es doch nun mal an der Zeit gewesen, ein richtig gutes Star Wars Spiel auf den Markt zu bringen.
Battlefield 1: Open Beta noch diesen Sommer
Zum Abschluss der PK präsentierte EA dann noch mehr Details zu Battlefield 1. Abschließend wurde in die bereits erwähnte Anschlussveranstaltung übergeleitet. Die wichtigste Information war, dass es bereits im Sommer eine Open Beta geben wird, in der sich jeder selbst ein Bild von Battlefield 1 machen kann.
In einer kurzen aber knackigen Pressekonferenz präsentiert Bethesda sein Spielelineup für die disjährige E3. Obwohl schon einiges im Vorfeld bekannt wurde, wusste Bethesda trotzdem durch den ein oder anderen Titel zu überraschen.
E-Sports, E-Sports, E-Sports: Quake kehrt zurück
Quake hat immer noch zahlreiche Fans, da wurde es langsam Zeit der IP wieder neues Leben einzuhauchen. Das dachte sich auch Bethesda und startete seine PK mit Quake Champions. Quake wird ein reiner Multiplayer Arena-Shooter, der nur für den Pc erscheinen soll. Nachdem der Doom Multiplayer, vor allem aufgrund seines „langsamen“ Gameplays, auf so viel Kritik stieß, scheint dies der richtige Schritt zu sein. Leider würde mein Laptop vermutlich Feuer fangen, sobald ich Quake starte, daher ist der Titel für mich dadurch erst einmal irrelevant geworden.
Dass Bethesda sich bei Quake voll und ganz auf den kompetitiven Multiplayer konzentrieren will, geht aufgrund der Vorgeschichte von Quake und der damaligen und auch heutigen Relevanz als E-Sports Titel wohl in Ordnung. Für mich war Quake 2 allerdings mein erster richtiger Shooter, den ich am Pc gespielt habe. Damals hatte ich kein Internet und für Lan-Partys war ich zu jung, daher habe ich etliche Stunden im Single-Player verbracht. Die Behauptung Quake war schon immer Multiplayer, die man in etlichen Kommentaren zu der Ankündigung lesen kann, finde ich daher falsch, aber das ist nur meine persönliche Meinung. Der Nostalgie wegen hoffe ich jedenfalls, dass Quake seinen Wurzeln treu bleibt und nicht zu einem Moba/ Helden- Shooter oder Ähnlichem verwurstet wird.
Aus Alt mach Geld – Skyrim Special Edition
Das unnötigste HD Remaster aller Zeiten wurde angekündigt: Skyrim Special Edition. Das war zumindest mein erster Gedanke. Denn es gibt, dank zahlreicher Mods, kaum einen Grund für Pc Spieler auf die HD-Version aufzurüsten. Auch für Konsolenspieler, die bereits die PS3/ X-Box360 Version besitzen, ist der Nutzen fraglich. Vermutlich sind wenige Spieler, die bereits hunderte Stunden in Skyrim gesteckt haben, bereit, für eine hübschere Grafik, das Spiel erneut von vorn zu beginnen. Für Leute, die keine PS3, X-Box 360 oder einen geeigneten Pc besitzen, ist das Remaster allerdings eine gute Möglichkeit eines der besten Rollenspiele nachzuholen. Daher revidiere ich mein forsch gefälltes Urteil und sage „Ja“ zum Skyrim Remaster. Denn, auch wenn ich mir das Spiel nicht erneut kaufen würde, tauche ich immer mal wieder gerne für einen kleinen Spaziergang durch Tamriel in die Welt der Drachen ab. Wer sich für den Kauf der PS4/ X-Box One Version entscheidet, den erwartet dann, neben der besseren Optik, zusätzlich noch die Möglichkeit das Spiel mit diversen Mods zu erweitern.
Eine nette Geste seitens Bethesda: Das optisch aufgehübschte Spiel gibt es für alle Pc Spieler, die bereits die Legacy Edition bzw. das originale Skyrim samt aller Add-ons in ihrem Steam Account haben gratis. Der Rest muss in die Tasche greifen, wie tief wurde allerdings noch nicht verraten. Bei Amazon jedenfalls ist die Skyrim Special Edition für 59.99 € gelistet.
Und täglich grüßt das Murmeltier: Prey Reboot angekündigt
Ich habe leider den ersten Teil nicht gespielt, aber der Trailer sieht vielversprechend aus. Es gab allerdings kein Gameplay zu sehen. Wie auch bei Quake Champions, müssen wir uns bis zur Quakecon im Herbst gedulden, um mehr von dem Spiel zu Gesicht zu bekommen.
Highlight der Bethesda PK: Dishonored 2
Letztes Jahr wurde es angekündigt, dieses Jahr wird es gezeigt und es kommt sogar noch dieses Jahr heraus. Dishonored stellt auf jeden Fall das Highlight der Bethesda PK dar und überzeugt durch einen vielversprechenden Gameplaytrailer. Ihr spielt einen Assassinen mit übernatürlichen Kräften, der in einer durch Steampunk Einflüsse geprägten Stadt seine Ziele ausschalten muss. Dabei lässt das Spiel euch die freie Wahl, ob ihr euch an die Gegner heranschleicht und diese leise und heimlich ausschaltet, oder ob ihr voll in die Offensive geht und eure Widersacher mit brachialer Waffengewalt sowie mithilfe eurer Fähigkeiten ausschaltet.
Microsoft startet stark in die E3 und stellt gleich zu Beginn seine neue Xbox One S vor. Dies ist keine Überraschung, da wenige Tage zuvor bereits Bilder zum eleganteren Pendant der originalen Xbox One im Netz aufgetaucht sind. Die Slim Variante bietet etwas mehr Leistung, 500 GB Speicherplatz, die Möglichkeit 4K Videos abzuspielen und das zum Preis von 299 $ (vermutlich lässt sich der Preis 1:1 in Euro übertragen). Für einen Aufpreis wird es die Konsole auch mit 1 TB oder 2 TB Speicher geben. Erscheinen soll die Konsole bereits im August.
Kann denn nicht ein einziges Mal jemand an die Kunden denken?!: Play Anywhere bringt Crossbuy Funktion
Bevor es dann mit den Spielen losging, gab es noch eine weitere Ankündigung: Mit Xbox Play Anywhere wird eine Crossbuy Funktion zwischen dem digitalen Xbox One Store und dem Windows 10 Store eingeführt. Soll heißen: Mit dem Kauf eines Spiels über den Xbox Store bekommt ihr das Spiel ohne weitere Kosten ebenfalls für den PC. Eine schöne und vor allem kundenfreundliche Funktion, die ich nur für zeitgemäß halte. Allerdings stellt sich mir die Frage, ob Microsoft damit nicht seine Xbox One in gewisser Weise obsolet macht. Denn wirkliche Exklusivtitel gibt es wenige. Bis auf Halo Guardians sind sämtliche wichtigen Xbox One Titel nun auch mit dem Pc spielbar. Microsoft will schon seit dem Release sein Betriebssystem fördern und die Exklusivtitel der Konsole sind da eine gute Möglichkeit Pc-Spieler zum Upgrade zu bewegen. Ob nun eine Plattform die Andere kannibalisiert, oder Microsoft durch den Windows 10 Support einfach seine Zielgruppe erweitert, wird die Zukunft zeigen.
Gears of Windows: Gears of War 4 wird der erste Crossbuy und Crossplay Titel
Nachdem alle interessierten den Multiplayer von Gears of War durch die offene Betaphase bereits antesten konnten, wurde auf der PK mehr zu der Kampagne verraten. In einem Spielausschnitt, der Live auf der Bühne vorgespielt wurde, konnte man sich einen Eindruck vom Gameplay verschaffen. Auch die zuvor angekündigten Wind- und Wettereinflüsse sind Teil der Live-Demo und es wird verdeutlicht, wie sich diese auf das Spiel selbst auswirken.
Das meistgespielte Kampfspiel auf der Xbox One: Killer Instict – oder Das bislang einzige Kampfspiel auf der Xbox One
Nachdem nun vor Kurzem die Killer Instict Charaktere der dritten Staffel in den Ring gestiegen sind, ist es schön zu sehen, dass das Spiel weiter gepflegt wird. Ab sofort wird Raam, ein Charakter aus dem Gears of War Universum das Roster erweitern und sich den Kämpfern der dritten Staffel anschließen.
Über eine Wüstenstraße, hinein in den Dschungel zurück auf die geteerte Straße und ab zum Strand: Forza Horizon 3 spielt in Australien
Forza Horizon geht in die dritte Runde und wird mit einem kinematographisch eindrucksvollen Trailer vorgestellt. Anschließend gab es eine Live Gameplay Session, die auch gleich die Crossplay Funktion mit vorgestellt hat. Es haben auf der Bühne eine Dame an der Xbox One S, ein Mann im Rennsitz samt Lenkrad an einem 4K High End Windows 10 PC, ein weiter Dude ebenfalls am Pc, allerdings mit einem Xbox One Controller und last but not least ein Spieler an der bisherigen Xbox One zusammengespielt. Nicht nur dass Spieler der Xbox One und der Windows 10 Version zusammen fahren können, es wird in Forza Horizon 3 auch möglich sein, plattformunabhängig gemeinsam mit seinen Freunden, die Kampagne im Koop zu spielen.
Dieses Mal findet das Horizon Festival in Australien statt und gleich in den ersten Gameplay Szenen wird die Vielfalt des Kontinents gezeigt. Es geht über eine Wüstenstraße, hinein in den Dschungel zurück auf die geteerte Straße und ab zum Strand.
Besonders erfreulich ist, dass wir Spieler nicht lange auf den neuen Ableger warten müssen. Der Releasetermin wurde bereits für diesen September angegeben.
Bester Song der E3: ReCore – I’ll take you – MSTR Rogers
Und wieder weiß ein Trailer zu überzeugen: dieses Mal vor allem durch seine musikalische Untermalung. Das von Keiji Inafune, dem Designer von Megaman und Mark Pacini, dem Lead Designer von Metroid Prime entwickelte Recore, soll die Einflüsse aus beiden Spieleserien in sich vereinen. Der Gameplaytrailer verspricht ein 3D Plattformer-Adventure mit schnellem Gunplay und großen Robo-Bosskämpfen.
Im Spiel trefft ihr auf freundliche Roboter, die euch im Kampf gegen eine Vielzahl an feindlich gesinnten Robotern unterstützen. Der verbündete Roboter besteht dabei aus einem Kern, der seine Persönlichkeit enthält und seinem Körper. Dadurch ist es möglich die Persönlichkeit des verbündeten Roboters in eine andere Hülle zu verfrachten. Insgesamt gibt es drei Persönlichkeiten: Mac, eine neugierige und abenteuerlustige Persönlichkeit, Seth, eine ängstliche Persönlichkeit und Duncan, eine sture und wütende Persönlichkeit. Die verschiedenen Persönlichkeiten nehmen jeweils Einfluss auf das Verhalten eurer Kompagnons im Kampf.
Etwas gewöhnungsbedürftig sind die ständig auftauchenden Zahlen, die den beim Gegner verursachten Schaden oder die erlangten Erfahrungspunkte anzeigen.
Auch dieses Spiel wird für uns Spieler bereits dieses Jahr verfügbar sein – der Release ist für den 16. September geplant.
Final Fantasy 15: Nach drei Jahren E3 endlich mit dem Release.
Ohne große Inszenierung wird Final Fantasy 15 durch ein Live-Gameplay vorgestellt. Dabei geht es direkt richtig zur Sache: Der Hauptcharakter im Emo-Stil Noctis kämpft mit seinen Gefährten gegen ein riesiges Steinmonster. Die Final Fantasy 15 Präsentation beschränkt sich auf diesen einen Widersacher, was, aufgrund des wenig spektakulär wirkenden Kampfes, etwas wenig ist.
Mit dem bevorstehenden Release im September bleibt es da nur abzuwarten, ob Final Fantasy den Wünschen und Vorstellungen der Fans gerecht werden kann.
Teetasse im Mickey Mouse Design: Cuphead erscheint noch dieses Jahr
Cup Head wurde vorletztes Jahr bereits vorgestellt, der Release hat sich allerdings weiter verzögert, weil das Spiel um einen Plattforming Part erweitert wurde. Letztes Jahr bestand Cuphead lediglich aus einer Aneinanderreihung von Bosskämpfen. Jetzt bleibt nur abzuwarten, ob die Entwickler es geschafft haben die nachträglich hinzugefügten Run and Gun Parts organisch in das Spielgefühl einzufügen.
Cuphead ist vom Artstyle an 30er Jahre Disney Cartoons angelehnt. Der Titel war bereits letztes Jahr im Indiesektor die große Überraschung der E3 und konnte die Herzen vieler Spieler erobern. Der diesjährige E3 Trailer verrät, dass Cuphead ein heutzutage wenig verwendet aber heiß begehrtes Feature anbietet – einen lokalen Koop Modus. Ihr könnt euch gemeinsam als Cuphead und Mugman durch die Welten ballern und die fordernden Bosse niederstrecken.
Der Releasetermin wurde noch nicht bekannt gegeben, Cuphead soll allerdings noch dieses Jahr für Xbox One und PC erscheinen.
Schatz, hast du eigentlich deine Tabletten genommen? – We Happy Few
In We Happy Few befindet ihr euch in einer alternativen Version Englands, in der jeder Bewohner unter dem Einfluss der Droge „Joy“ steht. In einem stets neu prozedural entstehenden Dorf müsst ihr euch nun als Spieler dem Drogenkonsum widersetzen.
We Happy Few präsentiert sich mit neuem Gameplaytrailer auf der Microsoft PK und sorgt für Begeisterung. Das gezeigte Material sieht auch vielversprechend aus, aber einer Early Access Version eines durch Kickstarter finanzierten Spiels begegne ich mit einer gewissen Skepsis. Für mutige gibt es das Spiel für PC und Xbox One jedenfalls in der Alpha Version ab dem 27. Juli zu erwerben.
Was macht der denn da? – Akuma bei Tekken 7
Es gibt nicht viel zu sagen bezüglich Tekken 7. Lediglich der Release wurde für Anfang nächstes Jahr datiert.
Eine kleine Überraschung war jedoch das Auftauchen von Akuma in dem E3 Trailer. Ganz abwegig ist dieser Schritt nicht, da bereits seit Jahren eine Kollaboration zwischen Tekken und Street Fighter geplant ist. 2009 gab es bereits mit Streetfighter X Tekken ein Crossover, der die Tekken Charakter in das Street Fighter Universum geholt hat. Auch wenn das Gegenstück bisher nicht erschienen ist, hat es jetzt zumindest Akuma in das Tekken Roster geschafft.
Scalebound: Koop-Modus bestätigt
Der japanische Entwickler Platinum Games arbeitet bekanntlich schon länger an ihrem Flagschifftitel Scalebound. Da ist es nicht verwunderlich, dass der Xbox One und Windows 10 Exklusivtitel erneut einen Platz in der E3 Präsentation gefunden hat. Allerdings gab es nicht viel Neues zu berichten.
In einem Gameplay-Video wurde dem E3 Publikum ein Bosskampf gezeigt. Dieser Kampf wirkt allerdings, gemessen an der Größe des zu bekämpfenden Monsters, relativ unspektakulär. Der Spieler kloppt zwar wie wild auf die leuchtenden Schwachstellen des Monsters ein, dieses macht allerdings nur wenig Bemühungen die Angreifer in die Flucht zu schlagen.
Platinum ist eigentlich besonders für seine spektakulären und vor allem auch fordernden Bosskämpfe bekannt. Da verwundert es, dass ein Boss dieses Ausmaßes in kurzer Zeit ohne sichtbare Mühe gelegt werden konnte. Eine Erklärung wäre, dass für die Präsentation der Schwierigkeitsgrad heruntergeschraubt wurde, um Angriffe und Inszenierung in den Fokus zu legen.
Das allgemein sehr positive Image des Entwicklers hat jedenfalls nach den kürzlich veröffentlichten Titeln einen Knacks zu verkraften. Diese wurden maximal als mittelmäßig von der Fachpresse aufgenommen. Für Platinum Games ist es an der Zeit wieder abzuliefern. Für den ersten Eindruck hilft es jedenfalls nicht, dass der Protagonist mit seinen Kopfhörern auf lächerliche Weise cool wirken soll.
Mich hat der Protagonist letztes Jahr bei der Vorstellung des Titels ebenfalls abgeschreckt, mittlerweile habe ich mich aber an den Anblick gewöhnt und freue mich auf Scalebound. Vor allem weil mir auch die vermeintlichen Flops wie Star Fox Zero,Transformer Devestation und sogarTMNT Mutanten in Manhatten sehr viel Spaß bereitet haben.
Hisst die Segel!, lichtet den Anker! – Sea of Thieves verspricht virtuelle Piratenabenteuer
Auch wenn EA bereits den Award der peinlichen Momente gewonnen hat, war das Gameplay Video von Sea of Thieves ebenfalls ein starker Konkurrent. Diese aufgesetzte Aufregung und das ganze Rumgeschreie a la Let’s Player Youtube Manier regt bei mir nur zum Fremdschämen an.
Das Gameplay an sich sieht allerdings vielversprechend aus, vor allem falls man Freunde hat, mit denen man zusammen in See stechen kann. Mit willkürlichen Leuten stell ich mir das Spiel allerdings recht anstrengend vor – obwohl auch das lustig werden könnte.
The next big thing: Head of Xbox Phil Spencer kündigt Project Scorpio an
Zum Schluss der Pressekonferenz haut Phil Spencer, Chef der Xbox Abteilung bei Microsoft, noch eine Ankündigung raus, mit der wohl niemand gerechnet hat. Die verbesserte Xbox One „Project Scorpio“ soll nächstes Jahr zum Weihnachtsgeschäft auf den Markt kommen. Die neue Konsole soll dabei voll mit der Xbox One und der Xbox One S kompatibel sein und auch alle Spiele werden weiter für alle drei Konsolen gleich funktionieren. Project Scorpio soll speziell für 4K Gaming entwickelt werden und sich vor allem an Leute richten, die besonders viel Wert auf ein 4K Gaming Erlebnis legen.
Die Leistung der neuen Konsole definiert Phil Spencer mit 6 Teraflops relativ vage – zum Vergleich: die Xbox One verfügt zurzeit über 1,3 Teraflops, die PlayStation 4 verfügt über 2 Teraflops und Sonys neue Playstation 4,5/ PlayStation Neo soll 4 Teraflops an Leistung haben. Demnach wird die Scorpio deutlich leistungsfähiger als ihre Konkurrenten.
Project Scorpio: Bekannte Spezifikationen – 6 Terraflops Leistung – Echte 4K Spiele – Sie unterstützt VR – 320 GB/s Speicherbandbreite – 8 Rechenkerne – Zugehörig zur Xbone Familie (volle Kompatibilität) – Erscheint zum Weihnachtsgeschäft 2017
In späteren Interviews hat Phil Spencer noch einmal verdeutlicht, dass die gesamte Leistung der Project Scorpio primär für 4K Gaming ist. Spieler ohne 4K Bildschirm werden kaum einen Unterschied spüren. Lediglich bei sehr aufwendigen Stellen im Spiel – als Beispiel wurde eine Actionsequenz bei Halo 5 genannt – wo bisher die Xbox One zugunsten einer stabilen Bildrate, die Auflösung gedrosselt hat, würde das Bild nun weiter in 1080p dargestellt werden. Spielern ohne 4K Bildschirm rät er daher zum Kauf der neuen Xbox One S.
Dieses Statement könnte er getätigt haben, um erst einmal die Slim Variante zu verkaufen, allerdings scheint der Fokus auf eine höhere Auflösung gar nicht so abwegig. Besonders im Hinblick auf VR. Bei den Virtual Reality Headsets müssen stets 2 Bildschirme mit einer hohen Auflösung und Framerate bedient werden, da sonst die sogenannte Motionsickness droht. Microsoft arbeitet mit dem Occulus Team zusammen. Die Bildschirme der aktuellen Oculus Rift haben jeweils eine Auflösung von 1080x1200p.
Ich jedenfalls hätte mir die Leistung der neuen Xbox in wichtigere Baustellen als die Auflösung gewünscht. Reduzierung von Ladezeiten, höherer Detailgrad, bessere Effekte und Texturen ohne Einbußen in der Framerate oder Auflösung. Man muss sich nur einen Vergleich der aktuellen Spiele zwischen PC und Konsole anschauen, um zu sehen, dass die Titel deutlich besser aussehen könnten. Auch die immer wieder thematisierten Downgrades zeigen, wieviel besser Spiele aussehen könnten, auch ohne 4K. Mal ganz davon abgesehen, dass die Xbox One sowie die PS4 in jetziger Form nicht in der Lage sind lokales Koop Spiel zu ermöglichen.
Recore, Forza Horizon, Sea of Thieves und auch We Happy Few: Trailer kann man bei Microsoft. Vor allem die perfekt auf das Spiel abgestimmte Musik der drei Ersterwähnten zeichnet diese aus. Die Pressekonferenz war daher wirklich unterhaltsam anzusehen. Einzig die fragwürdige Designentscheidung seitens Microsoft bei ihrer Übertragung ständige zwischen dem Spielgeschehen und der leeren Bühne hin und her zu schalten hat diesen positiven Eindruck getrübt. Bei Gears of War zum Beispiel wurde gefühlt alle 30 Sekunden anstatt das Gameplay zu zeigen, über das Publikum geschwenkt oder es wurden die beiden Spieler auf der Bühne gezeigt, die dementsprechend regungslos dastanden und nach unten auf den Monitor geschaut haben. Nicht nur dass man hier vom eigentlich Wichtigen abgelenkt hat, nämlich vom Spiel, die ständigen harten und vor allem sinnlosen Schnitte gingen zumindest mir ziemlich schnell auf die Nerven. Leider hat sich diese Eigenart durch die gesamte Pressekonferenz gezogen.
Die Ubisoft Pressekonferenz war in den letzten Jahren schon voll auf Unterhaltung ausgelegt und auch dieses Jahr wurde sie ihrem Ruf gerecht. Mit Aisha Tyler, die nun schon das fünfte Jahr in Folge mit viel Witz und frechen Sprüchen durch die ca. zwei Stunden Pressekonferenz führte,kam auch dieses Jahr keine Langeweile auf.
Gleich zu Beginn wurde es „confusing and awesome„, wie Aisha selbst den Auftritt der Tanzgruppe beschreibt, die das im Oktober 2016 erscheinende Just Dance 2017 präsentieren. Der neue Ableger der Serie wird über 40 Songs beinhalten. Durch Just Dance Unlimited lässt sich dieser Katalog noch um über 200 Songs erweitern.
Die nächste Koop Hoffnung: Ghost Recon Wildlands
Letztes Jahr angekündigt, dieses Jahr bekamen wir ein ausführliches Gameplay-Video zu Gesicht. In Ghost Recon Wildlands müsst ihr entweder alleine oder im Team mit maximal drei weiteren Spielern das mexikanische Drogenkartell in Bolivien zerschlagen. In der Präsentation wird gezeigt, wie ein Team aus vier Spielern eine Zielperson zunächst ausfindig macht und anschließend aus seinem Lager extrahiert. Dabei wird anschaulich gezeigt, wie Teamplay und eine gute Kommunikation den Erfolg der Mission bestimmen. Wie ihr dabei vorgeht, wird euch laut Ubisoft komplett frei stehen.
Im Gameplay-Video sieht man zum Beispiel, wie eine Person sich eine Position etwas abseits der Action sucht, um seine Kameraden als Scharfschütze zu unterstützen, während diese möglichst lautlos versuchen zu ihrer Zielperson zu gelangen. Auch der Einsatz von Fahrzeugen scheint eine wichtige Rolle zu spielen. Als die Zielperson flieht, springt ein Spieler direkt auf ein Motorrad und nimmt die Verfolgung auf. Zeitgleich gibt er an seinen Mitspieler die Position der Zielperson weiter und dass diese flüchtig ist. Zwei Spieler springen in ein Auto und schließen sich der Verfolgungsjagd an, während der vierte Spieler mit einem Motorrad zum Extraktionspunkt fährt, um sein Team anschließend im Helikopter zu unterstützen.
Auch bei diesem Titel finde ich auffällig, dass die gesamte Mission wenig spektakulär wirkt. Die Gegner scheinen, obwohl sie alarmiert waren und Schüsse in ihrem Lager gefallen sind, wenig interessiert von der Infiltrierung.
Trotzdem, besonders im Zusammenspiel mit Freunden, scheint der Titel eine menge Spaß zu versprechen. Möglicherweise könnte Ghost Recon das werden, was The Division hat sein wollen. Wenn sie die offen Spielwelt nutzen und diese nicht durch künstliche Einschränkungen obsolet machen, dazu noch eine Kampagne inszenieren, die über 20 Stunden Abwechslung bietet, wäre ich vollkommen zufrieden.
Es bleibt abzuwarten, wie das fertige Produkt dann tatsächlich spielt. Auch bei Division ist im Vorfeld ein Hype entstanden, den das Spiel nicht gerecht wurde. Dennoch ist Wildlands ein Titel, den ich im Auge behalten werde.
Southpark: The Fractured but Whole
Auf der Ubisoft Bühne wurde eine Fortsetzung zu „The Stick of Truth“ angekündigt: The Fractured but Whole – auf deutsch „Die rektakulärele Zerreißprobe“ – wird am 6. Dezember dieses Jahres erscheinen. Wer sich entschließen sollte den Titel vorzubestellen, bekommt den Vorgänger gratis.
In The Fractured but Whole schlüpft ihr erneut in die Rolle des neuen Kindes, das ihr auch im ersten Teil gespielt habt. Allerdings sind eure Mühen von damals vergebens, denn Fantasy ist nicht mehr cool. Der heiße ****** sind jetzt Superhelden. Cartman hat einen Plan entworfen, mit dem die Southpark Kids zu Millionären werden. Er will innerhalb drei Phasen ein Superhelden Franchise starten. Das klingt nicht nur etwas nach Marvel, sondern von genau denen klaut er nämlich die Idee. Doch nicht alle Kinder sind mit dem Plan einverstanden und beschließen ihre eigenes Superhelden Franchise zu gründen. Daraufhin verkündet Cartman den Civil War.
Der Trailer lässt bereits erkennen, dass ihr im Spiel wieder eine menge Humor erwarten dürft. Dazu haben die Entwickler auf der Pressekonferenz mitgeteilt, dass sie ihr Kampfsystem neu überarbeitet haben. Nun ist es möglich die Position zu wechseln und zum Beispiel hinter eure Gegner zu gehen, oder euch Schutz vor Angriffen zu suchen. Des Weiteren könnt ihr mithilfe der Umgebung zusätzlichen Schaden verursachen.
Watchdogs 2: Playstation 4 Spieler bekommen DLC’s einen Monat vorher „that’s incredible, that’s incredible Jim.“
Nachdem Watchdogs gleichermaßen von Kritikern als auch Spielern als Flop eingestuft wurde, verwundert es mich, dass überhaupt eine Fortsetzung entwickelt wird.
Die Entwickler behaupten sich der Kritik angenommen und Watchdogs 2 nun den Wünsche der Fans entsprechend angepasst zu haben. Aden Pierce, der Hauptcharakter aus dem ersten Teil, war ein unsympathischer und unscheinbarer Einzelgänger – Marcus Holloway ist da das komplette Gegenstück. Er ist ein freundlicher Alleskönner, der in Zusammenarbeit mit dem Hackerkollektiv Deadsec den Kampf gegen das soziale Netzwerk Invite aufgenommen hat. Invite soll mit korrupten Politiker unter einer Decke stecken und dies wollen die Hacker möglichst öffentlichkeitswirksam aufdecken.
Im Trailer sehen wir, wie Marcus wesentlich agiler unterwegs ist und ohne Probleme über Zäune und Dächer hinweg klettert. Auch die Missionen sollen abwechslungsreicher werden. Laut dem Produzenten Dominic Guay soll es für jeden Auftrag eine Vielzahl an Lösungsmöglichkeiten geben, dabei beziffert er die Möglichkeiten allein für die erste Beispiel-Storymission auf 100. Das klingt alles vielversprechend, doch auch der erste Teil klang vielversprechend und konnte keines dieser Versprechen einhalten. Leider sind auch Markus und seine Freunde aus dem Hackerkollektiv nicht grade Sympathieträger. Diese aufgesetzte, ja schon zwanghafte Coolness, ist nicht cool, sondern peinlich. Abgesehen von Charakter und Story hat mich im ersten Teil das repetitive und vor allem langweilige Gameplay gestört: Kamera hacken, Raum auskundschaften, Gegenstand in der Nähe hacken, Wachen ausschalten und wieder etwas hacken. Dieses Muster lässt sich auch im Gameplay zu Watchdogs 2 erkennen: Per Drohne auskundschaften, Lift hacken, Kopfhörer aufsetzen, denn hören muss Markus beim Infiltrieren nichts, Lampen hacken, um Gegner abzulenken, Gegner überwältigen, noch ein paar Sachen hacken, bis wir zuletzt den Zielcomputer hacken. Durch das Hacken des Zielcomputers werden dann die Wachen alarmiert und Markus muss sich durch das Penthouse ballern. Die Frage, warum man erst langsam und vorsichtig hineingeschlichen ist, wenn man am Ende doch alle abballern muss, sollte man besser nicht stellen. Natürlich kann man ein Spiel nicht an einem zehnminütigem Gameplayvideo beurteilen, vor allem nicht, wenn man wie ich, eine generelle Skepsis gegenüber dem Titel hat. Daher bleibe ich zwar skeptisch, lasse mich aber gerne eines Besseren belehren.
GoPro und Red Bull präsentieren: Steep
Zum Schluss der Ubisoft Pressekonferenz gab es dann noch eine Überraschung – Steep wurde angekündigt und soll noch dieses Jahr passend zur Wintersportsaison erscheinen.
Bei Steep handelt es sich um ein Open World Action-Wintersportspiel, bei dem ihr mit Skier, Snowboards, Paragleiter und Wingsuits die Alpen herunterrasen könnt. Der eindrucksvolle Trailer zeigt, dass ein Wechsel zwischen dem Equipment jederzeit möglich ist. So könnt ihr zunächst im Wingsuit von der Spitze des Berges gleiten, um dann ab der Hälfte auf das Snowboard zu steigen. Ziel des Spiels ist es, möglichst spektakuläre Stunts abzuliefern. Dabei könnt ihr alleine oder im Multiplayer mit euren Freunden in drei verschiedenen Gebieten die Berge bezwingen. Die Onlinefunktion erlaubt euch selbst Strecken festzulegen, die dann von anderen Spielern nachgefahren werden können.
Seit Cool Boardes habe ich kein gutes Snowboard Spiel mehr gespielt und persönlich hoffe ich auf eine Physik, die weniger Wert auf Realismus legt. Mit etwas Glück können wir Spieler uns noch vor dem Release selbst ein Bild von Steep machen. Es wurde eine Open Beta angekündigt, für die ihr euch eintragen könnt.
Sony startet seine Pressekonferenz stimmungsvoll mit einem Live Orchester. Anschließend wird ohne großes Gerede mit der Präsentation der Spiele begonnen und nicht mehr aufgehört. Hier ist man seitens Sony die PK etwas anderes angegangen als die Konkurrenz und hat den Fokus klar auf kommende Spiele gelegt, ohne Interviews oder Entwicklerkommentare.
God of War 4: Kratos prügelt sich durch die nordische Mythologie
Das zuerst gezeigte Spiel ist nach den „Leaks“ im Vorfeld keine Überraschung. Den neuen Weg den die Serie einschlägt ist allerdings eine totale Überraschung. Es geht natürlich um die Rückkehr von Sonys Vorzeigecholeriker Kratos aus der God of War Reihe. Dieses Mal prügelt sich Kratos durch die nordische Mythologie. Im Gameplay Trailer wirkt der neue Ableger allerdings fast wie ein Last of Us im Kratos Gewand.
Auch wenn in God of War 4 dem Helden Kratos nun mehr Substanz und Tiefe verliehen wird, soll das nicht bedeuten, dass es auf Kosten der Action geschieht. Denn laut Entwickler sollen Widersacher größer denn je sein und auch den Angriffen von Gegnerhorden muss sich Kratos regelmäßig stellen. Immer mit dabei ist sein Sohn, der im Laufe des Spiels neue Fähigkeiten erlernen kann und allgemein an Stärke gewinnt. Wie genau sich das Ganze spielt, ist aus dem Trailer nicht ersichtlich. Es bleibt zu hoffen, dass es nicht zu einer das gesamte Spiel andauernden Beschützermission ausartet.
Bestes Beispiel für die mögliche Diskrepanz zwischen Trailer und Gameplay: Days Gone
Beeindruckende Landschaftsaufnahmen unterlegt mit schwermütiger Geigenmusik und den sehnsüchtigen Erzählungen des Narrators erzeugen eine bedrückend, melancholische Stimmung. Ganz im Kontrast zu den Gameplay-Szenen, die uns zum Abschluss der Sony PK gezeigt wurde. Ließ der Trailer noch auf ein Last of Us 2 hoffen, erinnern die ersten Spielszenen bislang eher an ein Dead Rising.
Das muss nichts Schlechtes sein – Spiele wie Dead Rising, Dead Island und auch Dying Light stehen für kurzweilige Unterhaltung und sind Titel, die man mal für ein paar Stunden spielen kann, ohne sich groß zu investieren und trotzdem Spaß hat. Der Trailer ist, zumindest nach jetzigen Informationen, irreführend. Es wird große Inszenierung versprochen, das Endprodukt ist scheinbar nur ein generischer Zombieshooter, bei dem es gilt Horden von Untoten zu entkommenen.
Was lange währt, wird endlich gut: Last Guardian
Nach 9 Jahren Entwicklungszeit und dem Entschluss aus einem PS3 nun ein PS4 Spiel zu machen, scheint die Entwicklung tatsächlich abgeschlossen zu sein. Last Guardian hat ein Releasedatum und wird am 25. Oktober in den Handel kommen. Auf der PK war man erneut sparsam mit Material. Spieler der Demo konnten aber positiv über das Spiel berichtet und haben vor allem die realistischen Verhaltensweisen des Begleiters hervorgehoben.
Horizon Zero Dawn
Horizon präsentiert sich mit einem achtminütigen Gameplay-Video, in dem die Heldin Aloy auf die Jagd geht, um einigen Robo Walkern ihrer Bauteile zu entledigen. Aus den gewonnenen Materialien kann die Protagonistin nun Sprengfallen herstellen, die auch direkt bei einem größeren Gegner zum Einsatz kommen.
Horion Zero Dawn ist für mich ein interessanter Titel. Mir gefällt der Hauptcharakter, sowohl optisch, als auch von den Fähigkeiten her. Der Kampf mit dem Bogen in der ursprünglichen aber doch von Robowesen besiedelten Welt stellt einen interessanten Kontrast dar. Scheinbar wird es der Heldin auch möglich sein, sich die Kreaturen zu eigen zu machen. Weil das angegriffene Dorf zu weit entfernt ist, um rechtzeitig zu Fuß anzukommen, schnappt sie sich eine Art Ochsenroboter und reitet auf ihm zum Dorf. Hier bleibt abzuwarten, welche Möglichkeiten diese Spielmechanik noch mit sich bringt, oder ob sie sich darauf beschränkt Reittiere zu erhalten. Abgeschlossen wurde die Präsentation durch einen eindrucksvollen Kampf im Dorf. Während des Kampfes wurden umliegende Häuser und Bäume durch die wuchtigen Angriffe des feindlich gesinnten Robomonsters zerstört. Anfangs wirkte die Welt ziemlich leer, doch nach dem Aloy sich auf in das Dorf machte gewann die Spielwelt an Leben. Es waren am Rand verschiedene Arten der Robowesen zu sehen, die mich ein wenig an die Kreaturen aus Xenoblade Chronicles X erinnerten. Anhand acht Minuten Gameplay diesbezüglich ein Urteil zu fällen wäre sowieso Wahnsinn, daher bleibt abzuwarten, ob die Entwickler es schaffen eine lebendige und interessante Welt zu kreieren, die trotz ihrer riesigen Dimensionen noch abwechslungsreich genug bleibt.
Das Open World Abenteuer soll am 28. Februar 2017 exklusiv für die Playstation 4 erscheinen.
Ich bin zwar nicht der größte Horrofreund, aber das Spielen des Resident Evil HD Remasters hat in mir die Lust nach einem neuen, klassischen Resident Evil geweckt. Daher konnte ich mich auch über die Ankündigung von Resident Evil 7 besonders freuen. Denn wie es scheint, nimmt man Abstand von den actionlastigen Teilen 5 und 6 und besinnt sich vom Stil her erneut auf seine Horrorwurzeln. Im gezeigten E3 Material wird der Protagonist statt in der Third-Person aus der Egoperspektive gesteuert. Dabei wirkt das Spiel tatsächlich deutlich stimmungsvoller und langsamer als seine Vorgänger. Höhepunkt der Präsentation ist ihr Abschluss mit dem Gänsehaut Song „Go Tell Aunt Rhody“ und dem Auftauchen des „Resident Evil Biohazard“ Schriftzugs.
Durch den Wechsel von Third- auf Firstperson wird Resident Evil 7 optimal für den Einsatz der PlayStation eigenen VR-Brille sein, soll aber auch am Bildschirm funktionieren.
Entgegen des ersten Eindrucks soll Resident Evil keine Geistergeschichte werden. Alles soll Sinn ergeben und auch der Inhalt der Demo wird kein Bestandteil des fertigen Spiels sein. Sie soll lediglich einen Eindruck des Horrors geben, der euch im Spiel erwarten wird. Die Demo sowie die gesamte Aufmachung des Spiels erinnern stark an P.T.
Ich bin noch unentschlossen was ich von der Entscheidung halten soll, in die First Person Perspektive zu wechseln. Bei mir kommt bei solch immensen Einschnitten bei einer Fortsetzung immer das Gefühl auf, dass es sich nicht wirklich um eine Fortsetzung handelt, sondern nur um ein Spiel, dem der Name einer bekannten Marke aufgedrückt wurde. Ein Resident Evil besteht für mich immer noch aus einer Third-Person Perspektive, engen Gängen, mit Bedacht platzierten Gegnern, Ressourcenmanagement und Rätseln.
Ob der neuste Ableger der Serie den Erwartungen entspricht, diese sogar übertrifft, oder zu einem X-beliebigen Horrorspiel mit Resident Evil Stempel verkommt werden wir nächstes Jahr erfahren. Resident Evil 7 erscheint am 24. Januar 2017 für PlayStation 4 (inkl. PlayStation VR) und Xbox One.
Call of Duty Infinite Warfare – wohl eher Call of Downvotes
Das im Vorfeld viel kritisierte Call of Duty Infinite Warfare überraschte mit einem eher untypischen Trailer. Nicht nur ich habe mich die ersten Minuten gefragt, was da überhaupt für ein Spiel gezeigt wird. Dementsprechend wurde der Trailer auch deutlich positiver angenommen, als der noch vor wenigen Wochen veröffentlichte Reveal Trailer. Die Daumen nach unten blieben jedoch auch diesmal nicht aus, sind aber mit 80.000 zu über 3 Millionen deutlich weniger. Ich habe allerdings auch den Eindruck, dass die negativen Stimmen allein auf den Namen Call of Duty zurückzuführen sind. Ich bezweifle, dass wenn der gleiche Trailer nun ein Titanfall 2 angekündigt hätte, genauso negativ angekommen wäre.
Der größte Cocktease der E3 – Crash Bandicoot Remaster/ Skylanders
Die markante Titelmelodie ertönt, die gesamte Bühne erstrahlt im Crash Design. Sollte es tatsächlich geschehen? Es hat sich bereits vor einiger Zeit etwas bezüglich Crashs Rückkehr angedeutet, aber ein neuer Crash Bandicoot Teil?!? Es wäre für mich das absolute Highlight der E3.
Und dann kam die Ankündigung: Crash 1 – 3 Remastered und Crash in Skylanders. Wow. Crash 1 – 3, hatte ich eigentlich mal auf der PS3 gekauft, kann ich aber auf der PlayStation 4 nicht mehr spielen. Es gibt einfach Spiele, die brauchen keine Überarbeitung, genauso wie es Filme gibt, die im Original gut sind und keiner Aufarbeitung bedürfen. Crash ist optisch und vom Gameplay noch heute spielbar, sofern man eine PS1 oder PS3 hat. Also geht es in meinen Augen um das zugänglich machen, welches uns Spielern von Sony selbst verwehrt wird. Dass eine PS4 nicht in der Lage sein soll PS1 Spiele zu emulieren klingt für mich unglaubwürdig. Die PS3 konnte es, am PC ist es sowieso möglich und sogar für Android gibt es funktionierende Emulatoren für PS1 Spiele. Ich frage mich, wie oft ich manche Spiele eigentlich noch kaufen soll. Hier spricht ein wenig die Enttäuschung aus mir und daher schließe ich das Fass hier wieder.
Durch das Remastered und auch den Auftritt in Skylanders wächst allerdings die Chance, falls beides sich gut verkauft, dass Crash wieder zu einer relevanten Figur wird und wir doch noch einen komplett neuen Teil bekommen. Da die Arbeiten an dem Remastered jedoch jetzt erst starten, scheint ein neuer Teil auf jeden Fall noch in weiter Ferne zu liegen.
I’m Back – Hideo Kojima kündigt Death Stranding an
Für viele das Highlight der Sony PK, ja der ganzen E3: Hideo Kojima betritt die Bühne und verkündet seine Rückkehr. Dabei hat er einen Trailer zu seinem neuen Spiel Death Stranding dabei. Der inszenatorisch beeindruckende Trailer hält auch gleich noch eine Überraschung parat: Norman Reedus ist ebenfalls zurück. Im Trailer sieht man ihn, wie er nackt am Strand aufwacht und ein Baby in den Armen hält. Klingt etwas schräg, ist es auch.
Abgesehen von einem wirklich gut gemachten Trailer haben wir allerdings keine Anhaltspunkte zum Spiel an sich bekommen und wissen prinzipiell genauso viel wie vorher. Dass Kojima mit seiner neuen Firma Kojima Productions an einem neuen Titel arbeitet, ist jedem der Twitter usw. verfolgt bekannt. Dass dieser Titel nun exklusiv bei Sony erscheinen soll, spielt für mich als Konsument keine Rolle. Das Gute ist, scheinbar weiß Kojima selbst genauso wenig über sein nächstes Spiel wie wir. Es steht weder das Genre, noch die Engine fest. Das heißt, vor 2018 brauchen wir nicht mit Death Stranding rechnen.
Auch wenn der Trailer wirklich eindrucksvoll inszeniert ist, kann ich nicht verstehen, wie Death Stranding hier zu einem E3 Highlight gekürt werden kann. Der Hype ist groß und Hype ist alles worum die E3 sich dreht, doch für das Highlight der E3 bedarf es meiner Ansicht nach etwas mehr Substanz als einen Entwickler auf der Bühne, der bislang nur beschlossen hat ein Spiel zu machen und einen Cinematic Trailer.
Spider-Man, Spider-Man, does whatever a spider can.
Ein neues Spider Man Spiel ist in Entwicklung und es sieht nicht nach einem Batman Klon aus. Schnelle Action und spektakuläre Manöver, statt langsam und heimlich Gegner ausschalten. Nicht das an den Batman Spielen etwas falsch ist, doch es ist schön zu sehen, dass Spieder Man einen anderen Weg geht.
Dass Insomniac Games Open-World-Action können, haben sie mit Sunset Overdrive bewiesen. Auf ein Spider-Man Spiel, wie damals auf der originalen PlayStation, mit zeitgemäßer Optik hätte ich auf jeden Fall Lust.
Sony wird von den meisten als klarer Gewinner der E3 betitelt. Bei der Pressekonferenz ist man einen anderen Weg als die Konkurrenz gegangen und dieser Schritt macht sich bezahlt. Statt viel zu reden wurde der Fokus auf die Spiele gelegt. So weit, so gut. Betrachtet man allerdings die gezeigten Spiele etwas kritischer, erkennt man dass die Dichte an Highlights zwar größer ist, als bei Microsoft und Co., viele der Titel allerdings noch in weiter Zukunft liegen.
God of War und Spider-Man sind in Entwicklung, Death Stranding ist noch nicht einmal in Entwicklung und auch das Crash Remastered wird erst noch entwickelt. Resident Evil 7 (kein Exklusivtitel) erscheint nächstes Jahr, Horizon Zero Dawn und Days Gone ebenfalls. Lediglich Last Guardian, das sich seit 9 Jahren in Entwicklung befindendet, hat von den Highlights einen Release noch in diesem Jahr. Da fällt mir ein: Wo ist eigentlich Shen Mue 3? Der letztes Jahr noch aufmerksamkeitswirksam durch eine Kickstarterkampagne angekündigte Titel hat sich gar nicht blicken lassen. Auch abseits der E3 ist es still geworden. Nicht grade vorbildliche für ein durch die Crowd finanziertes Spiel.
Pokemon Sun and Moon
Nintendo startet seinen Event mit dem am 23. November erscheinenden Pokemon Sun und Moon für den 3DS. Knapp eine Stunde sprechen zwei Nintendo Treehouse Mitarbeiter mit den Entwicklern und zeigen dabei erste Gameplay-Szenen. Die neusten Ableger der Serie werden in der Alola Region spielen, die stark an Hawai angelehnt ist.
Neben ein paar mehr Pokemon und der Region, hat sich zu den vorigen Teilen nicht viel geändert. Na gut, ein paar kleine Neuerungen gibt es schon: Es werden nicht wie bisher ausschließlich 1 gegen 1 Kämpfe ausgetragen, sondern es wird auch ein Battle Royal geben, in dem sich gleich 4 Trainer gegenüberstehen. Des Weiteren wird einem im Kampf, sobald man eine Attacke einmal gegen ein bestimmtes Pokemon angewandt hat, angezeigt, ob diese gegen das Pokemon effektiv ist oder nicht. Bei der Anzahl an Pokemon Arten mittlerweile auf jeden Fall ein nettes Feature.
Die Pokemon Präsentation war durchaus interessant und es wurde viel aus dem Spiel durch ein live Gameplay gezeigt, doch für alle, die keine Hardcore Fans oder komplette Neueinsteiger der Serie sind, war es einfach viel zu lang. Pokemon hat sich nun seit 25 Jahren prinzipiell kaum verändert und auch die neuen Ableger bieten nicht so viel neues, um eine Stunde zu füllen. Als dann gezeigt wurde, wie man mit Pokemon kämpft und wie man diese fängt, war klar, dass ich nicht unbedingt das Zielpublikum war. Ich werde einen der Titel mit Sicherheit irgendwann spielen, bin aber nicht wirklich gehyped. Außerdem bin zur Zeit noch mit Pokemon Y beschäftigt, da ich fast ausschließlich unterwegs spiele.
The Legend of Zelda: Breath of the Wild
In Breath of the Wild erwacht Link ganz klassisch zu Beginn des Spiels und findet sich in einer mysteriösen Höhle wieder. Viel erfahren wir allerdings noch nicht zur Story und für die weitere Gameplaydemonstration wurden auch die meisten NPC’s und Dörfer aus der Demo genommen, damit dies so bleibt. Eins fällt jedoch sofort auf: Es wird Voice Acting geben. Dabei beschränkt es sich zumindest in der Demo auf die Stimme am Anfang (Zelda?), als Link erwacht. Auch im fertigen Spiel sollt ihr quasi in die riesige Welt von Breath of the Wild geworfen werden. Die Geschichte wird sich dann im Laufe des Spiels offenbaren, wenn ihr mehr von der Welt erkundet.
Wie bereits im ersten Trailer erkennbar war, bedient sich Breath of the Wild einer Cell Shading Optik und erinnert damit vom Look etwas an Wind Waker. Dabei sieht es aber weniger cartoonig aus, sondern wirkt wesentlich erwachsener.
Im Gespräch mit dem Nintendo Treehouse während des Live-Streams sagt der Entwickler Eiji Aonuma, dass er bei Breath of the Wild die Konventionen der Zelda Spiele überdenken wollte. Das es sich dabei nicht nur um eine leere Phrase handelt fällt schon gleich am Anfang auf, als Link zunächst springt und anschließend über ein Hindernis hinweg klettert.
Das Klettern ist für mich von der gesamten Präsentation auch das beeindruckendste Feature: Link hat eine Ausdaueranzeige, und solange diese voll ist, kann er in der Außenwelt überall hochklettern – wer kennt es nicht bei Spielen wie Skyrim: Ihr beschließt eine Abkürzung quer Feld ein zu nutzen und stoßt dabei auf einen Berg, den es nun gilt zu überwinden. In Breath of the Wild wird dies wahrscheinlich erstmals tatsächlich eine effiziente Option sein, denn bisher dauerten diese Abkürzungen grundsätzlich länger als der eigentliche Weg und waren mit einer Menge Frust verbunden.
Nintendo verspricht eine riesige Spielwelt, mit der ihr auf unterschiedliche Weise interagieren könnt. Zum Beispiel könnt ihr auf die Jagd gehen, um euch später essen zu kochen. Die gekochte Mahlzeit kann dann dafür verwendet werde eure Herzen wieder herzustellen. Außerdem zeigt der Trailer wie Link einen Felsbrocken über einen Abhang, auf ein feindliches Lager rollt, um die Trolle zu überwältigen. In einer weiteren Szene fällt Link einen Baum, der danach als Brücke dient, um eine sonst unüberwindliche Schlucht zu überqueren.
Die Spielwelt wird unterschiedliche Klimazonen haben, die jeweils Einfluss auf Link haben. Zum Beispiel wird es eine Schneelandschaft geben, in der Link, ohne die passende Kleidung, stetig Energie verliert und dadurch droht zu erfrieren. In der Demo wurde gezeigt, wie durch bestimmte Items, in dem Fall Pfeffer, Link sich auch ohne Winterkleidung warmhalten kann. Dies zeigt, dass Sammelitems durchaus relevant sind in dem Spiel.
Das erste Mal in einem Zelda Spiel sind in der Welt keine Rupees verteilt und auch durch das Besiegen von Gegnern ploppt die altbekannte Währung nicht auf. Dafür findet man in der Umwelt viele verschiedene Objekte. Zum Beispiel könnt ihr Äpfel vom Baum pflücken, findet verschiedene Pilze auf der Wiese, oder ihr entdeckt in einem Versteck Diamanten. Vermutlich werdet ihr diese Gegenstände bei Händlern verkaufen können.
Zelda üblich wird es auch im kommenden Ableger Puzzlebasierte Dungeons geben. Neben den Hauptdungeons werdet ihr 100 optionale Shrines auf der Karte verteilt antreffen, die in beliebiger Reihenfolge abgeschlossen werden können. Durch das Lösen der Shrines bekommt ihr sogenannte „Spirit Orbs“, die ihr, sobald ihr genug davon habt, gegen nützliche Gegenstände, wie den Paraglider, eintauschen könnt. Außerdem lernt Link in einigen dieser Shrines spezielle Fähigkeiten, die euch dann im gesamten Spiel zur Verfügung stehen.
Eine dieser besagten Fähigkeiten ist eine Art Telekinese Strahl. Es wurde gezeigt, wie Link Gegenstände in der Luft schweben lassen kann. Dadurch ist es möglich Felsbrocken aufzuheben und auf Gegner fallen zu lassen. Eine weitere neue Fähigkeit kam Link in einem der gezeigten Shrines zugute. An einer engen Passage rollen immer wieder Felsbrocken vorbei, sodass sie Link den Weg versperren. Hier nutzt er eine Art Stasis, mit der er den Felsbrocken einfriert und gefahrlos die Passage passiert. Als nächstes hat ein großer Felsbrocken den Weg versperrt. Mit einfachen Schlägen wäre der Brocken nicht zu bewegen. Daher nutzt Link erneut die Stasis und schlägt mehrmals
gegen den Brocken. Die Kraft der Schläge sammelt sich in dem Stein und sobald die Stasis aufgehoben wird, fliegt er davon und macht den Weg für Link frei.
In den sechs Stunden an Zelda Gameplay wurde einiges gezeigt, was die Welt von Breath of the Wild interessant macht. Man kann mit seiner Umwelt interagieren, es gibt eine Menge zu sammeln und Zelda üblich viele Geheimnisse zu entdecken. Dabei muss man bedenken, dass bislang nur 1% der Karte gezeigt und Dörfer sowie NPC aus dieser Demo entfernt wurden. Wie bei allen anderen Open-World Spielen bleibt nur noch abzuwarten, ob man es hier geschafft hat, diese riesige Welt auch interessant genug zu gestalten. Die Vielzahl an optionalen Shrines ist da schon mal ein gutes Zeichen. Auch wenn diese optional sein sollen, wird wohl kaum ein Spieler freiwillig auf den Paraglider oder die Telekinesefähigkeit verzichten wollen.
Pokemon Go: Eine App erobert die Welt
Nachdem man sich bei Nintendo am ersten Treehouse Tag fast komplett auf Zelda konzentriert hat, werden am zweiten Tag die restlichen Spiele präsentiert. Los ging es mit einem Gespräch zwischen den Entwicklern von Pokemon Go, Shigeru Miyamoto als Nintendo Repräsentant, zwei Feldtestern, die Pokemon Go bereits vor Release Probespielen durften und Mitarbeitern des Nintendo Treehouse.
Pokemon Go ist eine Augmented-Reality-App für Android und iOS, die GPS Daten des Smartphones nutzt, um euch anzuzeigen, wo sich in eurer Nähe Pokemon befinden. Diese könnt ihr dann fangen und mit anderen Pokemon Go Spielern tauschen.
Pokemon Go kann weltweit gespielt werden. Die Pokemon sollen sich je nach Region unterscheiden, sodass man überall auf Reisen aufmerksam nach seltenen Pokemon ausschau halten sollte. Auch die Art der Pokemon hängt mit eurem Standort in der echten Welt zusammen. Befindet ihr euch beispielsweise am Wasser, so tauchen auch in Pokemon Go Wasserpokemon auf; befindet ihr euch auf einer Wiese, tauchen dementsprechend Pflanzen oder Käferpokemon auf.
Zunächst sollen, passend zum 25 jährigen Jubiläum von Pokemon Rot und Blau, nur Pokemon der ersten Generation in Pokemon Go integriert werden. Nach und nach sollen weitere Pokemon folgen, sodass es euch irgendwann möglich sein wird, alle Pokemon in euren Besitz zu bringen.
Damit ihr unterwegs nicht ständig auf euer Smartphone gucken müsst, bietet Nintendo zusätzlich ein kleines Gerät mit dem Namen Pokemon Go Plus an. Auf diesem werdet ihr benachrichtigt, sobald ein Pokemon in der Nähe ist. Außerdem könnt ihr es gleich damit fangen, ohne euer Smartphone in die Hand nehmen zu müssen.
Das Spiel soll im Juli zeitgleich mit Pokemon Go Plus erscheinen. Die App wird für euch kostenfrei im Appstore angeboten. Für das Accessoire müsst ihr mit einem Preis um die 35 $ rechnen. Pokemon Go Plus bleibt völlig optionale und dient ausschließlich dem Komfort. Es bringt demnach keine weiteren Vorteile, wie bessere oder eine vermehrte Anzahl an Pokemon.
Ever Oasis: Triforce Heroes trifft Sim City
Ever Oasis ist ein Action-Adventure-RPG und erscheint 2017 exklusiv für den 3DS. Entwickelt wird es von Grezzo, die vor allem durch die 3DS Ports der Zelda Spiele und das Puzzle Adventure Triforce Heroes bekannt sind. CEO und Gründer von Grezzo ist Koichi Ishii, ein Mann, der wahrlich eine beachtliche Laufbahn vorweisen kann. Er war maßgeblich an einigen Final Fantasy Teilen sowie an der Mana Reihe beteiligt. Bei Ever Oasis ist er als Producer und Director tätigt.
Wie der Name schon andeutet, spielt Ever Oasis in einem Wüstensetting. Ihr spielt einen Jungen, der sich auf die Suche nach seinem entführten Bruder begibt. Dieser wurde nämlich von den Mächten des Chaos entführt. Ihr gründet mitten in der Wüste eine Siedlung, von der ihr eure Missionen koordinieren könnt. Während ihr die Rettung eures Bruders vorbereitet, begegnet ihr immer wieder Personen, die vom Chaos besessen sind. Ihr könnt sie befreien, indem ihr gegen sie antretet und im Kampf besiegt.
Im Team bestehend aus drei Charakteren kämpft euch in Echtzeit durch die Wüste, hin zu den Dungeons. In diesen müsst ihr die Fähigkeiten der verschiedenen Spielfiguren einsetzen, um Puzzle zu lösen. Durch die Kämpfe und das Absolvieren von Dungeons gewinnt ihr Ressourcen, die ihr wiederum einsetzen müsst, um eure Oase zu erweitern. Sobald eure Siedlung wächst, kommen weitere Charaktere mit einzigartigen Fähigkeiten dazu, die euch bei euren Missionen helfen. Außerdem lockt eine größere Oase ebenfalls mehr Reisende an, die dann bei euch einkaufen und euch ein höheres Einkommen bescheren.
Who you gonna call? – Nathan mit seiner Yo-Kai Watch
In Japan sind sie schon lange jedem bekannt. Nun sollen die Yo-Kai weiter Nordamerika erobern und dort ähnlich erfolgreich werden. Die Yo-Kai sind geisterähnliche Wesen, die tief in der japanischen Kultur verankert sind.
Erst kürzlich erschien der erste Ableger der Yo-Kai Watch Reihe in Europa und auch der Anime wird erst seit Anfang des Jahres auf Nickelodeon ausgestrahlt. Die an die Pokemon erinnernden Figuren erobern aber auch hierzulande die Herzen der Spieler. Nun wurde auf der E3 der Nordamerika-Release von Yo-Kai Watch 2 für September bekannt gegeben. Wann das Spiel in Deutschland in den Handel kommt, ist noch unklar. Da allerdings beim ersten Teil ein halbes Jahr zwischen dem Nordamerika und dem Europa Release lag, lässt sich vermuten, dass wir erneut ein halbes Jahr länger auf die Veröffentlichung warten müssen.
In Yo-Kai Watch spielt ihr einen Jungen, der eine mysteriöse Uhr findet. Mit dieser Uhr kann er geisterähnliche Wesen, die sogenannten Yo-Kai sehen und diese bekämpfen. Denn einige von ihnen treiben ihr Unwesen in der Stadt und sorgen dafür, dass sich normale Bürger auf einmal sehr seltsam verhalten.
Anders als bei Pokemon fangt ihr die Yo-Kai nicht, sondern könnt euch mit ihnen anfreunden. Dies geling, indem ihr gegen sie kämpft. Ihr könnt sechs Yo-Kai in eurem Team haben, wovon immer drei gleichzeitig aktiv an den Kämpfen teilnehmen. Während des Kampfes ist es möglich jederzeit zwischen den Yo-Kai in eurem Team zu wechseln. Wenn eure Yo-Kai in einen Kampf verwickelt werden, greifen sie von alleine an. Ihr führt lediglich Spezialattacken aus, indem ihr kleine Minispiele absolviert (z.B. mit dem Stylus eine bestimmte Linie nachzeichnen).
Japanischer Popstar werden leicht gemacht – Tokyo Mirage Session #FE
Das JRPG Tokyo Mirage Session #FE wurde von Atlus entwickelt und ist eine Kollaboration aus Persona Gameplay und Fire Emblem Charakteren. Die Geschichte des Spiels dreht sich um den Popstar Kult in Japan und die sogenannten Idols. Neben Auftritten und Proben müssen die Helden noch nebenbei die Welt retten, denn die Mirages, böse Wesen aus einer dunklen Parallelwelt, greifen Japan an.
In klassischer JRPG Manier erkundet ihr Dungeons und kämpft gegen auftauchende Kreaturen in rudenbasierten Kämpfen. Eine Besonderheit im Kampfsystem ist, dass ihr mit Skillangriffen eine Session auslösen könnt, sofern ihr eine Schwachstelle des Gegners attackiert. Gelingt euch das, greifen mehrere eurer Helden hintereinander an, ohne einen Angriff zu verbrauchen.
Tokyo Mirage Session #FE ist am 24.06 für die WiiU erschienen, daher gibt es mittlerweile schon ausführliches Bildmaterial und diverse Reviews, durch die ihr euch ein genaueres Bild des Spiels machen könnt.
Paper Mario: Splatoon … Ähm … Colour Splash
Colour Splash ist der neuste Ableger der Paper Mario Reihe und erinnert vom Artstyle stark an seinen 3DS Vorgänger Sticker Star. Dieses Mal sammelt ihr keine Sticker, sondern Farbe, um die farblosen Elemente auf Prisom Island wieder einzufärben. Des Weiteren ist eure Farbe auch im Kampf nützlich. Durch das Einfärben einer Angriffskarte wird deren Wirkung verstärkt, sodass sie mehr Schaden anrichtet.
Schon Sticker Star wurde aufgrund seiner mangelnden Rollenspielelemente stark kritisiert und auch Colour Splash wird von Nintendo als Action-Adventure kategorisiert. Als Begründung für diese Entscheidung gibt Nintendo an, dass es bereits mit Mario & Luigi eine etablierte Rollenspielserie im Mario Universum gibt.
Selten ist eine Branche so emotional wie die der Videospiele. Sobald sich eine Spieleserie ändert, gibt es meistens Fans, die ihrer Empörung Luft schaffen müssen. Und so stößt auch die Entwicklung von Paper Mario nicht nur auf Gegenliebe. Ich habe Sticker Star nicht gespielt, kann daher zu der Qualität des Spiels nichts sagen, aber Colour Splash wirkt auf mich erst einmal sehr charmant. Mir gefällt der an Super Mario Sunshine erinnernde Farbspritzer und auch das Kampfsystem finde ich auf den ersten Blick interessant. Es klingt für mich plausibel, dass man sich bei Paper Mario auf das Papier Setting und auf die Möglichkeiten, die dieses mit sich bringt, konzentrieren möchte. Ob Colour Splash tatsächlich ein Flop ist oder Nintendos Plan mit der Serie doch aufgeht, wird sich spätestens nach dem Release im Oktober herausstellen.
Mein absolutes Highlight der diesjährigen E3 war Zelda: Breath of a Wild. Nicht nur, dass es fantastisch aussieht, es wurde auch in einem ausführlichen Live-Gameplay vorgestellt, sodass ich einen guten Eindruck bekommen habe, wie sich das neue Zelda spielen wird. Sucht man den Vergleich zu seinem sehr Linear designten Vorgänger „Skyward Sword“ für die Wii wirkt Breath of the Wild wie eine 180° Wende. Bei Breath of the Wild hat man sich auf die ursprüngliche Vision eines Zelda Spiels besonnen und eine völlig offene Welt geschaffen.
Schon der erste E3 Teaser vor zwei Jahren hat angedeutet, dass Zelda riesig wird. Auch in der Demonstration haben die Spieler vom Treehouse immer wieder innegehalten und den Zuschauern einen beeindruckenden Panoramablick über die Welt von Hyrule gewährt. Das Schöne dabei: Alles, was man in der Ferne sieht, kann bereist werden. Sobald ich Zelda dann endlich spielen kann, werde ich auf eine Aussichtsplattform klettern und mir einen Punkt weit am Horizont suche, zu dem ich dann wandere – das ist schon beschlossene Sache.
Mit Breath of the Wild scheint Nintendo einerseits der Marke treu geblieben zu sein, hat aber anderseits so viel neues hinzugefügt um das Spiel erneut interessant zu machen.
2. Highlight: Cuphead
Das zweite große Highlight ist für mich der Plattformer im 30er Jahre Cartoon Stil Cuphead. Schon letztes Jahr, als der Titel ein einziger Bossrush werden sollte, fand ich Cuphead interessant. Aber seit dem Spiel nun noch ein Plattformer Part gegönnt wurde, ist mein Interesse noch um ein vielfaches gestiegen. Es bleibt natürlich abzuwarten, ob sich der Run ’n‘ Gun Teil organisch in das Spielgefühl einfügt.
3. Highlight: Scalebound
Ich habe mich langsam mit dem lächerlich wirkenden Hauptcharakter abgefunden und so kann ich Scalebound ebenfalls zu meinen Highlights der Messe zählen.Allerdings bin ich auch seit Vanquish großer Platinum Games Fan. Mir gefällt das schnelle Pacing und das auf Spaß ausgelegte Gameplay, das sich quer durch ihren Spielekatalog zieht. Scalebound sieht nach epischen Kämpfen gegen riesige Monster aus – das Ganze wird dann durch den vier Spieler Koop abgerundet.
Kleines Highlight aufgrund des überraschenden Genre-Revivals: Steep
Das nächste kleine Highlight, vor allem weil es so unerwartet kam, war Steep. Ich habe einfach seit Cool Boarders kein gutes Snowboard Spiel mehr gespielt, freue mich daher auf ein Revival des Genres. Besonders schön – obwohl Steep erst auf der E3 angekündigt wurde, soll es bereits zum Weihnachtsgeschäft in den Handel kommen. Ich hoffe nur, dass Steep nicht dem Trend moderne Sportspiele zum Realismus und simulationslastigem Gameplay folgt, sondern sich voll auf den Spaß am Spiel konzentriert.
Größte Enttäuschung: Crash
Mit den größten Flops verbinde ich gleichzeitig die größte Enttäuschung der E3. Für mich ganz oben steht da Sony, mit ihrer Crash Bandicoot Ankündigung. Im Vorfeld habe ich bereits Gerüchte zu der Rückkehr von Crash gelesen, mir aber noch keine großen Hoffnungen gemacht. Als dann aber die markante Melodie ertönte und die Bühne im Crash Design erstrahlte, war ich voller Aufregung. Doch diese Aufregung wurde gleich mit der Ankündigung des Remastered zurück auf den Boden der Tatschen geschmettert. Anschließend wurde mit dem Skylanders Feature noch einmal kräftig nachgetreten. Besonders ärgert mich, dass es mir auf meiner PS3 möglich wäre, Crash Bandicoot 1 -3 zu spielen. Ich verstehe nicht, warum das auf der PS4 ein Problem darstellt. Hier würde ich mir etwas mehr Kundenfreundlichkeit seitens Sony wünschen, indem die auf der alten Konsole digital gekauften Spiele wieder verfügbar gemacht werden. Aber nein, dann könnten sie die 20 Jahre alten Spiele nicht mehr als Vollpreistitel verkaufen. Außerdem gibt es einfach Spiele, die brauchen keine Aufbereitung – Crash ist eins davon! Ein neuer, eigenständiger Teil wäre wünschenswert und bei mir definitiv zu einem Highlight der E3 geworden. So bleibt nur der tröstende Gedanke übrig, dass durch ein Remastered dem Helden meiner Kindheit erneut Aufmerksamkeit geschenkt wird. Dadurch steigt zumindest die Wahrscheinlichkeit, dass irgendwann in der Zukunft ein Crash Bandicoot 4 entwickelt wird.
Mini-Enttäuschung: Nintendo lässt die WiiU Fans im Stich
Ein Tweet über Mario Kart seitens Nintendo kurz vor der E3 hat in mir die eigentlich unwahrscheinliche Vermutung auf neuen DLC geweckt. Den gab es nicht – halb so schlimm. Dass allerdings keins der aktuellen WiiU Spiele von Nintendo gepflegt wird, ist ziemlich enttäuschend. Besonders bei Mario Maker hätte ich mir ein Update gewünscht, das ausnahmsweise nicht nur negatives mit sich bringt, sondern auch ein paar Items, mit denen die kreativen Köpfe weltweit wieder großartige Level schaffen können.
In Entwicklung…: Flop weil unbegründeter Hype
Ist in Entwicklung … – besonders bei Sony wurden etliche Spiele vorgestellt, deren Release noch in weiter Ferne liegt. Death Stranding ist da das beste Beispiel. Ein Cinematic Trailer löst einen unglaublichen Hype zu dem Spiel aus, dabei wurde noch nicht einmal mit der Entwicklung begonnen. Ja, es steht nicht einmal ein genaues Genre oder die Gameengine fest. Ein Skeptiker würde sich nun fragen, wie viel der Trailer später mit dem fertigen Spiel zu tun haben wird.
Auch zu Spiderman und dem Crash Remastered konnte nicht mehr als „in Entwicklung“ gesagt werden. EA ist mit ihrem großen Star Wars Plan ebenfalls ein guter Kandidat für „in Entwicklung“. Da wird über Spiele geredet, die für 2018 und noch später geplant sind. Dass EA diese wertvolle Lizenz nicht brachliegen lässt und da ein Spiel entwickelt wird, dürfte jedem klar sein. Spiele, deren Release für 2018 oder noch später geplant sind, interessieren mich im Moment einfach noch nicht. Für diese Titel ist im nächsten Jahr erneut eine E3. Den Publisher sollte ein Jahr reichlich Zeit bieten, um den gewünschten Hype für ihr Spiel auszulösen – oder sie überzeugen einfach mit einem guten Spiel.
Fazit
Alles in allem war es eine interessante E3. Mit den bevorstehenden 1.5 Konsolen steht uns eine spannende Entwicklung im Konsolenmarkt bevor und auch VR ist deutlich im Kommen. Gab es letztes Jahr nur kleinere Spielereien, sind jetzt auch ganze Spiele in der Entwicklung. Bis VR dann tatsächlich im Mainstream angekommen ist, wird noch einige Zeit vergehen.
PlayStation VR scheint ein wichtiger Schritt für die virtuelle Realität zu sein, um sich im heimischen Wohnzimmer zu etablieren. Denn durch Sonys VR-Brille ist Virtual Reality erstmals erschwinglich. Bislang benötigte man noch einen teuren High End PC und auch die Brillen waren mit einem deutlich höheren Preis versehen. Besitzer der Playstation 4 müssen hingegen „nur“ noch 400 € für ihr privates VR-Erlebnis zahlen.
Von einem irrelevant werden der E3 war nichts zu spüren. Ganz im Gegenteil – es wurde mit Project Scorpio die neue halbe Konsolengeneration angezeigt und mit Morpheus wurde vonseiten Sony ein wichtiger Schritt für VR gemacht. Die Videospielbranche bleibt hoch dynamisch und wir dürfen gespannt sein, was in den nächsten Monaten vor allem mit der neuen PlayStation, Virtual Reality und natürlich der Nintendo NX auf uns zukommt.
Star Fox Zero kann als eine Neuinterpretation des Nintendo 64 Klassikers „Star Fox 64“ bzw. „Lylat Wars“ angesehen werden. Die Story ist nahezu die gleiche wie bei der 19 Jahre alten Vorlage: Der böse Wissenschaftler Andross wurde auf einen weit entfernten Planeten verbannt. Dort schwor er Rache am Lylat-System zu nehmen. Eines Tages tauchen dann seine Truppen auf dem Planeten Corneria auf und es droht die Zerstörung der gesamten Stadt Corneria-City. General Pepper bittet Fox McCloud und sein Team um Hilfe, denn nur sie können die Stadt noch retten.
Der Walker kämpft sich durch die Raumstation
In Star Fox Zero bekämpft ihr die gegnerischen Truppen entweder im klassischen Arwing (Jet), dem Landmaster (Panzer) oder im Gyrowing. Bei einigen Gefährten ist es zudem noch möglich sie zu transformieren. Der Arwing zum Beispiel kann auf Knopfdruck in den Walker, ein Raptor ähnliches Gefährt, verwandelt werden. Der Gyrowing hat noch den Direct-i mit an Bord.
Der Gyrowing mit herabgelassenem Direct-i
Der Direct-i ermöglicht es in kleinere Räume einzudringen und dort diverse Konsolen zu bedienen, die dann den Weg für das Star Fox Team öffnen. Spielerisch bieten die verschiedenen Gefährte eine nette Abwechslung. Manche Level werden recycelt, indem ihr sie mit einem anderen Fahrzeug absolvieren müsst. Das funktioniert auch gut, da sich das Gameplay der Fahrzeuge deutlich voneinander unterscheidet. Zum Beispiel müsst ihr auf dem normalen Weg ein Level mit dem Gyrowing bestreiten, wobei sich das Level als eine Art Schleichmission darstellt. Auf der alternativen Route, steigt ihr dann für das Level in den Arwing und habt eine bestimmte Zeitvorgabe. Dadurch werdet ihr gezwungen eure vorige Taktik über den Haufen zu werfen.
Optisch ist Star Fox Zero ein solides Spiel, jedoch nicht mehr ganz zeitgemäß. Selbst auf der Wii U hat man bereits deutlich Besseres gesehen. Allerdings muss die Konsole auch zu jeder Zeit zwei Bildschirme bedienen, was selbst bei größeren Raumschlachten zu keinen Einbrüchen in der Framerate führt. Auf dem Fernseher ist das Flugzeug aus der Third-Person-Perspektive zu sehen. Auf dem Gamepad dagegen habt ihr die Cockpit-Sicht zur Verfügung. Diese ermöglicht ein zielgenaues Schießen, wodurch ein ständiger Blickwechsel zwischen den beiden Bildschirmen unabdingbar ist.
Dogfight im Arwing
Der große Unterschied zwischen Star Fox Zero und Lylat Wars: Die Steuerung
Wir Videospieler sind schon nicht leicht zufriedenzustellen. Zum einen beklagen wir, dass die Weiterentwicklung bei Tripple-A Spielen stagniert, zum Anderen springen wir bei jeder Veränderung unserer geliebten Spiele auf die Barrikaden. Nintendo hat in Zusammenarbeit mit Platinum Games bei Star Fox Zero versucht etwas Neues in die Serie zu implementieren. Zugegebenermaßen wirkt die Bewegungssteuerung bei Star Fox Zero etwas gezwungen und ist definitiv gewöhnungsbedürftig, doch nach einer gewissen Einarbeitungsphase funktioniert sie überraschend gut. Vor allem in Anbetracht der vielen negativen Stimmen bezüglich der Steuerung war ich sogar positiv überrascht. Denn eigentlich gehöre auch ich zu denjenigen, die mit Bewegungssteuerung nicht viel anfangen können. Bei Star Fox kommt man mit minimalen Bewegungen aus, um das Fadenkreuz auf sein Ziel zu bewegen. Auf Knopfdruck ist es dazu noch möglich das Fadenkreuz erneut zu zentrieren. Dadurch kann der Controller beliebig gehalten werden. Zum Beispiel kann das Fadenkreuz bei geneigter Haltung des Controllers zentriert werden, sodass trotz der geneigten Haltung ein frontales Ziel abgeschossen werden kann. Zudem steuert man das Fadenkreuz ebenfalls durch das Lenken des Arwings. Die Motion-Stuerung sollte dann ergänzend eingesetzt werden, um sein Ziel genau ins Visier zu nehmen. Zusätzlich ermöglicht die separate Steuerungsmöglichkeit, dass auch Ziele abseits der eigenen Flugrichtung abgeschossen werden können. Einen Kritikpunkt an der Steuerung habe ich allerdings: Beim Blick auf den Fernseher schießt man, trotz das man sein Ziel genau im Visier hat, daneben. Hier fällt beim Vergleich zwischen Gamepad und Bildschirm auf, dass nur mit Blick auf das Gamepad präzises Zielen möglich ist. Auf dem Bildschirm ist das Fadenkreuz, vor allem sobald man etwas am Bildschirmrand anvisiert, ein gutes Stück neben dem Ziel. Vor allem in den rasanten Dogfights mit Loopings und Barrel-Rolls oder den intensiven Bosskämpfen kann der ständige Blickwechsel zwischen Gamepad und Bildschirm dazu führen, dass man schon mal den Überblick verliert.
Die Steuerung zu meistern ist allerdings auch essenziell, denn es wird einem nichts geschenkt. Typisch für Platinum Games ist der Schwierigkeitsgrad von Star Fox Zero relativ hoch angesiedelt. Sind die ersten Level noch relativ einfach zu absolvieren, wird das Spiel danach spürbar schwerer. Spätestens sobald ihr euch daran versucht die etlichen Bonusrouten freizuschalten verlangt Star Fox einiges vom Spieler ab. Vor allem bei den Bosskämpfen am Ende der Level kann schon mal das ein oder andere Leben drauf gehen. Besonders gemein: Solltet ihr keine Leben mehr übrig haben, müsst ihr den gesamten Level noch einmal spielen. Es lohnt sich daher in jedem Fall die goldenen Ringe zu sammeln, um sich ein Extraleben zu erspielen. Auch der Arcade Modus, der nach einmaligem Durchspielen freigeschaltet wird, hat es in sich. Hier muss das Spiel ohne Continues abgeschlossen werden.
Obwohl ich am Ende mit der Bewegungssteuerung gut zurechtkam, sehe ich es als negativ an, dass Nintendo und Platinum Games den Spieler dazu zwingen diese zu benutzen. Nintendo hätten sich eine menge Ärger ersparen können, wenn sie eine alternative Steuerung implementiert hätten.
Wohl mein größter Kritikpunkt ist allerdings der fehlende Multiplayer. Es gibt zwar die Möglichkeit kooperativ zu spielen, trotzdem ist, auch wenn der Fokus auf dem Singleplayer liegt, ein Multiplayer im Jahr 2016 obligatorisch. Selbst bei der Nintendo 64 Vorlage „Lylat Wars“ konnte man sich schon lokal zu viert gegenseitig abballern. Ein Multiplayer, lokal oder online, hätten die Spieldauer noch um einige kurzweilige Stunden verlängern können und wäre eine nette Ergänzung.
Fazit
Der größte Kritikpunkt, den man bei diversen Reviews liest oder hört, ist wohl die Steuerung. Ich kann es verstehen, wenn man sich generell gegen Bewegungsteuerung ausspricht. Das ist jedem selbst überlassen und demjenigen ist auch definitiv von Star Fox Zero abzuraten. Es entzieht sich allerdings meinem Verständnis, dass zum Beispiel „Steuerung erfordert Einarbeitungszeit“ bei einem größeren deutschen Spielemagazin als negativ bewertet wird. Zuerst einmal: Seit wann ist es negativ, wenn ein Spiel und dessen Steuerung Einarbeitungszeit benötigt? Nicht jedes Spiel kann auf einer simplen „drück X und mach alles“ Mechanik bestehen. Manche Spiele benötigen eine gewisse Zeit, damit man mit ihnen zurechtkommt, dadurch können diese Titel doch nicht schlechter bewertet werden. Star Fox ist schwierig und vor allem solange man die Steuerung nicht vollkommen beherrscht wird man abgeschossen.
Die Lernkurve ist entscheidend!
Wichtig ist dann, dass eine Lernkurve entsteht und man merklich besser wird. Und das ist zumindest bei mir der Fall gewesen. Hab ich beim ersten Durchgang noch allein um den Endboss Andross zu besiegen eine Stunde gebraucht, konnte ich mit etwas mehr Übung den Arcade Mode in knapp 70 Minuten abschließen.
Das Spiel nutzt die Hardware der Konsole aus und Nintendo versucht hier mit Platinum Games etwas Neues. Allein das, muss meines Erachtens schon einmal gewürdigt werden. Unternehmen dürfen hier nicht auf die Spieler hören und müssen im Zweifelsfall auch einen Misserfolg hinnehmen. Bei Splatoon waren auch die Stimmen laut, die etwas gegen das Farbgeschmiere oder gegen die Bewegungssteuerung hatten. Trotzdem hat sich das Spiel im Nachhinein als sehr erfolgreich herausgestellt.
Wenn ihr über den Kauf nachdenkt, sollte euch bewusst sein, dass es sich bei Star Fox Zero um einen mehr oder weniger klassischen Arcade-Shooter handelt. Hier entsteht der Wiederspielwert durch das Freispielen der alternativen Routen und später durch die Highscorejagd. Ihr müsst auch damit rechnen, dass ihr nicht jeden Planeten auf Anhieb schafft. Wenn ihr allerdings die Zeit investiert, um die Steuerung zu beherschen und Spaß daran habt für jeden Planet die optimale Strategie herauszufinden, kann Star Fox für einige unterhaltsame Stunden sorgen.
Studio: Monolith Soft Publisher: Nintendo Entwickler: Nintendo EPD, Platinum Games Erscheinungsjahr: 2016 Plattform: Wii U Genre: Action/ Arcade Shooter Altersfreigabe: USK 12
Der Film Chappie beginnt mit einem Zusammenschnitt aus Nachrichten, die über Gewalt und Kriminalität in Johannesburg berichten. Polizisten haben immer wieder das Nachsehen im Kampf gegen die Banden, doch das soll sich nun ändern. Auf einer Pressekonferenz stellt der Polizeipräsident die neue Wunderwaffe gegen alles, was momentan in der Metropole schief läuft, vor. Korruption, Gewalt und Kriminalität sollen von dem Robopolizisten zerschlagen werden und die Stadt wieder in neuem Glanz erstrahlen lassen. Dieser Polizeiroboter wurde maßgeblich von dem Ingenieur Deon Wilson entwickelt. Dabei handelt es sich allerdings nicht um die einzige Art Roboter. Vincent Moor, ein weiterer Ingenieur, der mit Deon zusammenarbeitet, hat ebenfalls einen Roboter entwickelt. Sein Roboter handelt jedoch nicht selbstständig, sondern muss von einem Menschen ferngesteuert werden. Letztendlich hat sich das Unternehmen gegen die ferngesteuerten Maschinen von Moor entschieden. Seitdem nutzt er jede Gelegenheit Deon und seine autonomen Roboter schlecht dastehen zu lassen. Obwohl Deons Robopolizisten sich bereits im Einsatz als erfolgreich erwiesen haben, ist er noch nicht am Ende seiner Forschung. Er hat sich zum Ziel gesetzt seine Polizeiroboter weiterzuentwickeln, sodass sie eines Tages eine echte künstliche Intelligenz besitzen. Sie sollen genauso wie ein Mensch lernen können und selbst Entscheiden, welches Handeln für sie richtig oder falsch ist. Zu Hause forscht Deon deswegen unermüdlich weiter, um aus seiner Fantasie irgendwann Realität werden zu lassen. Eines Abends scheint ihm der Durchbruch tatsächlich gelungen zu sein. Jetzt fehlt ihm nur noch das passende Testobjekt. Am nächsten Tag versucht er seine Vorgesetzte von dem Projekt zu überzeugen, doch vergebens. Kurzerhand beschließt Deon seine Forschung auf eigene Faust fortzusetzen und stiehlt einen defekten Polizeiroboter. Grade als er sich auf den Heimweg begibt, treten Yolandi und Ninja auf den Plan und entführen Deon mitsamt seinem Roboter.
Robcop trifft Nummer 5. Der Film Chappie erinnert in seiner Prämisse deutlich an den 80er Jahre Klassiker Robocop. Auch hier sollen die bisherigen Polizisten, durch Roboter ersetzt werden. Spätestens sobald der Moose vorgestellt wird, der deutlich an den ED-209 erinnert, sind die Gemeinsamkeiten nicht mehr von der Hand zu weisen. Der neidische Ingenieur, dessen Idee verkannt wird und der nun einen Plan ausheckt, wie er das aktuelle Programm sabotieren und seiner Erfindung doch noch zum Durchbruch verhelfen kann.
Posititv an dem Film aufgefallen und wirklich beeindruckend waren die Locations. Der Kontrast aus Science-Fiction Setting und den rauen Straßen von Johannesburg haben eine aufregende Komposition ergeben. Die Sets waren allerdings das einzig Authentische. Die Charaktere wirken die meiste Zeit völlig überzeichnet, um nicht zu sagen lächerlich. Es hätte dem Film gut getan, wenn Blomkamp auf richtige Schauspieler zurückgegriffen hätte. Optisch passen die zwei Gestalten zwar gut und der Soundtrack war durch die beiden Mitglieder der Band „Die Antwoord“ auch eine Bereicherung, aber die Darbietung der drei Gangster ist bemerkenswert schwach.
Der Film Chappie scheint sein Ziel völlig aus den Augen zu verlieren. Aufgrund der lächerlich wirkenden Charaktere und Handlung kann man den Film einfach nicht ernst nehmen. Oft stellt sich die Frage, was an dem Film nun Komik sein soll und was nur unfreiwillig komisch wirkt. Das Roboter Baby, das den Gangster imitiert. Yolandi, die besorgte Mutter, die sich doch nur um den kleinen Chappi sorgt. Unterstützt wird die melodramatische Handlung in den ruhigeren Szenen durch eine völlig überzogene und deplatziert wirkende theatralische Musik. Hier wird dem Zuschauer mit aller Deutlichkeit signalisiert, dass er sich hier um Chappie und Co. sorgen soll.
Sobald die Botschaft der Szene dem Zuschauer mit der Faust aufs Auge präsentiert werden muss, weiß man, dass gesellschaftskritische Ansätze hier nicht zu erwarten sind. Dabei war mit Robocop die Vorlage bereits da, allerdings wurde das Potenzial durch eine Aneinanderreihung von Albernheiten gnadenlos verschenkt.
Um mit etwas positivem abzuschließen, soll hier die wirklich gelungende Darstellung des Roboters Chappie erwähnt werden. Mimik und Gestik wirken bei Chappie authentischer als bei so manch menschlichem Schauspieler in dem Film.
Fazit
Chappie ist ein Film, der durchaus unterhalten kann, solange man nicht zu hohe Erwartungen hat. Blomkamp schafft es nicht, an die Qualität von District 9 anzuknüpfen und auch ein Vergleich zu seiner offensichtlichen Inspirationsquelle Robocop, tut dem Film ebenfalls keinen Gefallen. Wenn man sich aber damit abfinden kann, nicht die tiefgründigste Geschichte erzählt zu bekommen, bleiben noch die nett anzusehenden Bilder und die zahlreichen humoristischen Momente, die meist allerdings aus Albernheiten bestehen.
Hyung-do ist ein Company Man und arbeitet laut eigener Aussage für eine ganz normale Firma in Südkorea. Allerdings ist die Firma nur zum Schein ganz normal, denn sie ist spezialisiert auf das professionelle Töten von Menschen. Hyung-do ist ein guter Angestellter, sogar einer der Besten auf seinem Gebiet. Er erledigt jeden Job zielstrebig, effizient und leidenschaftslos. Das ändert sich allerdings, als er den Auftrag bekommt seinen jungen Partner umzubringen. Als letzten Wunsch äußert dieser die Bitte seiner Mutter seine Ersparnisse zukommen zu lassen, die er in der Zeit in der Firma angesammelt hat. Wie sich herausstellt, handelt es sich bei der Mutter um Mi-yeon, eine ehemalige Sängerin, die Hyung-do früher sehr gemocht hat. Die Beiden fangen an Zeit miteinander zu verbringen und der Auftragskiller lernt ein Leben abseits der Firma kennen. Letztendlich erkennt er, dass er nicht länger seiner Profession nachgehen möchte, und beschließt in den vorzeitigen Ruhestand zu treten. Doch diese Entscheidung lässt ihn zur Zielscheibe der Firma werden, denn ein Ausstieg ist für gewöhnlich nur im Leichensack möglich.
Bei „A Company Man“ können durchaus Parallelen zu dem durchschnittlichen koreanischen Arbeiter gezogen werden, der ebenfalls pflichtbewusst in einer melancholischen Lethargie seinem bedeutungslos erscheinenden Job in einer riesigen Firma nachkommt und sich fragt, ob das nun alles im Leben gewesen sein soll.
Genau diese Frage stellt sich nämlich auch Hyung-do als er Mi-yeon begegnet. So interessant diese Allegorie doch scheint, wird das Potenzial durch den Einsatz von typischen Klischeefiguren verschenkt. Hyung-do ist ein kaltblütiger Killer, wodurch es einem ohnehin schwerfällt, Sympathie zu dem Protagonisten aufzubauen. Auch wenn darauf verzichtet wird ihn beim Morden Unschuldiger zu zeigen, ist doch jedem klar, dass er, um an die Spitze der Firma zu kommen, etlichen Menschen das Leben genommen hat. Dazu kommt noch, dass der Protagonist wahrlich kein Mann vieler Worte ist, sodass es insgesamt an der nötigen Tiefe des Charakters fehlt.
Bei der Inszenierung kommen innovative Kameraeinstellungen zum Einsatz die in Verbindung mit den dynamischen Schnitten die actiongeladene Choreografie gelungen in Szene setzen. Doch trotz dieser Action Highlights und der vielversprechenden Prämisse bleibt A Company Man ein ruhig verlaufendes Action-Drama, das in weiten Teilen nur bedeutungslos vor sich hinzu plätschern scheint.
Trotzdem ist „A Company Man“ ein solider Film, der vor allem Leuten Spaß machen wird, die ohne große Erwartungen an ihn herangehen. Sucht man allerdings den Vergleich zu Genregrößen wie „Bittersweet Life“, „I saw the Devil“ oder „The Man from Nowhere“ ist die Enttäuschung vorprogrammiert. Hier haben die Werbetexte dem Film keinen Gefallen getan.
Fazit
Trotz der nur 96 Minuten Laufzeit hatte A Company Man, besonders aufgrund der einfarbigen Charaktere und der vorhersehbaren Story seine Längen. Sobald es allerdings kracht, spielt der Film seine Trumpfkarte aus und die liegt in der aufregenden Inszenierung der Actionsequenzen. Stilistisch hat sich Regisseur Lim Sang-yoon erkennbar an Genregrößen orientiert, allerdings diese nicht übertroffen, wodurch ein voreiliger Vergleich dem Film nur schadet. Unvoreingenommen betrachtet ist „A Company Man“ ein gelungenes Erstlingswerk, das sicher seine Macken hat, aber durchaus zu unterhalten weiß.
Produktionsland: Süd Korea Originalsprache: Koreanisch Erscheinungsjahr: 2012 Länge: 96 Minuten Altersfreigabe: FSK 18/ ungeprüft
Regie: Lim Sang-yoon Drehbuch: Lim Sang-yoon Musik: Mowg Kamera: Lee Hyung-deok Schnitt: Nam Na-yeong
Besetzung
So Ji-sub – Ji Hyeong-do; Lee Mi-yeon – Yoo Mi-yeon; Kwak Do-won – Kwon Jong-tae; Kim Dong-jun – Ra Hoon; Lee Geung-young – Ban Ji-hoon, department head; Han Bo-bae – Ra Bo-seul; Yoo Ha-bok – Jin Chae-gook, department head; Yoo Na-mi – Miss Ahn, receptionist; Hong Kyung-yeon – Yang, chief of equipment materials team; Jeon Guk-hwan – Representative Jeon; Lee Jae-yoon – Shin Ip-nam, sales;
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Dann wäre da noch La La Land, ein zu Film gewordenes Broadway Musical, das zurecht bei der Oscarverleihung gleich sechs der begehrten Preise abgeräumt hat. Ein Film, der einen glücklich zurücklässt und bei dem man auch während des Schauens das Lächeln nicht aus dem Gesicht bekommt. Ein bisschen Kitsch, bezaubernde Bilder, gute harmonisierende Darsteller und unterhaltsame Gesangs- und Tanzeinlagen machen das Musical zu einem der besten Filme des Jahres.
Wirklich beeindruckt hat mich Tom Hanks dieses Jahr in Sully. Ich fand schon Captain Phillips sehr stark, vor allem die Szene als Captain Phillips gerettet und von der Ärztin untersucht wurde. Dann hat Hanks das Ganze in Bridge of Spies noch einmal getoppt. Auch hier hat sich erneut die Schlussszene in mein Gedächtnis gebrannt, aber auch der restliche Film ist nicht zuletzt durch Tom Hanks ein spannendes und intensives Erlebnis. Ja, und jetzt setzt Sully ein weiteres Mal einen drauf. Hier gibt es nicht eine Szene, die besonders hervorsticht, sondern der Film als Ganzes sticht hervor. Eine bewegend erzählte Geschichte eines Helden, der hunderten Menschen, durch ein spektakuläres Manöver, das Leben gerettet hat. Spoiler 🙂
New York City wird von einer Unterwelt Gang terrorisiert, die sich selbst als Footclan bezeichnet. Der Clan agiert im Schatten, sodass er bei den Einwohnern der Stadt nur als Gerücht kursiert. April O’Neal, eine ambitionierte Journalistin, will das ändern und versucht die Verbrechen des Footclan aufzudecken. Eines Nachts geht April auf eigene Faust einem Hinweis nach und schleicht sich zu den Docks. Dort wird sie nicht nur Zeuge, wie der Footclan einen Container ausräumt, sondern auch, wie eine mysteriöse Gestalt die Verbrecher in die Flucht schlägt. Angespornt von den Ereignissen an den Docks ist sie entschlossener denn je die Aktivitäten der New Yorker Unterwelt ans Tageslicht zu bringen. Bei ihrer nächsten Begegnung mit dem Footclan wird April als Geisel genommen. Erneut tauchen die Gestalten auf, schlagen den Clan in die Flucht und befreien April. Es stellt sich heraus, dass es sich bei den heimlichen Helden um die Teenage Mutant Ninja Turtles handelt. Die vier mutierten Schildkröten Donatello, Raphael, Leonardo und Michelangelo wurden von der Ratte Splinter großgezogen und in der Kunst des Ninjutsu unterrichtet.
Coherence erzählt die Geschichte von acht Freunden, die sich längere Zeit nicht gesehen haben und bei einem gemeinsamen Dinner einen netten Abend verleben möchten. Für eben diesen Abend haben Astronomen angekündigt, dass ein Komet an der Erde vorbeizieht. Doch was eigentlich ein schön anzusehendes Schauspiel am Himmel werden sollte, löst eine Anomalie aus, die das Strom- und Mobilfunknetz zum Erliegen bringt. Im Verlauf des Abends häufen sich die seltsamen Ereignisse, sodass sich die Freunde fragen müssen, was der Komet noch verursacht hat.
In Ryse: Son of Rome schlüpft ihr in die Sandalen des römischen Legionärs Marius Titus und schnetzelt euch durch 8 verschiedene Level, die stets einen linearen Verlauf nehmen. Das hat schon einmal den Vorteil, dass Marius sich nicht verlaufen kann. Zunächst verschlägt es den nach Rache dürstenden Legionär nach Britannien. Dort will er diejenigen zur Strecke bringen, die seine Familie auf offener Straße in Rom ermordet haben. Doch im Verlauf seines Schlachtzuges muss Marius, und auch der Spieler feststellen, dass möglicherweise doch nicht alles so ist, wie es zunächst den Anschein machte. List und Verrat führen immer wieder zu mehr oder weniger spannenden Wendungen. Es wird jedenfalls dadurch versucht die Geschichte interessant zu halten. Mehr will ich zur Story an dieser Stelle nicht verraten, denn ich will nicht die wenigen Überraschungen, die Ryse bereithält, vorwegnehmen.
Der 32-jährige Tatsuo Fukuda, den alle nur Fuku-chan nennen, arbeitet als Maler in Tokyo. Seit er die Highschool abgeschlossen hat und nach Tokyo gezogen ist, lebt er ein bescheidenes Leben in dem heruntergekommenen Appartmentkomplex FukuFuku Flats. Tagsüber ist Fuku-Chan durch seinen Job damit beschäftigt Gebäude in Tokyo zu streichen. Abends bastelt er in seiner Freizeit gerne Drachen, die er selbst kunstvoll gestaltet. Fuku-chan ist ein Mensch voller Güte, der sich in die Lage seiner Mitmenschen versetzen kann und ihnen aufmerksam zuhört. Deshalb kommen seine Nachbarn auch zu ihm, wenn sie Probleme haben und fragen um Rat. Als er mal wieder einen Streit schlichten möchte, lernt er seine beiden Nachbarn besser kennen und freundet sich mit ihnen an. Auch wenn der sympathische Fuku-Chan von allen gemocht wird, hat er mit den Frauen bislang kein Glück gehabt. Dies möchte sein Arbeitskollege ändern und arrangiert ein Date für den liebevollen Fuku-Chan.
Star Fox Zero kann als eine Neuinterpretation des Nintendo 64 Klassikers „Star Fox 64“ bzw. „Lylat Wars“ angesehen werden. Die Story ist nahezu die gleiche wie bei der 19 Jahre alten Vorlage: Der böse Wissenschaftler Andross wurde auf einen weit entfernten Planeten verbannt. Dort schwor er Rache am Lylat-System zu nehmen. Eines Tages tauchen dann seine Truppen auf dem Planeten Corneria auf und es droht die Zerstörung der gesamten Stadt Corneria-City. General Pepper bittet Fox McCloud und sein Team um Hilfe, denn nur sie können die Stadt noch retten.
Der Film Chappie beginnt mit einem Zusammenschnitt aus Nachrichten, die über Gewalt und Kriminalität in Johannesburg berichten. Polizisten haben immer wieder das Nachsehen im Kampf gegen die Banden, doch das soll sich nun ändern. Auf einer Pressekonferenz stellt der Polizeipräsident die neue Wunderwaffe gegen alles, was momentan in der Metropole schief läuft, vor. Korruption, Gewalt und Kriminalität sollen von dem Robopolizisten zerschlagen werden und die Stadt wieder in neuem Glanz erstrahlen lassen. Dieser Polizeiroboter wurde maßgeblich von dem Ingenieur Deon Wilson entwickelt. Dabei handelt es sich allerdings nicht um die einzige Art Roboter. Vincent Moor, ein weiterer Ingenieur, der mit Deon zusammenarbeitet, hat ebenfalls einen Roboter entwickelt. Sein Roboter handelt jedoch nicht selbstständig, sondern muss von einem Menschen ferngesteuert werden. Letztendlich hat sich das Unternehmen gegen die ferngesteuerten Maschinen von Moor entschieden. Seitdem nutzt er jede Gelegenheit Deon und seine autonomen Roboter schlecht dastehen zu lassen. Obwohl Deons Robopolizisten sich bereits im Einsatz als erfolgreich erwiesen haben, ist er noch nicht am Ende seiner Forschung. Er hat sich zum Ziel gesetzt seine Polizeiroboter weiterzuentwickeln, sodass sie eines Tages eine echte künstliche Intelligenz besitzen. Sie sollen genauso wie ein Mensch lernen können und selbst Entscheiden, welches Handeln für sie richtig oder falsch ist. Zu Hause forscht Deon deswegen unermüdlich weiter, um aus seiner Fantasie irgendwann Realität werden zu lassen. Eines Abends scheint ihm der Durchbruch tatsächlich gelungen zu sein. Jetzt fehlt ihm nur noch das passende Testobjekt. Am nächsten Tag versucht er seine Vorgesetzte von dem Projekt zu überzeugen, doch vergebens. Kurzerhand beschließt Deon seine Forschung auf eigene Faust fortzusetzen und stiehlt einen defekten Polizeiroboter. Grade als er sich auf den Heimweg begibt, treten Yolandi und Ninja auf den Plan und entführen Deon mitsamt seinem Roboter.
Hyung-do ist ein Company Man und arbeitet laut eigener Aussage für eine ganz normale Firma in Südkorea. Allerdings ist die Firma nur zum Schein ganz normal, denn sie ist spezialisiert auf das professionelle Töten von Menschen. Hyung-do ist ein guter Angestellter, sogar einer der Besten auf seinem Gebiet. Er erledigt jeden Job zielstrebig, effizient und leidenschaftslos. Das ändert sich allerdings, als er den Auftrag bekommt seinen jungen Partner umzubringen. Als letzten Wunsch äußert dieser die Bitte seiner Mutter seine Ersparnisse zukommen zu lassen, die er in der Zeit in der Firma angesammelt hat. Wie sich herausstellt, handelt es sich bei der Mutter um Mi-yeon, eine ehemalige Sängerin, die Hyung-do früher sehr gemocht hat. Die Beiden fangen an Zeit miteinander zu verbringen und der Auftragskiller lernt ein Leben abseits der Firma kennen. Letztendlich erkennt er, dass er nicht länger seiner Profession nachgehen möchte, und beschließt in den vorzeitigen Ruhestand zu treten. Doch diese Entscheidung lässt ihn zur Zielscheibe der Firma werden, denn ein Ausstieg ist für gewöhnlich nur im Leichensack möglich.
